Музыка и мужество

Книгу с таким названием презентовали в Выставочном зале первого корпуса Московской консерватории. К прославленному вузу издание имеет самое непосредственное отношение. Ведь темой исследования стала история Восьмой дивизии народного ополчения Краснопресненского района, сформированная в том числе из призванных консерваторцев – студентов и педагогов. Об этом рассказал кандидат искусствоведения Святослав Голубенко, который связал свои научные интересы с темой, посвященной в прямом смысле сохранению исторической памяти. В прошлом воспитанник консерватории, где он ныне преподает (являясь одновременно проректором РАМ имени Гнесиных), Святослав Голубенко вместе со своим соавтором –кандидатом исторических наук, сотрудником «Музея Москвы» Тимофеем Медведевым – восстановил и ход призыва в первые дни войны, и развитие дальнейших событий вплоть до участия дивизии в обороне Москвы осенью 1941 года.

Из книги можно узнать интереснейшие подробности, например, что вместе с консерваторцами в составе дивизии также находились: «студенты, педагоги и служащие Московского государственного университета М.В. Ломоносова, студенты Юридического института, сотрудники Театра Революции (ныне – Театр имени Вл. Маяковского), студенты Государственного института театрального искусства имени А.В. Луначарского (ныне – ГИТИС). В составе одного из полков дивизии была сформирована “писательская рота”, в которой были члены Союза советских писателей».

Приведена и статистика: «Число ополченцев из Московской консерватории составило 304 человека. Помимо людей, вступивших непосредственно в ополченческие подразделения, в числе тех, кто участвовал в конце июня – начале июля 1941 года в работах по строительству оборонительных укреплений, различных спецзаданиях, были еще 34 человека. К настоящему времени судьбы ополченцев в основном раскрыты. Погибли в годы войны – 113. Судьба неизвестна – 55. Выжили – 170». За сухими цифрами – судьбы людей, чьи биографии составляют весомую часть книги: те, кто выжили в мясорубке Великой Отечественной войны, стали гордостью России. И их имена теперь собраны в этом потрясающем документальном издании.

После презентации публика перешла в Малый зал консерватории, чтобы послушать музыку, воспевающую на разные лады торжество духа. Народный артист России Рубин Абдуллин открыл вечер Фантазией соль мажор Баха, чья лучезарная виртуозность в крайних разделах и грандиозность середины беспроигрышно выполняет функцию зачина в любой программе. Детский хор «Пионерия» под управлением Елены Веремеенко вместе с органисткой Евгенией Кривицкой исполнил Messe basse Форе как проникновенную молитву к Всевышнему о защите и мире. Святослав Голубенко, выступивший в составе квартета флейт «Сиринкс», выбрал изысканные пьесы времен Второй мировой войны бельгийца Жозефа Йонгена и француза Флорана Шмитта. Творчество композиторов-ополченцев той самой Восьмой Краснопресненской дивизии было представлено «Поэмами» Аркадия Нестерова, извлеченными из небытия пианисткой, музыковедом Ольгой Красногоровой; обработкой Владимира Локтева народной песни «Ой, по-над Волгой» и «Ноктюрном» Арно Бабаджаняна, выбившим слезы умиления проникновенными голосами «Пионерии».

Иностранные гости, органисты Хироко Иноуэ (Япония) и Жан-Пьер Стайверс (Нидерланды), выбрали, напротив, русскую музыку. Отгремев в четыре руки и ноги «Славой» Рахманинова, каждый из них подкрепил свое музыкантское реноме сольным высказыванием: Хироко Иноуэ сыграла Токкату Георгия Мушеля (выпускника Московской консерватории, в годы войны принимавшего в Ташкенте весь профессорский состав Ленинградской консерватории, композиторов Мейтуса, Коваля и Вайнберга), Жан-Пьер Стайверс очаровал публику парафразой на темы из «Семнадцати мгновений весны» Микаэла Таривердиева, перекинув арку в следующий концерт фестиваля.

Где-то далеко, в памяти моей

Концерт к грядущему 95-летию Микаэла Таривердиева сложился «по заявкам» артистов. Солистка Госкапеллы России Юлия Томина мечтала спеть его монооперу «Ожидание», Даниил Коган блистательно солировал прошлой осенью во Втором скрипичном концерте и готов был повторить успех. Вера Таривердиева, одобрив концепцию, предложила открыть вечер органным прологом, благо в репертуаре Жан-Пьера Стайверса, победителя Международного конкурса органистов имени М. Таривердиева, все органное наследие юбиляра. Руководитель Госкапеллы Валерий Полянский поддержал инициативу и прибавил к двум крупным академическим партитурам композитора несколько песен о войне, где солировал Руслан Розыев.

Эффект превзошел все прогнозы: внутренний настрой произведений оказался созвучен главной теме фестиваля. К ней отсылал и тревожный монолог скрипки, подхваченный и расцвеченный оркестром, и страстные строки героини «Ожидания»: «В этот час мои сестры на гребне такой высоты простирают в бессмертье зовущие нежные руки. Не придется вам пусть никогда ждать любимых с войны, ждать любимых своих под часами надежды и муки…» – и, конечно, великие мелодии «Песни о далекой Родине», «Мгновений», «Не исчезай».

«Мы знаем Микаэла Таривердиева как кинокомпозитора и автора лирических песен. Но это наше упрощение. У него много прекрасной серьезной музыки», – подчеркнул Валерий Полянский. – Когда мы думали, как выстроить программу, то поняли, что завершать нужно песней “Память”. Мы всегда должны помнить подвиги наших отцов и дедов».

«Я вдохновлена», – так выразила свои впечатления Вера Таривердиева, супруга композитора. После концерта к ней струйкой потянулись слушатели – дарили цветы, благодарили, что музыка любимого композитора живет. Кстати, это был первый авторский вечер Таривердиева в БЗК – впервые за 95 лет!

Утоли, моя звезда, все мои печали

В День Победы публика приходит в концертный зал за понятными эмоциями, и для артиста важно найти точные образы, попадающие в тональность темы. Проще пойти по проторенному пути, обратиться к золотому фонду советских военных песен, но такой сценарий не в традициях Камерного хора и его художественного руководителя Александра Соловьёва. Ко Дню Победы подготовка всегда особая, репертуар формируется эксклюзивный, в том числе современным композиторам заказываются специальные хоровые обработки тех самых военных песен. Ведь, как правило, они предназначались в оригинале для солистов с фортепиано, здесь же царит хор – оркестр голосов, и песни о главном обретают новые смыслы.

С особым значением программу открыла песня «С чего начинается Родина» Баснера (в аранжировке Юрия Потеенко) – она стала сквозной темой, «слоганом» XIV Международного открытого фестиваля искусств «Дню Победы посвящается…». Далее Камерный хор МГК спел свои акапельные версии песен Таривердиева (автор обработок – Алексей Левин), блеснув дикцией, виртуозным владением вокального стаккато и оттенками пиано в номере «В разведке». И заставил всплакнуть и поностальгировать зал, исполнив «Алешу» Колмановского (обработка Дмитрия Батина).

Поскольку главный вектор музыкального творчества коллектива – современная музыка, то не обошлось без букета мировых премьер. Ефрем Подгайц подарил Александру Соловьёву свои новые Три хора на стихи поэта-фронтовика Павла Когана, где мысли о Родине, о патриотизме высказаны в красивых метафорах и мелодиях. Настоящую солдатскую песню создал композитор Петр Корягин, обратившись к поэзии Анны Токаревой «Русского духа солдаты». Дирижер придумал необычную расстановку, выдвинув на первый ряд именно мужскую часть хора, подчеркнув суровый колорит и неколебимость духа перед извечным вопросом: «Быть иль не быть. Сквозь века и года слышатся предков набаты. Не покорялись врагу никогда русского духа солдаты».

Совершенно в иной стилистике написана Ольгой Алюшиной «Поэма памяти защитников» на стихи Ольги Берггольц. Стихи, посвященные блокаде Ленинграда, подвигу «неопознанного солдата», пронзительно читала актриса Елена Захарова. Сонористика хоровой фактуры, вступая в контрапункт со словом, выражала зашкаливающую экспрессию, временами переходящую то в скандирование, то в поминальный хорал.

Вполне логично завершил эту насыщенную впечатлениями часть вечера хор «К вам, павшие» Родиона Щедрина на стихи Александра Твардовского. В трактовке Александра Соловьёва эта великая музыка прозвучала очень выразительно: в крайних разделах – как поминальная молитва, медленно, с дышащими паузами, намеренно приглушенно. Чтобы каждый в зале сфокусировал внимание – вслушался, сопереживая. Чтобы ощутил величие подвига и его цену.

