Анонсы
 |
Сергей Уваров, музыковед, культуролог |
Фестиваль Госкапеллы России под управлением Валерия Полянского к 85-летию со дня рождения Альфреда Шнитке стартовал еще в сентябре, но основная его часть приходится на ноябрь. 21 ноября в БЗК будут исполнены «Стихи покаянные» для смешанного хора a cappella и Симфония № 2 («Святой Флориан») для солистов, хора и симфонического оркестра. А 28 ноября состоится финальный вечер, он же – кульминация всего цикла: в концертном исполнении прозвучит опера «Джезуальдо».
Обращение Валерия Полянского к этой партитуре – не случайность: именно он подготовил российскую премьеру «Джезуальдо», состоявшуюся в том же БЗК в ноябре 2000 года. Теперь, девятнадцать лет спустя, возможность услышать вживую одно из последних крупных произведений Шнитке, которое, увы, крайне редко исполняется, будет у нового поколения ценителей творчества композитора.
После возобновления своей фортепианной карьеры в 2012 году Михаил Плетнёв стабильно радует меломанов новыми программами, и всё же каждое его выступление – событие. С недавних пор маэстро облюбовал Филармонию‑2. Прошлой осенью он играл там два вечера подряд – второй концерт был повторением первого (за исключением бисов), и это логичное решение, поскольку поклонников у Плетнёва куда больше, чем вмещает зал на Юго-Западной.
В этом году Михаил Васильевич решил повторить ту же схему: 11 и 12 ноября в Филармонии‑2 он сыграет сонаты Моцарта (№ 4 и № 10) и Бетховена (№ 31 и № 32). Но к ним прибавится третий клавирабенд – в Новой Третьяковке на «Т Фестивале». Билеты туда дороже, зато пространство более камерное и, вдобавок, радующее глаз произведениями живописи.
Заметим, что в прошлом году Плетнёв уже «обкатывал» эту программу – причем тоже в музее: в ГМИИ имени А. С. Пушкина в рамках Декабрьских вечеров. Но то было мероприятие особое и труднодоступное. Теперь же шедевры венских классиков в интерпретации Михаила Васильевича смогут услышать все меломаны.
Большой театр возрождает один из ярких примеров русской «доглинкинской» оперы – «Гостиный двор» Василия Пашкевича. Оригинальное название – «Как поживешь, так и прослывешь, или Санкт-Петербургский Гостиный двор». Но в Москве, что логично, решили его сократить. Есть ли купюры в самом произведении – узнаем на премьере, но учитывая, что за дирижерский пульт встанет 34-летний Филипп Чижевский, известный по аутентичным исполнениям старинной музыки, можно предположить, что к музыкальной стороне подход будет максимально бережным.
Показательно, что режиссер спектакля – представитель того же поколения «30+»: Глеб Черепанов дебютировал на профессиональной сцене всего пять лет назад, но с тех пор успел осуществить десятки постановок, в том числе музыкальных.
Сможет ли молодая команда подарить вторую жизнь одной из самых старых российских опер? Очень хотелось бы. В любом случае, событие знаковое. Да и кому, как не главному национальному театру, напомнить публике, что опера на Руси была и до «Жизни за царя».
 |
Лев Ганкин, радиоведущий |
Группа Faust – классики диковинного жанра, известного как краут-рок: свободомыслящей немецкой музыки, возникшей на рубеже 1960–70-х из стремления нового поколения музыкантов в Германии создать собственный стиль, максимально далекий от господствовавшего англо-американского рок-звучания. Краут-роком ее стали называть почти сразу же – и в основном с насмешкой (krauts, то есть «капустники» – пренебрежительное англоязычное обозначение немцев). Впрочем, Faust первыми сознательно встали под знамена нового жанра, даже озаглавив словом «Krautrock» одну из своих композиций – яркое свидетельство излюбленного творческого подхода группы, в котором всегда находилось место юмору и (само)-иронии. На их концертах – и в их записях – порой трудно было нащупать грань между серьезным музицированием и отчаянным дуракавалянием, между смелым экспериментом, в самом деле расширяющим границы наших представлений о популярной музыке, и веселым балаганом.