Во втором отделении к хору присоединился Симфонический оркестр Московской консерватории, чтобы под руководством Александра Соловьёва исполнить трогательное мелодичное Адажио Валерия Халилова и «Матерям молодогвардейцев» Юрия Потеенко. Но главный сюрприз был отложен к финалу. Вместо ожидаемой песни «День Победы» музыканты представили еще одну мировую премьеру – музыкально-драматическую композицию Артема Ананьева «Песни Родины», посвященную событиям обороны Москвы осенью 1941 года (еще одна перекрестная рифма внутри фестиваля). Либретто, сотканное из стихов и документальных текстов Константина Симонова, Василия Лебедева-Кумача, Михаила Исаковского, Елены Кононенко (военкора газеты «Правда»), выстроилось как повесть вневременных лет, как взгляд из нашего времени на грозные дни начала Великой Отечественной войны. Композитор обозначил четыре больших части, внутри содержавшие контрастные эпизоды: «Колыбельная», «Народное ополчение», «Родина-мать», «Моление о России». Лирические и героические монологи чтецов в исполнении актера театра и кино Александра Дуденкова и ведущей радиостанции «Орфей» Ирины Тушинцевой прослаивались колокольными звонами (как символ Москвы, города «сорока сороков»), сольными эпизодами гармони (Владимир Серебренников) и домры (Екатерина Мочалова). Все хоровые эпизоды композитор объединил лейттемой – мотивом набата, который в зависимости от поворотов сюжета приобретал разные коннотации, преображаясь то в колыбельную, то в протяжную народную песню, а в конце – в торжествующий гимн. Выразителем силы человеческого духа, соборности (не только музыкально, но и визуально) стал сводный хор, включивший Камерный хор Московской консерватории, Хор студентов Мерзляковского училища, ГМПИ имени Ипполитова-Иванова, Калужского областного колледжа имени Танеева. Отдельные краски внес Народный хор РАМ имени Гнесиных, добавив ту самую почвенность, и голос солистки меццо-сопрано (Эльнара Караханова). Мощная эпопея, завершившаяся воззванием «Господь, Владыко, ты нам помоги», стала ожидаемой кульминационной точкой этого насыщенного переживаниями вечера.

Это нужно живым

Своего рода интро станут номера для органа соло – к этому инструменту у юбиляра было особое духовное притяжение. Победитель Международного конкурса органистов имени Таривердиева Жан-Пьер Стайверс (Нидерланды) сыграет пьесу «Домский собор» и Арию из концерта для органа «Кассандра».

Большой зал Московской консерватории стал когда-то местом дебюта Микаэла Таривердиева-композитора. «Он уникален тем, что доказал  возможность онять, воспринять тихое, тонкое искусство массами людей. Его музыкальная интонация сделала близкой поэзию Пастернака, Цветаевой, Ахмадулиной миллионам людей. Он, написавший музыку к самым популярным телевизионным фильмам, раскрывается сегодня и своей другой музыкой, написанной для оперных, балетных подмостков, органа», – считает Вера Таривердиева, муза и спутница жизни композитора, а сейчас президент Благотворительного фонда творческого наследия композитора. – «Концерт, посвященный 95-летию  Микаэла Таривердиева в Большом зале Московской консерватории – первый авторский концерт в этом легендарном для всех музыкантов месте».
Концерт состоится в рамках XIV Международного открытого фестиваля «Дню Победы посвящается…» Его художественный руководитель, заслуженный деятель искусств РФ, профессор Александр Соловьёв считает, что «творчество Микаэла Таривердиева с временной дистанции раскрывается по-новому, и сейчас особенно актуально. Рад, что такие великолепные музыканты загорелись идеей сделать авторский вечер этого композитора, ставшего одним из символов отечественной культуры».

В Москве стартует фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…»

«Ленинградская музыкальная весна»
Фестиваль музыки петербургских композиторов
Филармония, Мариинский театр, Екатерининское собрание

Нынешний фестиваль, пятьдесят девятый, как и прежде, проводится Союзом композиторов Санкт-Петербурга при поддержке Минкультуры России и Союза композиторов России. Художественный руководитель фестиваля Антон Танонов говорит, что «пришло время переоценки наследия советской композиторской школы и исполнителями, и композиторами, и слушателями», и у публики, благодаря форуму, будет возможность «прочувствовать сакральную духовную связь эпох».

На открытии «Весны» в Концертном зале Мариинского театра состоится петербургская премьера Двадцать седьмой симфонии Сергея Слонимского. К восьмидесятилетию Александра Чайковского прозвучит его Четвертый концерт для фортепиано с оркестром (солист – Николай Мажара). Также в программе – первое петербургское исполнение Концертино для гобоя с оркестром Александра Клевицкого (сольная партия – у Дениса Быстрова). За дирижерским пультом Симфонического оркестра Мариинского театра – Алексей Моргунов, художественный руководитель и главный дирижер АСО имени С. В. Рахманинова (Тамбов).

Проакцентируем в афише фестиваля и вечер с актуальным названием «Симфонический вайб» (5 мая, лютеранская церковь Яани Кирик), где можно будет услышать, в частности, Третью симфонию Геннадия Банщикова. Оркестром Санкт-Петербургской консерватории дирижирует Алексей Васильев.

А 21 мая в Дубовом зале Дома композиторов Санкт-Петербурга Артур Зобнин и музыканты его «МолОт-ансамбля» покажут «звуковую карту города», устроят «выставку» аудиопортретов петербургских районов. Модная тема саунд-арта засияет новыми красками.

5 мая

К 95‑летию со дня рождения Геннадия Рождественского
Большой зал Московской консерватории

Ученик Геннадия Рождественского, художественный руководитель и главный дирижер Государственного Кремлевского оркестра Константин Чудовский выступит с музыкальным приношением учителю и вновь продирижирует «Праздничную увертюру» Шостаковича, заявленную первой в программе юбилейного вечера. Ситуация, надо сказать, абсолютно сопоставимая с событием в БЗК двадцатилетней давности, когда именно Чудовскому его наставник доверил открывать концерт к своему 75‑летию – и не иначе как «Праздничной увертюрой». Со слов Чудовского, сделанный тогда Геннадием Николаевичем выбор стал для него неожиданностью и в итоге «сильно продвинул музыкальную карьеру».

С Шостаковичем на том памятном концерте с участием Госкапеллы России и дирижеров разных поколений соседствовали Стравинский («Фейерверк»; Мурад Аннамамедов), Прокофьев («Здравица»; Валерий Полянский), Сибелиус («Куллерво»; Геннадий Рождественский). Теперь же, иными силами, вслед за «Праздничной» прозвучит киномузыка Шнитке («Мертвые души») и не сходящая с афиш «Весна священная» Стравинского. Ну и, конечно, как не вспомнить на концертный юбилей мэтра «Праздничный кюй» Еркегали Рахмадиева, легко находимый в интерпретации Рождественского на пластинке «Музыкальное искусство Казахской ССР» (выпущена «Фирмой Мелодия»). Знаменитая шутка Геннадия Николаевича о рахмадиевском «Кюе», «Торжественной мессе» Бетховена и софийских гастролях лучше воспринимается в авторском исполнении. Сеть вам в помощь.

5–11 мая

«Дню Победы посвящается…»
Международный открытый фестиваль искусств
Московская консерватория

Четырнадцатый по счету форум, традиционно проводимый консерваторией перед 9 Мая (художественный руководитель фестиваля – Александр Соловьёв), откроется в Рахманиновском зале хоровым гала-концертом. Среди его участников – Большой детский хор имени В. С. Попова и Хор студентов ГМПИ имени М. М. Ипполитова-Иванова. Проследуем выборочно и по остальным фестивальным событиям.

Органистов Евгению Кривицкую, Рубина Абдуллина, Хироко Иноуэ (Япония), Жан-Пьера Стайверса (Нидерланды) объединит концерт 6 мая в Малом зале, участниками которого станут, кроме уже упомянутых музыкантов, флейтисты из квартета «Сиринкс», пианистка Ольга Красногорова и Хор Детской музыкально-хоровой школы «Пионерия» имени Г. А. Струве. Живому исполнению музыки Баха, Форе, Шмитта и некоторых иных авторов будет предшествовать презентация (в выставочном пространстве Малого зала) книги Святослава Голубенко и Тимофея Медведева «Музыка и мужество» о сотрудниках-консерваторцах и консерваторских студентах в рядах народного ополчения.

Непосредственно в День Победы в Большом зале Камерный хор Московской консерватории под руководством Александра Соловьёва представит мировую премьеру кантаты «Песни Родины» Артема Ананьева. Прозвучат и Три хора Ефрема Подгайца на стихи Павла Когана, погибшего под Новороссийском в 1942 году, а также «Поэма памяти защитников» Ольги Алюшиной. Отметим, что в этом праздничном вечере, программа которого отнюдь не ограничивается означенными опусами, участвуют и другие хоры, в том числе Хор Академического музыкального училища при МГК, Народный хор РАМ имени Гнесиных. Солирующие же партии в концертной программе исполнят, в частности, домристка Екатерина Мочалова, органистка Евгения Кривицкая и меццо-сопрано Эльнара Караханова. Не обойдется ключевой концерт фестиваля и без Симфонического оркестра Московской консерватории.

А накануне в БЗК состоится «Таривердиев-гала» (к 95‑летию со дня рождения композитора) с участием Валерия Полянского и Госкапеллы России, органиста Жан-Пьера Стайверса, скрипача Даниила Когана, сопрано Юлии Томиной, баса Руслана Розыева.

16–18 мая

«Забытый театр графа Шереметева». Премьера
МАМТ имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко

Театрализованный концерт в авторском цикле дирижера Марии Максимчук Musica Antica познакомит публику с «уникальным феноменом русской культуры второй половины XVIII века – частным крепостным театром». Художник-постановщик, художник по костюмам – Анастасия Рязанова, хореограф – Наталия Кайдановская. В роли графа Шереметева – солист балета МАМТ Георги Смилевски, роль Прасковьи Ковалевой-Жемчуговой осваивает солирующая в том же театре певица Мария Макеева, а Василия Вороблевского, руководителя крепостной оперной труппы, сыграет солист оперы Театра Станиславского Андрей Батуркин.

Музыку Баха, Паизиелло, Бортнянского, Березовского и других композиторов исполнит руководимый Марией Максимчук барочный консорт Tempo Restauro.

Предваряя премьеру, Мария отмечает «высочайший профессиональный уровень, на котором находилось исполнительское искусство у Шереметевых», и подчеркивает, что «абсолютное равноправие западноевропейской и русской музыки в репертуаре крепостного графского театра открывает перед нами блистательную эпоху, ушедшую в забвение».

Это нужно живым

«Слова гениальной песни удивительно точно отразили смыслы, заложенные в программе фестиваля: утверждение национальной идентичности, чувства любви к Родине, воспевание подвига и героического самопожертвования во имя высших идеалов», – подчеркнул основатель фестиваля и его бессменный художественный руководитель заслуженный деятель искусств РФ, профессор Александр Соловьёв.

5 мая фестиваль откроется в Рахманиновском зале хоровым гала-концертом, в котором примет участие более 120 человек. Это известные детские и студенческие коллективы, а также Центральный пограничный ансамбль ФСБ России.

6 мая эстафета перейдет в Малый зал консерватории. Проект «Музыка и мужество» включает в себя презентацию одноименной книги, посвященной подвигу педагогов и студентов Московской консерватории, ушедших в ополчение в дни Великой Отечественной войны. Она состоится навстречу концерту, в 17.30 в Вставочном пространстве Малого зала. В концерте прозвучат сочинения композиторов-консерваторцев, а также шедевры русской и зарубежной музыки. В концерте примут участие лауреаты премии «Органист года» народный артист России Рубин Абдуллин, Хироко Иноуэ (Япония), Жан-Пьер Стайверс (Нидерланды), Евгения Кривицкая, Святослав Голубенко (флейта) и ансамбль флейт «Сиринкс», Хор детской музыкально-хоровой школы «Пионерия» имени Г.А. Струве.

8 мая в Большом зале консерватории состоится «Таривердиев-гала» к 95-летию со дня рождения Микаэла Таривердиева, композитора, чья музыка к культовому фильму «Семнадцать мгновения весны» во многом обеспечила высочайшую степень эмпатии, затрагивая самые тонкие струны души. В основе программы гала: моноопера «Ожидание», Скрипичный концерт, органные и песенные опусы в исполнении Госкапеллы России под управлением народного артиста России Валерия Полянского, скрипача Даниила Когана, солистов Госкапеллы Юлии Томиной (сопрано), Руслана Розыева (бас), победителя Международного конкурса имени Таривердиева Жана-Пьера Стайверса (Нидерланды).

9 мая в Большом зале Камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьёва исполнит кантату «Песни Родины» – это будет мировая премьера сочинения Артема Ананьева, давшая название всему вечеру. А откроется он песней Вениамина Баснера «С чего начинается Родина?..» – так будут расставлены реперные точки, между которыми прозвучат хоровые опусы Р. Щедрина, М. Таривердиева, Э. Колмановского и еще одна мировая премьера: Триптих Ефрема Подгайца на стихи поэта П. Когана, погибшего в 1942 году. Также при участии актрисы театра и кино Елены Захаровой состоится исполнение «Поэмы памяти защитников» композитора Ольги Алюшиной. Второе отделение продолжится звучанием симфонических произведений – будут исполнены «Адажио» Валерия Халилова, выдающегося музыканта, неоднократно принимавшего участие в фестивале, и «Матерям молодогвардейцам» мэтра киномузыки Юрия Потеенко. Яркая, разноплановая программа, куда вольются Симфонический оркестр МГК, народный хор РАМ имени Гнесиных, студенческие хоры из Калужского областного колледжа и АМУ при Московской консерватории, станет мощным приношением празднику Великой Победы – дню, который наши деды и отцы «приближали как могли». В числе солистов также – Екатерина Мочалова (домра), Владимир Серебренников (гармонь), Александров Дуденков, Ирина Тушинцева (художественное слово), Эльнара Караханова (меццо-сопрано).

10 мая на сцене БЗК с программой «Благослови, Господь, Россию!» выступят хоровые коллективы Академии хорового искусства имени В. С. Попова. Программа вечера составлена кафедрой хорового дирижирования (заведующий и руководитель Хора студентов – профессор Денис Храмов). Одной из кульминаций концерта станет исполнение Хором мальчиков Хорового училища имени А.В. Свешникова под управлением Александра Цимбалова фрагментов «Демественной литургии» А. Гречанинова, солист – Алексей Татаринцев.

А завершит фестиваль 11 мая в Большом зале консерватории Академический Ансамбль песни и пляски Российской армии имени А.В. Александрова под управлением Геннадия Саченюка. Этот коллектив – хранитель многолетних традиций интерпретаций военных и патриотических песен, неизменно покоряющий своим филигранным мастерством.

В качестве послесловия, 15 мая, в Камерный хор Московской консерватории даст сольный концерт в Инновационной частной школе «СКОЛКА».

«В год 160-летия Московской консерватории мы с особыми чувствами отдаем дань памяти и уважения тем, кто отдал жизнь за победу в Великой отечественной войне. В военных песнях мы ощущаем наш культурный код, через музыку, искусство мы сохраняем преемственность поколений, создаем единое культурное пространство», – считает ректор Московской консерватории Александр Соколов.

Фестиваль «Дню Победы посвящается…», организованный Московской государственной консерваторией имени П.И. Чайковского, проходит при поддержке Министерства культуры Российской Федерации, Департамента культуры Министерства обороны РФ, Ассоциации народных и хоровых коллективов Российского музыкального союза, Фонда развития творческих инициатив.

«Хочешь, я тебя посчитаю?»

К организации подошли серьезно: провели мониторинг хоров, изучив численность артистов, составы, количество вакантных мест, средний возраст и среднюю заработную плату, сравнив ее со средней заработной платой в регионе в 2025 году. Отдельно проанализировали срез слушателей, количество концертов, гастрольную карту и многое иное. И хотя далеко не все коллективы подали о себе сведения (так что информацию стоит дальше собирать и осмыслять), но в целом выводы оказались не слишком позитивными. Процитируем организаторов: «В 42 субъектах РФ до сих пор отсутствуют профессиональные хоровые коллективы. А там, где они есть, возникает проблема с кадрами. Уровень подготовки молодых специалистов, которых выпускают вузы, нередко не соответствует требованиям: фиксируются проблемы с базовыми навыками, необходимыми для работы с хоровым коллективом. Ситуацию усугубляют низкая престижность профессии и высокая стоимость обучения в музыкальных вузах». Отдельно назывались и другие цифры, например, самая низкая зарплата составила 17 тысяч рублей в месяц.

Однако выявилось и другое. Подходить к оценке состоятельности хорового искусства, сравнивая, к примеру. с деятельностью симфонических оркестров, также неправильно. Хор в тридцать человек может исполнять практически весь тот же набор музыкальных произведений, что и хор с пятьюдесятью певцами. Количество мужчин в хорах практически всегда меньше, чем женщин, но это не так влияет на баланс в звучании, как качество голосов и вокальная подготовка.