Ключевым творческим приемом Faust стал коллаж: первая же пластинка ансамбля, изданная на прозрачном виниле в прозрачном конверте с рентгенографическим изображением кулака, стартовала с шумового отрывка «Why Don’t You Eat Carrots», в котором порой угадывались семплы из «All You Need Is Love» The Beatles и «(I Can’t Get No) Satisfaction» The Rolling Stones – как будто кто-то безуспешно пытается настроить старый радиоприемник на нужную частоту. Морковки из заголовка (он переводится как «Почему ты не ешь морковь?»), разумеется, не при чем – это не более чем случайное, абсурдистское словосочетание; театр абсурда – или дадаистские хеппенинги – напоминали и выступления группы, во время которых музыканты играли на сцене в пинбол, словно бы пародируя один из главных рок-хитов эпохи, рок-оперу «Tommy» группы The Who и ее центральную композицию «Pinball Wizard». Путешествия пинбольных шариков подзвучивались микрофонами, равно как и лязг металлической арматуры, которую Faust использовали в своих звуковых коллажах задолго до появления проекта Einstürzende Neubauten и жанра «индастриал». Никто никогда не знал, что прозвучит в следующую секунду и какой фортель выкинет любой из находящихся на сцене музыкантов – выступления Faust существовали в странной зоне между серьезными опытами из пространства академического авангарда (для самого первого концерта участники группы пытались развесить в зрительном зале динамики на манер «Контактов» Штокхаузена) и спонтанной детской игрой.
Сейчас, по прошествии пятидесяти лет, Faust, конечно, остепенились – но лишь самую малость. Главная разница – в том, что у группы скопился законченный, фиксированный музыкальный материал: это прежде всего композиции с четырех культовых пластинок 1970-х годов, а также записи реформированного состава 1990-х годов и далее. Поэтому на концертах по крайней мере частично звучат «старые хиты» (сколь бы комично не звучало само это словосочетание в контексте эксцентричных творческих практик ансамбля). Тем не менее оставшиеся в группе музыканты первого призыва – мультиинструменталист Жан-Эрве Перон и барабанщик Вернер Дирмайер, взявший себе прозвище Заппи в честь Фрэнка Заппы, – по-прежнему категорически отказываются играть по правилам. Грань между композицией и импровизацией стерта, а краут-рок 2019 года звучит ничуть не менее непредсказуемо, чем краут-рок 1969-го.
«Дети Picasso» – группа сложной судьбы. Проект брата и сестры Гаи и Карена Арутюнян образовался в Москве в конце 1990-х и долгие годы лавировал между вполне форматным отечественным инди-роком и впитанным музыкантами на генетическом уровне армянским фолком. После записи нескольких сильных альбомов Арутюняны переехали на постоянное место жительства в Будапешт, где «Дети Picasso» еще продолжали на протяжении нескольких лет функционировать как группа, выпустив, в частности, дуплетом пластинки «Герда» и «Кай». Впоследствии, однако, любовная лодка окончательно разбилась о быт: существовать в центре Европы в качестве активного студийно-концертного состава с российско-армянским репертуаром оказалось чрезвычайно трудно, и «Дети» впали в состояние анабиоза. Из которого они выходят сейчас – пока лишь для того, чтобы дать серию концертов к собственному 20-летнему юбилею.
Изюминка музыки «Детей Picasso» – в ее богатом воображении: это группа, которой всегда было скучно оставаться на одном месте. Из армянских народных песен эти люди делали своеобразный этно-арт-рок, с изломанными размерами, непредсказуемыми гармоническими ходами и драйвом, как у их условных соотечественников из System of a Down. Еще эффектнее выглядело преображение в меру унылого отечественного инди: благодаря обаянию Гаи Арутюнян и их с Кареном нешаблонному композиционному мышлению даже стопроцентно форматные радиохиты у «Детей Picasso» становились чем-то бóльшим: обрастали странными аранжировками, яркими побочными темами или, на худой конец, некой особенной импульсивностью – вокальная (и сценическая) гиперактивность солистки группы была способна взбаламутить самый ровный и предсказуемый музыкальный исходник.
На юбилейном концерте «Дети», ранее предпочитавшие гастролировать отдельно с армянской и отдельно с русскоязычной программой, обещают исполнить композиции со всех без исключения альбомов ансамбля. И наверняка даже это еще не предел – так, одно из их выступлений, на котором довелось побывать автору этих строк, в свое время закончилось положительно остервенелым кавером на «I Wanna Be Your Dog» The Stooges. Формально между миниатюрной Гаей Арутюнян и долговязым гигантом Игги Попом – ничего общего. Но почему-то кажется, что перепевкой своего хита «Детьми Picasso» он был бы полностью удовлетворен.