Тренды и тенденции

Центральной темой форума стала роль хорового пения как важнейшего элемента культурной политики и национальной идентичности. Именно поэтому стоит порадоваться, что в любом регионе есть достаточно любительских хоров, прежде всего детских (формирующихся в ДМШ и ДШИ, в СПО). Именно они продвигают хоровое искусство в регионах, объединяются в мощные сводные хоры, участвующие в главных государственных праздниках. И это еще один тренд в развитии хорового дела: если в День славянской письменности на Красной площади мы видим на сцене государственный симфонический оркестр, то рядом с ним – многоголосый хор, в котором на равных выступают как певцы федеральных капелл, так и вузовские коллективы, и юные певцы Академии хорового искусства. Ведь не секрет, что обучить хоровому пению и добиться качества можно в разы быстрее, чем это происходит в сфере инструментальных искусств. Об этом, в частности, говорил в программном докладе Антон Максимов, завкафедрой хорового дирижирования Санкт-Петербургской консерватории и Санкт-Петербургской духовной академии.

Если в оркестровой сфере частные симфонические коллективы – это редкое исключение из правил, то у хоров – популярная тенденция. Драйверами развития хорового искусства сегодня назвала в своем докладе на форуме автор этих строк Евгения Кривицкая такие коллективы, как хор musicAeterna (руководители Теодор Курентзис и Виталий Полонский), Камерный хор Московской консерватории (руководитель Александр Соловьёв), ансамбли Intrada (руководитель Екатерина Антоненко), Altro coro (руководитель Александр Рыжинский), Questa musica (руководитель Филипп Чижевский). Именно у них наивысший рейтинг и слушательской популярности, и сложности репертуара (включающего, прежде всего, малоизвестную старинную или современную авангардную музыку), и гастрольной востребованности. Именно их – наравне с заслуженными хорами – все чаще приглашают к сотрудничеству известные оркестры и дирижеры. Мобильность, европейский уровень звучания позволяет этим хорам гибко подстраиваться к требованиям звездных маэстро. Кстати, некоторые из вышеперечисленных хоровых дирижеров имеют под своим началом и профессиональные коллективы, но не торопятся бросать свои «непрофессиональные» хоры. Привлекает отсутствие рутины и давления госзаданий, свобода от профсоюзов, возможность заниматься реальным творчеством.

Впрочем, мы видим тенденцию в ряде регионов, когда и симфонические оркестры стараются стать губернаторскими, перейти в формат автономного учреждения культуры, чтобы фокусироваться на собственном продвижении. Что лучше – это каждый раз индивидуальный вопрос.

А ну-ка, все вместе

В рамках форума был также освещен опыт работы Ассоциации народных и хоровых коллективов Российского музыкального союза, которая объединяет коллективы не по принципу подчинения, а по единству взглядов на то, какие проблемы на переднем крае. Свой комментарий предоставил руководитель Ассоциации, заслуженный деятель искусств РФ, худрук Камерного хора Московской консерватории и Тульского Госхора, и. о. ректора Академии хорового искусства имени В.С. Попова Александр Соловьёв.

«Одним из краеугольных вопросов в развитии и достижении конкурентной способности профессиональных хоровых коллективов является актуализация репертуара и умение в соответствии с реалиями XXI века выстраивать концертные программы. Невозможно считать партитуры, написанные во второй половине XX столетия (например, Свиридова и Гаврилина, при всем уважении к творчеству этих авторов), современной музыкой. За последние четверть века хоровая библиотека хормейстера пополнилась значительным объемом ярких, талантливых, глубоких и востребованных у публики опусов. В рамках деятельности Камерного хора и Ассоциации хоровых коллективов Российского музыкального союза мы занимаемся в том числе и издательской деятельностью, делая доступными для коллег новые партитуры, прошедшие апробацию и ставшие успешными. Проводятся конкурсы композиторов, достаточно назвать конкурс “Партитура”, “Композиторские читки”, в рамках фестиваля Союза композиторов “Пять вечеров” традиционно один из концертов фокусирует свое внимание на хоровом жанре. Тут эксперты отбирают сочинения авторов из различных регионов России, и эти миниатюры прочно входят в шорт-лист, а не исполняются единожды, как часто бывало на фестивале “Московская осень”. Другими словами, есть ресурс, чтобы пополнить репертуарный багаж. Вопрос лишь в желании поиска новых успешных путей к публике, с которой, кстати, и не всегда нужно идти на компромисс.

Необходимо так составлять программы, чтобы сочетать классические опусы и новые, только что созданные сочинения. Репертуар должен быть всегда универсальный. Даже внутри одной программы. Один из ближайших примеров – фестивальная программа “Дню Победы посвящается…” нынешнего года. Здесь соседствуют программы Микаэла Таривердиева с мировой премьерой Артема Ананьева «Песни Родины». А миниатюры Баснера, Колмановского и Щедрина органично сочетаются с первыми исполнениями триптиха Ефрема Подгайца на стихи поэта-фронтовика Павла Когана, сочинениями Юрия Потеенко, Ольги Алюшиной и Петра Корягина. Вот когда действительно рождается баланс!

Отдельный вопрос – средний возраст певцов в хоре. Мы увидели в мониторинге коллективы, где средний возраст – 50 лет. А желательно, чтобы этот показатель был хотя бы пороговый. Певцы в хоре должны излучать энергию молодости, необходимо постоянное обновление певческих ресурсов. Кроме того, очень важен внутренний настрой в коллективе, чтобы люди творчески горели, были открыты художественным поискам, – это важно и для руководителя, который должен стимулировать энергообмен, вдохновлять и вдохновляться, а не наблюдать лица с потухшим взором, иллюстрирующие озабоченность бытовыми проблемами. Конечно, серьезная проблема – уровень зарплат в регионах. Но, к сожалению, не всегда и зарплата может мотивировать, если у самих певцов нет изначально нацеленности на созидание и творчество».

От Москвы до самых до окраин

В деловой программе форума приняли участие свыше 70 специалистов хорового профессионального сообщества, представляющих 21 регион России от Петербурга и Москвы до Якутии и Камчатки. Кроме дирижеров и руководителей хоров, в панельных заседаниях и круглых столах выступили представители образовательных учреждений, концертных организаций, менеджеры. В том числе: Екатерина Артюшкина, генеральный директор ГБУК «Петербург-концерт», председатель комиссии по культуре Общественной палаты Санкт-Петербурга; Анна Петрова, директор хора и начальник отдела внешних связей Госкапеллы Санкт-Петербурга; Кирилл Бузмаков, дирижер, композитор, художественный руководитель Удмуртской филармонии; Альберт Мишин, художественный руководитель Хоровой капеллы Тюменской филармонии. В блоке, посвященном работе с аудиторией, поделились опытом Ирина Устинова, директор Тюменской филармонии; Светлана Боруха, директор Белгородской филармонии; Дмитрий Кокорин, заместитель директора Свердловской филармонии по маркетинговым коммуникациям; Ольга Смирнова, директор Амурской филармонии; Светлана Гумина, директор Мужского хора Карельской филармонии; Надежда Артемьева, художественный руководитель Магнитогорской капеллы имени Эйдинова.

В панельной дискуссии по вопросам образования свое видение ситуации сформулировал Тарас Ясенков, главный хормейстер Камерного хора Московской консерватории и руководитель хора студентов АМУ при МГК. Среди тем, которые были им затронуты, – снижение возраста управленческих кадров в области культуры и образования, модернизация программ под запросы времени, разделение профиля образования на специализации «хоровой дирижер» и «артист хора». О триаде «школа – училище – вуз» на примере Академии хорового искусства имени В.С. Попова рассказал заведующий кафедрой хорового дирижирования Денис Храмов.

Значительное внимание уделили региональному опыту. Представители филармоний и коллективов рассказали о практике работы в условиях ограниченных ресурсов, а также о росте популярности любительских хоров – от корпоративных ансамблей до семейных и «родительских» коллективов. Обсуждалась и программа «Земский работник культуры» как один из инструментов привлечения специалистов в малые города, о которой напомнила Евгения Кривицкая.

Пусть цветут все цветы

Есть ли итог? «Мы не оцениваем в категориях “хорошо” или “плохо”, – сказал Александр Колотурский. – Мы предлагаем статистику, данные, а выводы каждый пусть делает сам». Тем не менее очевидно, что хор – это тоже наше все, руководители всех уровней должны уделять певцам не меньше внимания, чем оркестрам, – и это не только зарплаты, но и имиджевая сторона. На заседаниях форума присутствовали и министр культуры Свердловской области Илья Марков, и представитель Министерства культуры РФ Давит Нахатакян… Время покажет, произойдут ли сдвиги в коллективах федерального подчинения, окажутся ли занятыми пустующие региональные ниши, или форум окажется больше площадкой для завязывания горизонтальных связей (что тоже хорошо).

В рамках форума прошла и «Лаборатория художественных руководителей и хормейстеров», давшая возможность участникам посетить концерты, открытые репетиции и встречи с руководителями коллективов, в том числе с народным артистом России Львом Конторовичем. А также состоялась молодежная региональная образовательная программа, разработанная совместно с Региональным ресурсным центром в сфере культуры и художественного образования для студентов дирижерско-хоровых отделений и молодых преподавателей детских школ искусств Свердловской области.

Утоли моя печали

В концертной программе в дни форума показали свои достижения семь коллективов. «Мастера хорового пения» (Москва), Челябинский камерный хор имени В. Михальченко, Петербургский камерный хор, Новосибирская хоровая капелла, Филармоническая хоровая капелла «Ярославия», Мужской камерный хор Карельской филармонии. А открыл первый вечер Симфонический хор Свердловской филармонии, поразивший необычной рассадкой. Видимо, оправдывая название, певцы полукругом сидели за пультами, дирижер руководил ими, также сидя за дирижерским пюпитром. Темпы худрук коллектива Андрей Петренко брал неспешные, добивался от певцов приглушенного звука, террасообразной динамики, сдержанности в эмоциях. В такой манере прозвучали сочинения Свиридова («Слева поле, справа поле», «Несказанный свет»), русские народные песни «Белая черемуха» и «Дороженька», обработки романса «Утро туманное» Абазы, «Неаполитанской песенки» Чайковского. Челябинский хор поддержал элегическую тональность открытия, спев блок сочинений духовной тематики, куда вошли «Богородице Дево, радуйся» Шнитке, «Отче наш» Рахманинова, «Отче наш» Киселева, «Богородице Дево» Шмитова и т. д. Больше контрастов и энергии выдали певцы Петербургского камерного хора под управлением Дарьи Астаховой, исполнившие сочинения Бортнянского, Чайковского, Рахманинова, Смирнова. А в финале все три хора объединились в Концерте для трех хоров Титова.

Кооперация Симфонического хора, но уже с московским коллективом «Мастера хорового пения» и с АСО Свердловской филармонии под управлением Андрея Петренко, состоялась на закрытии. Печаль, но уже с философским оттенком (с размышлениями о бренности всего земного), царила и на этом концерте, составленном из двух реквиемов, Моцарта и Сальери. Они и подвели черту событиям форума.

Хоровой слет на Поварской

Шанхайский филармонический оркестр и Московская консерватория объявляют о новом партнерстве

Программа сотрудничества в области хорового искусства, представленная Консерваторией и Poly Culture Group, является важным инструментом содействия культурному обмену в сфере исполнительских искусств, образования и академических обменов. Соколов подчеркнул, что пятилетняя программа будет включать в себя Международный лагерь подготовки дирижёров-хормейстеров, гастроли хора Камерного хора Московской консерватории в Китай и Международный фестиваль хорового искусства, среди прочих проектов.

Будучи одним из самых престижных музыкальных учреждений мира, с момента своего основания в 1866 году, Московская государственная консерватория имени П.И. Чайковского оказывает значительное влияние на развитие академической музыки Китая. В настоящее время, по словам ректора, в этом всемирно известном музыкальном учебном заведении обучаются около 350 студентов из Китая.

Татьяна Уржумцева, советник посольства России в Китае и директор Российского культурного центра в Пекине, заявила, что, поскольку 2026 и 2027 годы являются Годами образования Китая и России, программа фиксирует усилия по обогащению практических путей культурного обмена между двумя странами. «Впереди нас ждут совместные проекты, экспериментальные постановки и, самое главное, воспитание нового поколения зрителей, которые смогут ценить академическую музыку и понимать язык театра», — сказала она в интервью газете Global Times.

Соколов и другие члены делегации посетили различные города Китая и достигли соглашений о проектах сотрудничества, таких как трехлетнее сотрудничество с Усинким симфоническим залом в провинции Цзянсу на востоке Китая, направленное на проведение концертных программ, художественное образование и подготовку талантов.

«За последние несколько лет культурные и образовательные системы Китая и России поддерживают постоянный обмен, — отметил Соколов. — «Многие известные китайские музыканты учились в России, в частности, в Консерватории имени Чайковского, включая знаменитого китайского пианиста Лю Шикуня. В 19 лет Лю занял второе место на первом Международном конкурсе пианистов имени Чайковского в Москве. Это показывает, что сотрудничество между Китаем и Россией, особенно в сфере образования, — процесс взаимного обучения и прогресса. А китайские студенты могут принести в Китай свое понимание музыки и памяти о полученном образовании в Консерватории и интегрировать его со своей собственной культурой». Что касается планов гастролей по Китаю на следующие пять лет, Александр Соловьёв, художественный руководитель Камерного хора Московской консерватории, рассказал Global Times, «что надеется привезти в Китай несколько программ современной хоровой музыки российских авторов, а также поэкспериментировать с некоторыми креативными идеями для рождения новых сочинений с включением интонационного языка традиционной музыки Китая».

Александр Соловьёв и его Камерный хор в октябре 2025 года выступили в девяти городах Китая, что, по его признанию, очень вдохновило. На церемонии подписания договора он также продирижировал Детским хором Большого театра Таншаня, исполнившим традиционную китайскую песню «Цветок жасмина», которую назвал «очень трогательной песней».

Для исполнения произведений первого направления на сцену вышел Камерный хор Московской консерватории. Задний ряд молодых людей дождался выхода всего ансамбля и только после этого, с солидным видом, одновременно с остальными шагнул на верхнюю ступень станков. В открывавшем концерт номере к коллективу вышел не его художественный руководитель Александр Соловьёв, а хормейстер Тарас Ясенков. С ним хор исполнил триптих лауреата первой степени Екатерины Хмелевской «Аве, август!» на стихи Ники Батхен.

В этом цикле композитор, можно сказать, переосмысляет классицизм. Екатерина берет привычные, проверенные структуры и формы развития, но работает с ними будто в DAW (цифровая звуковая рабочая станция): складывает голоса в одну пачку, которую затем ведет единым массивом, перекидывает мелодии по тембрам, зацикливает фрагменты и на полученном фоне дает новый материал. Вместе с тем остается хоральность, напевность мелодии. Меланхолия поэзии взаимодействует с фактурой. Местами хор даже изображал перкуссию, поддерживая ритм стиха.

К инструменту – уже не хоровому, но вполне себе реальному – обратился и обладатель третьего приза Эльмир Низамов. Его «Соловей» для флейты и хора рисует картину города свободы, ветра. Ансамбль, уже с Александром Соловьёвым за пультом, расставляет по пьесе, как некие статуи, благозвучные аккорды, пока вокруг них, заливаясь трелями, кружит флейта. Хор становится аккомпанементом, сопровождением солистки Полины Поповой. Музыка закручивается и переворачивается, взлетая и падая, позволяя слушателям чуть ли не физически ощутить ветер в волосах.

Последними хоровыми номерами стали «Бой» и «Частушки» Артема Ананьева. Эти две пьесы лауреата второй степени очень похожи на аранжировку фольклора. Аранжировка эта, правда, очень минималистичная. В обоих сочинениях композитор берет за основу ритмический рисунок: бесконечное повторение слова «переправа-переправа-переправа» или же просто ровное движение частушек. Но потом поверх них он добавляет свои краски, накручивая эдакие «финтифлюшечки». В первом произведении хоть и тянется бесконечная монотонная нить «переправ», но внезапно ритмическая структура ломается и смещается; стоит привыкнуть к ритму из народной традиции, как внезапно хор переходит на крик или начинает перекидывать мелодию, словно горячую картошку. Зал ликовал. Александр Соловьёв шепнул вышедшему на поклон композитору: «Ну вот, наконец-то у вас будет студийная запись этих произведений!» А сцену тем временем уже готовили к сочинениям для перкуссии: вывозили инструменты, доставали палочки, маллеты и, внезапно, смычки.

«Лабиринт» для вибрафона – произведение запутанное. Лауреат конкурса третьей степени композитор Алексей Павлючук предписывает исполнителю пробираться сквозь монотонные конструкции. Лишь изредка среди них промелькнет какое-то небольшое изменение, но его тут же вновь окружают повторы. Мелодии здесь нет. Музыка просто движется вперед, возникая из ниоткуда и стремясь в никуда. Или же все-таки запедаленные исполнителем – Филиппом Фитиным – звуки, раскиданные по сочинению, разбросаны не просто так? Может, это просто композитор пытается убедить, что мелодии здесь нет? И, может, едва заметные обертоны, возникающие в безостановочных арпеджио, и есть та нить Ариадны, что приводит к выходу? Произведение зацикливается в своей форме, в конце приводя к самому началу. Возможно, если пройти этот путь еще раз, то все же получится найти скрытую цель, тот недостающий ключ, которого здесь якобы нет?