На рубеже 1990-2000-х многие музыканты в разных частях света одновременно почувствовали: рок-музыке – с ее героическими позами, бравурными гитарными риффами и победительной энергией – приходит конец. Она стремительно теряет актуальность в меняющемся мире, переходит в категорию «было да прошло». В те времена подобную убежденность многие воспринимали не более чем декадентское кликушество, подогретое апокалиптическими настроениями, присущими любому fin de siècle. Рассуждения о конце рок-музыки можно было сравнить с боязнью так называемой проблемы-2000, согласно которой 1 января 2000 года все компьютеры должны были выйти из строя из-за неверного формата даты. Разумеется, мир благополучно избежал технологического коллапса. А вот рок-музыка – если посмотреть как минимум на хит-парады, на номинации «Грэмми» и на прочие зримые свидетельства общественного интереса (или его отсутствия) – в самом деле лишилась влияния: гитарные группы, неиронически работающие в рок-эстетике, сегодня кажутся некоторым анахронизмом.
Музыку, фиксировавшую и осмыслявшую эти процессы, стали называть построком. Самая мощная построк-сцена 1990-х возникла в Канаде, вокруг лейбла Constellation Records, а ее главными представителями стали Godspeed You! Black Emperor, погребальный мини-оркестр с валторной и струнной секцией вдобавок к обыкновенным рок-инструментам. Сам заголовок ансамбля, с его торжественной многоречивостью, многое сообщает об эстетическом содержании построка – это действительно музыка длиннот, но не божественных, как у Шуберта, а скорее, наоборот, дьявольских: песни в построке представляют собой долгие, изнурительные крещендо, неизменно разрешающиеся звуковым хаосом и последующим скорбным затиханием. Многие из них – например, ключевой альбом GY!BE «Lift Yr. Skinny Fists like Antennas to Heaven» – снабжены программными подзаголовками, из которых становится (приблизительно) понятен сюжет, так или иначе связанный с жизнью и смертью, с тщетностью попыток отложить неминуемый конец. В общем, как пела другая хорошая группа R.E.M., «It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)». Или – «король умер, да здравствует король».
Эстетическая выразительность построка и конкретно творчества группы GY!BE, пожалуй, сродни выразительности живописных полотен и скульптурных групп на сюжет оплакивания. Это рок, оплакивающий сам себя, – трагический, величественный и впечатляющий в своей печальной красоте.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ НАВИГАТОР С ИЛЬЁЙ ОВЧИННИКОВЫМ
1 ноября
Зарядье, Малый зал
Александр Канторов – фортепиано
Рахманинов, Форе, Чайковский, Стравинский
4 ноября
Камерный зал филармонии
Сергей Каспров – фортепиано, Open Sound Orchestra
Шопен, Вайнберг
5 ноября
Аптекарский огород
Квартет имени Ойстраха
Бетховен, Шостакович
11, 12 ноября
Филармония‑2
Михаил Плетнёв – фортепиано
Моцарт, Бетховен
13, 14 ноября
Филармония‑2, Концертный зал имени П. И. Чайковского
РНМСО, Сергей Крылов – скрипка, Энрико Диндо – виолончель, дирижер Александр Лазарев
Брамс, Респиги
13 ноября
Зарядье
La Voce Strumentale, Юлия Лежнева (сопрано), Эндрю Гудвин (тенор), Анна Дэннис (сопрано), Дмитрий Синьковский (контратенор)
Гендель. «Триумф Времени и Разочарования»
14 ноября
Аптекарский огород
Андрей Гугнин – фортепиано
Бетховен, Григ
17 ноября
Концертный зал имени П. И. Чайковского
Les Arts Florissants, Le Jardin Des Voix, дирижер Уильям Кристи
Моцарт. «Мнимая садовница»
20 ноября
Концертный зал имени П. И. Чайковского
XI Международный фестиваль Vivacello
БСО, Борис Андрианов – виолончель, Рафаэль Уоллфиш – виолончель, Лора ван дер Хейден – виолончель, Сергей Догадин – скрипка, Андрей Коробейников – фортепиано, дирижер Джастин Браун
Гульда, Финци, Шендеровас
21 ноября
Аптекарский огород
Royal String Quartet
Бетховен, Бацевич
22 ноября
Концертный зал имени П. И. Чайковского
Пётр Андершевский – фортепиано
Бах, Шуман, Бетховен
26 ноября
Концертный зал имени П. И. Чайковского
Оркестр I Bollenti Spiriti, Мари-Николь Лемьё (контральто), дирижер Стефано Монтанари
Вивальди
26 ноября
Камерный зал филармонии
Валентин Урюпин – кларнет, Максим Емельянычев – фортепиано, Александр Рамм – виолончель
Брамс, Вайнберг, Ретинский (мировая премьера)
26 ноября
Зарядье
Ансамбль Vox Luminis
Бах. Месса си минор