Внезапно из закоулков одинаковых коридоров зал оказался в древнем, неизведанном, даже фантастическом лесу. Вибрафон поставили визави к выкаченной маримбе, и зазвучало что-то сродни саундтрекам Кевина Пенкина: мистическое, захватывающее дух, но при этом светлое и отчего-то личное. Обладательница первого приза Валерия Кухта в своей «Извилистой реке» старательно превращает множество раскатистых звуков инструмента в один поток – то гипнотизируя ровными пассажами, то топя репетиции в педали. На контрасте с этим журчанием, когда Филипп Карандеев и Янай Егудин оба встали за один инструмент, ток воды успокоился. Смычками музыканты выводили на вибрафоне мягкие и созерцательные аккорды, резонировавшие друг с другом, словно блики на водной глади. Когда же в музыку вернулся пустой тембр маримбы, она зазвучала как-то спокойнее и сдержаннее, утекая куда-то за горизонт.

Последним в ударной части программы прозвучал «Кончерто Барбаро» Ивана Колованова, принесший ему второе место в номинации. Для этого номера к двум инструментам добавилась ударная установка. Сам композитор сочинял свое произведение, исходя из слова «осцилляция» – качание. В этом переминании ему услышалось нечто первобытное и архаичное. Но, в сущности, со сцены прозвучало basso ostinato, точнее остинатным тут был ритм драм-сета. Инструменты метались в своих диапазонах, выдавая причудливые и часто даже виртуозные фигуры. Но заземляла их именно партия ударных, которая из раза в раз задавала музыке четкую структуру и форму. Строгость, фиксирующая вычурность, – случилось какое-то музыкальное ар-деко. Музыка звучит степенно, но при этом игриво; начинается монолитно, но высится и пропадает в облаках, оставляя слушателю только воспоминание о причудливых образах.

Конкретику же дали произведения из последней номинации конкурса – сочинения для инструмента соло и струнного оркестра. Все они были вынесены во второе отделение, начавшееся с Концерта для фортепиано «Да здравствует жизнь!» Екатерины Шатровой. Более того, обладательница первой премии сама исполнила солирующую партию. Но это прославление жизни оказалось во многом декадентским. Нет, конечно, огонь в музыке был: после напряженного кластерного вступления зазвучала игривая танцевальная музыка. Под ритмы фламенко с col legno вместо кастаньет фортепианная партия перекатывалась и подпрыгивала по клавиатуре. Несколько рядов зала вторили ей ударами ногой в такт. Но стоило Opensound Orchestra забрать себе соло, как грянул вальсочек с «рюшечками». Весь такой нескладный, неуютный. Рояль, не выдерживая, пытался отобрать соло себе. Вот только надтреснутая пластинка струнных не умолкала, а все разгонялась и разгонялась. И тут – срыв. Пианистка «взрывается» в каденции, останавливается с оркестром в диссонансе и в последний момент снова приходит к свету из вступления, возвращаясь на круги своя.

Еще один путь отразил в своем сочинении лауреат третьей степени Тарас Буевский. «Траектория А» ставит перед слушателем один вопрос: а может ли быть лирическим героем звук? Ведь все одночастное произведение представляет собой огромное развернутое опевание тона в 440 герц. Но важна ведь не цель, важен путь. И в сочинении «самураем» был даже не солист Федор Освер, и даже не тембр его гобоя, а сама частота. Именно она разрушает унисон в самом начале, натравливая на себя струнные. Она же от этого потом и страдает, когда весь оркестр окружает вернувшийся ровный тон. Правда, когда все схлопнулось, трагедии не случилось. Вернулось «ля».

Завершило программу сочинение Евгения Петрова, занявшего второе место. «Гора света» написана для солирующей арфы и представляет из себя нечто трогательное и поэтичное. Музыка переливалась, качалась в мажорных волнах. Солистка Луиза Минцаева то «мерцала» каким-то волшебством, то тихонечко шептала, аккомпанируя соло первой скрипки. Но это лишь первая часть прошла в такой благости: вторая – токката – была куда интереснее. Хоть музыка и нагнетала краски, в ней не чувствовалось угрозы; получился своеобразный испуг без страха. А поверх этой моторности звучала нежная кантиленная мелодия. Даже казалось, что этот жанр теряет сам себя. Такой странной догонялкой пьеса и закончилась, как завершился и концерт новой музыки. Интересно, что уже несколько лет мы слышим в итоговых программах AVANTI перекос в неоромантизм. Но, может, когда стилевых революций в музыке не происходит, она выполняет свою главную цель – ее приятно слушать.

Магнетизм и цветение

Следующая станция – хоровая

Текст: Вероника Калистратова

В зоне ожидания вокзала Адлера что-то ожидают. Все места за столиками заняты, но люди не спешат сделать заказ в местных кафе – взгляды устремлены на молодых людей в костюмах и девушек в черных платьях. Камерный хор Московской консерватории и его художественный руководитель и дирижер Александр Соловьёв делают последние приготовления.

«Я случайно увидела объявление по дороге на работу и приехала на этот концерт специально, – рассказывает зрительница Снежана, оторвавшись от разговора с подругой. – Странно, что его не устроили в здании старого вокзала. Посмотрим, какая будет акустика, но должно быть хорошо».

«Здесь хорошо» – соглашается первый номер концерта. Александр Соловьёв объявил, что будет исполнена программа «Русский сувенир» – с ней коллектив уже выступал в Китае. Пока хор поет романсы Сергея Рахманинова, вокзал обживает пространство вокруг инородных объектов. Люди с чемоданами семенят за спинами музыкантов, обступают сидящих за столами, достают телефоны.

Ухо пытается привыкнуть к новому звуковому контексту: здесь невозможно слушать только хор. Вокзал обладает своим собственным голосом, и громкость его убавлять не собирается. Гремят чемоданы, скрипят двери лифтов, из чуть отдаленной игровой зоны доносятся детские визги, и, разумеется, громогласно возвещаются прибытие и отбытие поездов.

Александр Соловьёв поделился после концерта: «Что-то в этом есть: возникает неожиданная звуковая природа. Но ребят это никоим образом не смущало. Они абсолютно уверенно несли смыслы, заложенные в партитуры, без отвлечения на внешние факторы».

Планировавшийся как сольник Камерного, концерт модифицировался. Состав коллектива расширен за счет участников Департамента хорового дирижирования, исполняют «Нас всех друг другу посылает Бог…» Антона Танонова и «Девушка пела в церковном хоре» Андрея Саврицкого. Эта музыка звучит под управлением Сергея Екимова и Александра Рыжинского – последний, кстати, совсем недавно выступал вместе со своим Altro Coro в аэропорту Сочи: «Как и здесь, нам нужна была особая концентрация. У нас акапельное звучание, мы должны слышать друг друга. К тому же очень сильно садится голос, потому что его нужно направлять. Кажется, что в зале гулко, но ты себя не слышишь, поэтому приходится постоянно чуть форсировать. Но оно того стоит».

Следом к хору выходят Сарине Автандилян и Мария Чекръкчиева. Они привезли «Санди ерг» («Песня ступы») Комитаса и Entarisi Ala Benziyor («Ее платье цвета зари») Муаммера Суна. К этому моменту зрители встают плотной стеной по краям зоны ожидания и за столами. Многие стремятся подойти ближе: ясный звук летит ряда на три, но дальше становится частью общего вокзального эмбиента. Беспорядка, впрочем, не возникает: спешащие на поезд пригибаются, чтобы случайно не попасть в кадр, звонки телефонов стараются быстрее отключить, внезапно заплакавших детей быстро отводят подальше и успокаивают. Некоторые и вовсе предпочитают слушать издалека. «Вы знаете, мы не особенно увлекаемся классической музыкой, – Сергей с женой посматривают на часы, чтобы не пропустить отправление. – За жизнью оперных театров и симфонических оркестров, к сожалению, следить не получается. Но когда происходят такие события, это интересно».

Работники вокзала пробираются сквозь толпу: ворчат, но улыбаются. Отделившись от остальных зрителей, Анатолий сам подходит, чтобы дать комментарий: «Зачем было устраивать концерт здесь? Я бы спокойно заплатил, если бы это было в концертном зале! Представляете, как людям сейчас тяжело работать? Если бы вы что-то делали, а вам все время объявляли отправление поезда?»

Программа уходит в область советской классики. Слыша знакомые мелодии Таривердиева, Гладкова и обработки русских народных песен, люди начинают улыбаться и тихонько подпевать. Хор танцует, и зрители пританцовывают на месте и хлопают в такт. А когда Александр Соловьёв представляет экспромтом присутствующую на концерте Веру Таривердиеву, аплодисменты становятся только горячее.

«На удивление, голос летел, – рассказывала по дороге с концерта солистка Камерного хора Александра Яблонская. – Не было слышно другие партии, сложно было переключаться на естественное пиано. А вот люди в зале были такие комфортные! Реагировали, интересовались, шли на контакт».

«Многая лета» Сергея Прокофьева начинается после очередных долгих оваций и криков одобрения. Александр Соловьёв дирижирует первым куплетом, но неожиданно отходит в сторону и уступает место Сергею Екимову. Тот передает эстафету Александру Рыжинскому – и вот концерт завершен, а Камерный хор Московской консерватории покидает железнодорожный вокзал, чтобы на следующий день отправиться на морской.

Ветер нам в спину

Текст: Глеб Чучалин

Зал под кессонированным сводом Морского вокзала гудел. Собравшаяся публика напряженно и даже недоверчиво шумела; на балконе стоял предвкушающий и балаганистый гам – Камерный хор Московской консерватории готовился к ключевому концерту поездки. После непривычного вокзала их ждало весьма обыденное. Разве что яхты за окном зала не везде увидишь. Тем не менее заключительное выступление в рамках Департамента хорового дирижирования заставляет волноваться всех: участников, наставников, хористов и даже зрителей. «Из всей программы фестиваля я ни в коем случае не могу пропустить хоровые концерты в этом зале, – говорит одна из зрительниц. – И мы с подругами третий год ходим сюда слушать прекрасные исполнения. Хоть часто произведения современных композиторов для нас не всегда понятны, это все равно прекрасно звучит».

Пройдя между скамейками, приставленными к стенам, и образующими партер банкетными стульями, с двух сторон из зала прошествовал на сцену хор. И очень быстро стало понятно, что концерт на вокзале сухопутном – как утверждали участники – был далек от простой репетиции этого вечера. Да, несомненно, был и повторяющийся репертуар: позаимствованная из «Хорового союза» пьеса Саврицкого, произведения Антона Танонова и Александра Чайковского. Но, во-первых, в зале «Чайка» сами эксперты Композиторского департамента пришли послушать исполнение своих сочинений – и остались, видимо, довольны. Ведь  экспрессивные дирижеры и артисты хора устроили эмоциональный контрастный душ: сначала разбили всех густой и ватной фактурой петербургского композитора, пробиваемой звонким ровным тоном Александры Яблонской; восполнили эту пустоту циклом «Монологи пьющего человека» – ироничного и харизматичного настолько, что зал дважды проигнорировал просьбу не хлопать между частями. «Вась, ну просили же не хлопать». – «Ну а что, мне в тишине, что ли, сидеть, если мне понравилось?»

Во-вторых, не только мэтры вышли к пульту в этот вечер. Студенты-участники департамента тоже дирижировали в этот вечер одним подготовленным ими сочинением. Выходили прямо из хора, вставали перед коллегами и наизусть исполняли произведение. Конечно, можно было собрать полную коллекцию дирижерского жеста – настолько многообразным был стиль. Это очень округлый и вовлекающий жест Яны Андреюк из Белорусской академии музыки или острый, чуть пружинистый Ольги Хулакшановой из Новосибирской консерватории; объемный, воздушный и широкий взмах Дарьи Елькиной из Гнесинской академии или такой же широкий, но уже прицельно точный взмах Модеста Легкова из Санкт-Петербургской консерватории. Особенно показательными в этом контексте были студенты Московской консерватории Татьяна Исаченкова, Михаил Клапоус, Елизавета Юферева. В рамках одного цикла Низамова на стихи Бродского зрители увидели манеру дирижирования от игольно-острого до поглаживания, описывая восьмерки. Каждый из выходивших перед хором в этот вечер получал щедрую порцию аплодисментов. «Это было неожиданно хорошо, – как назвала это одна из зрительниц. – Я каждый год хожу на эти концерты, и молодые дирижеры мне очень понравились! Одно удовольствие видеть их за работой и слышать такую прекрасную музыку».

Наконец, в фарватере концерта оказались и мировые премьеры. Уже вторым номером прозвучало «Все это было бы смешно» Ефрема Подгайца. Композитор, известный в большей степени по своим сочинениям для народных инструментов, написал и посвятил Александру Соловьёву очень трогательный, можно сказать, канон – между хором и солистом Гордеем Мирошниковым. Вместе они словно взбирались куда-то вверх, поддерживая друг друга. И звуковой образ получился настолько жалостливым, что добрая половина последних рядов потянулась за платками. Не менее эмоциональными получились и две премьеры Сергея Екимова – «Молитва», также посвященная руководителю Камерного хора, и «Завещание» в память Архиепископа Питирима: очень полифоничные и даже романтичные созвучия лишь изредка возвращаются в современность застывшими секундами или нетипичными выдержанными голосами. Музыка обретает форму воспоминания, улетая куда-то под свод, к чайке в небо.

Заканчивался концерт еще одной премьерой – сочинением Александра Клевицкого «Таракан». Генеральный директор Российского музыкального союза и композитор рассказал: «В свое время, когда я поступил в консерваторию, одна преподаватель познакомила меня с таким композитором, как Дьёрдь Лигети. И увлечение им привело меня к желанию написать цикл про мир насекомых». Услышав слова про сценическую редакцию Александра Соловьёва, стоящего за пультом, зал придал этому значения меньше, чем нужно, ну а пока началась музыка. Игривая и юркая, с пробелами и звуковыми эффектами. Хор постепенно разгонял мотор. И тут внезапно очередная  пауза заполнилась вскриком из зала. За спиной одной из зрительниц стоял огромный, нет, гигантский таракан. Артист хора Андрей Беккер в ростовом костюме с тараканьими усиками стал носиться по залу от других хористов, стремящихся пришибить его папками. И когда «насекомое» было загнано в угол – тут уже не выдержал сам дирижер, и вместе со всем первым рядом коллектива подкрался на авансцену и задавил паразита, вызвав смех и овации зрителей! Часть аудитории, явно эпатированная, размышляла: «Ну уж напридумали! Все же музыканты – люди с хорошим воображением. Они и без костюма могут таракана представить…» Другие не скрывали одобрения: «Так а что толку стоять на сцене, как частокол? Тут есть и чувство юмора, и техника. Прелестная же пьеса!» Жарко обсуждая увиденное и услышанное, люди выходили на прохладный ночной воздух набережной. И облака, словно дым локомотива, вели их вперед.

Два праздника

Создать, поддержать, развить! Глаголы действия быстро входят в лексикон тех, кто полюбил Тулу. Десять лет назад их с уважением к эпохе Михайловского произнес Александр Соловьёв, став новым руководителем Тульского государственного хора. Хранить традиции – значит растворить окна в построенном до тебя доме и освежить комнаты воздухом современности, не разрушая сделанного. Программа концерта, посвященная дружбе Александра Владиславовича с филармонией, выразила это символически.

Живо, на подъеме прозвучала «Праздничная увертюра» Дмитрия Шостаковича и вместе с двумя фрагментами из балета Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта» составила симфонический пролог первого отделения. Трактовки этой знаменитой музыки опирались на проверенные образцы русского-советского исполнительства, то есть избежали намеренно вычурных решений, были сбалансированы по форме, убедительно рассчитаны в темповом отношении. Дирижер создал благоприятные условия для того, чтобы Тульский филармонический симфонический оркестр раскрылся как творческое целое. Динамический объем – от победоносного фортиссимо до призрачного пиано в «Монтекки и Капулетти», культура штриха струнных, особенно заметная в «Джульетте-девочке», умение быстро реагировать на смены движения, чувствовать друг друга в сложных для ансамбля ситуациях, да и просто эстетичное поведение на сцене – синхронно снятые смычки, общая неподвижность в паузах, – все свидетельствует о том, что оркестр приобретает классность. И программа, предложенная Александром Соловьёвым, поставила перед артистами многогранные задачи.

 Следующий ее номер, «Ритуал» Альфреда Шнитке, всегда производит большое впечатление. В нем заблистала ударная группа. Снова точный расчет, столь важное здесь накопление и растворение звуковой энергии принесли исполнительскую победу. Казалось, что в финале маэстро дирижировал уже тишиной.

Именно в тишине рассматривают старинные фотографии, говорящие на языке сердца, как в ностальгической, но не благостной дымке размытых очертаний и наплывающих друг на друга образов Родиона Щедрина в пьесе «Старинный город Алексин». Эффект от этой сверхличной музыки, посвященной местам, где прошло детство композитора, многократно усилил неожиданный, но совершенно оправданный ход. В последние звуки струнного оркестра ворвались фанфары «Гимна граду Туле» в оркестровке Кузьмы Бодрова и зазвучал сводный тульский хор, сплоченный из взрослых и детских коллективов.

«Мечта о космосе» Кузьмы Бодрова, подарившая название концерту, и фрагменты киномузыки – Ave Maria Юрия Потеенко и «Три товарища» Эдуарда Артемьева в исполнении оркестра и хора (соло на трубе – Иван Буланкин) принесли с собой такую красоту, что слушатели поняли: они вместе с исполнителями мечтали именно о ней на протяжении всего отделения. И лучшим воплощением замысла стало замечательное по слаженности, чистоте, единству тембров и фразировке пение хора. На современном сленге можно было бы выразить впечатления возгласом «Просто космос!». А вспомнив о значении слов, добавить: «Да ведь так и есть. Космос по-гречески означает красоту, гармонию, порядок».

Во втором отделении, насыщенном, но дружелюбном к слушателям, кроме русской народной песни «Ты река ль моя, реченька», фрагмента из хоровой оперы Александра Чайковского «Сказ о Борисе и Глебе» и премьеры специально созданного для этого вечера сочинения Артема Ананьева «Многая лета», звучали мелодии советских композиторов – Александры Пахмутовой, Яна Френкеля, Марка Фрадкина, Давида Тухманова, попурри из песен Андрея Эшпая. В начале и в конце отделения две песни с одним названием – «Родина» – Иосифа Михайловского и Серафима Туликова возвели арку для этих произведений.

В этой части концерта друг друга сменяли или соединялись вместе самобытные коллективы. На сцене побывали Тульский государственный хор (главный дирижер – Алексей Зайцев) и Камерный хор Московской консерватории (главный хормейстер – Тарас Ясенков), детский хор Центра одаренных детей Тульской области «Мастерская талантов» (художественный руководитель – заслуженный работник культуры РФ Любовь Плугатар) и смешанный хор Тульского колледжа искусств имени А.С. Даргомыжского под управлением Евгении Вернер, «ДарХор» (руководитель – Сергей Васильев), Екатерина Залётова (сопрано), пианисты – заслуженный артист России Яков Соловьев и Михаил Кривицкий.

Всех нужно непременно перечислить, потому что это «хоровое вече», как точно сказал Александр Владиславович в интервью перед концертом, действительно превратилось во всенародное собрание голосов, мелодий, стихов, признаний в любви к хорошей музыке, которая не имеет срока давности. Концерт-праздник и концерт-посвящение. Этот разнообразный, изобретательный вечер, который был скреплен таким количеством внутренних нитей, ассоциаций и все же сходился к одной теме – хоровой культуре России – и к одному из ее энтузиастов Александру Соловьёву, я смело назову в числе интереснейших событий Тульской областной филармонии в 2026 году. Ждем теперь и другие.

Пять лет с оркестром

В 2019 году Родион Щедрин решил посетить родные места, «припасть к корням». 7 мая 2019 года он написал краткий мейл дирижеру Александру Соловьёву: «Саша, мой дорогой, завтра лечу в Москву. Мечтаю осуществить наши мечты-планы, ты не передумал? С шофером все договорено. Позвоню уже из дома. Обнимаю». И 12 мая 2019 года состоялась поездка композитора в Алексин: там он обошел все родные ему места – Успенский храм, музей в помещении Детской музыкальной школы имени Константина Щедрина, его отца, и потом направился в родной дом, где его любезно встретили живущие там люди. Родион Константинович, когда зашел внутрь, приговаривал: «Помню эту комнату, эти стены…»

Внутри действительно все было не слишком презентабельно, но зато аутентично. Второй раз Щедрин вернулся сюда в 2021 году (обе поездки были сняты на камеру), а спустя год его друг, декан экономического факультета Санкт-Петербургского государственного университета Отар Маргания, выкупил дом целиком и вручил документы Щедрину – как подарок на день его рождения. Управление домом взял на себя Благотворительный фонд Валерия Гергиева, а разработку концепции музея – Министерство культуры Тульской области, Тульское музейное объединение и представители московских федеральных музеев. Личный патронат тогдашнего губернатора Тульской области Алексея Дюмина обеспечил «зеленую улицу» проекту.

Вся эта предыстория важна для понимания того, какие серьезные силы российского масштаба были вовлечены, чтобы скромный домик в тульской глубинке стал одним из центров культурного притяжения.

Что касается концепции, то пришлось решать, чем наполнить дом – ведь подлинных вещей не сохранилось. Да и в процессе подготовки музея дом просто по бревнышку разобрали и заново сложили по найденным чертежам, построили новый подвальный этаж с офисным помещением для сотрудников. Это было необходимо, так как исходная площадь в восемьдесят квадратных метров не давала возможности развернуться. И в итоге было решено посвятить экспозицию семье Щедриных – с одобрения композитора.

Когда входишь в музей, сразу забываешь, что ты в российской глубинке. Эффектные современные интерьеры, пол и стены, «обклеенные» нотами, много мультимедийных приспособлений – можно взять наушники и послушать музыку, полистать фото. Нет привычного разделения на комнаты, скорее, это круговая анфилада. Первый зал знакомит посетителей с биографией Родиона Щедрина, его детством, произведениями, оказавшими наибольшее влияние на становление личности композитора. Второй посвящен дому, в котором провел детство Родион Константинович. В третьем зале внимание уделено предкам композитора и их влиянию на культурное развитие Алексина. Четвертый зал посвящен творческому наследию Щедрина и Плисецкой, их вкладу в отечественную и мировую культуру.

Есть и «фишка»: в центре одного из залов – инсталляция бревенчатой стены с окном, сквозь которую просвечивает экран. Начинает звучать голос самого Родиона Щедрина: по просьбе автора этих строк он записал специальное приветствие посетителям дома, где сам вкратце рассказал о своей династии, о своей привязанности к Алексину. Голос звучит неторопливо, с паузами, а в окне мелькают архивные фото, кадры хроники – мы погружаемся в историю и ощущаем дух гения места.

Музей открылся 16 декабря 2025 года, в день рождения Родиона Щедрина. На экспозиции были выставлены предметы из коллекции Театрального музея имени А. А. Бахрушина: фрак композитора, в витринах – личные мелочи. По словам присутствовавшей там Кристины Трубиновой, гендиректора Бахрушинского музея, «на открытие мы передали более двадцати подлинных предметов, связанных с их жизнью и творчеством, а для постоянной экспозиции и мультимедийной программы – двести цифровых копий редких архивных материалов».

Гости, в числе которых были заместитель председателя Правительства Тульской области Ольга Гремякова, директор Российского национального музея музыки Михаил Брызгалов, дирижер, директор Большого театра и худрук Мариинского театра Валерий Гергиев, ректор Академии хорового искусства имени В. С. Попова Александр Соловьёв, директор Всероссийского музея декоративного искусства Татьяна Рыбкина (экс-министр культуры Тульской области, лично курировавшая ход работ по реконструкции), привезли дары в фонд музея, в том числе одежду, вещи из мюнхенской квартиры композитора. Родиона Константиновича уже нет с нами – он ушел из жизни 29 августа 2025 года, не успев порадоваться долгожданному открытию, которого так ждал. Но память о нем будут сохранять в его родном уголке. «Экспозиция музея будет развиваться, расширяться, дополняться. Весной запланировано благоустройство прилегающей территории – здесь будет построен амфитеатр, летняя сцена. Уверен, впереди музей ждет интересная жизнь», – отметил губернатор Тульской области Дмитрий Миляев.

Вскоре появится и мемориальное место в Москве. Квартира, где Щедрин жил с Майей Плисецкой, будет переименована в Музей Плисецкой и Щедрина. А к имеющейся экспозиции будет присоединен его кабинет – однушка на том же этаже, где композитор, закрывшись от суеты, творил свою музыку.

Между паузой и звуком

Прорыв

В 2025 году в этой номинации по праву лидирует Государственный симфонический оркестр Челябинской области: за полтора года работы художественный руководитель и главный дирижер Алексей Рубин смог несколько раз привлечь внимание к своему коллективу серьезными акциями: затеял серию концертов «Бетховен. Переосмысление», для которых заказал сочинения современным российским композиторам – Настасье Хрущевой, Алану Кузьмину, Алексею Ретинскому, Владимиру Горлинскому. Последний также стал куратором любопытного эксперимента в рамках проекта «Курчатов Лаб», когда в формате открытой репетиции композиторы проверяли «на оркестре» свои творческие идеи. В финале ГСО ЧО поучаствовал в перформансе на железнодорожном вокзале и вообще продемонстрировал готовность к диалогу с новыми практиками. С другой стороны, оркестр начал год с гастролей в Дубае с Денисом Мацуевым, а потом поездил по городам России, успешно дебютировал на сцене Московской филармонии. Идей у Алексея Рубина много, руководство Челябинской филармонии поддерживает его инициативы, так что понадеемся, что на заложенном фундаменте вырастет крепкое здание.

Звукозапись

Под занавес года пришло замечательное известие: в России создан свой завод по выпуску виниловых пластинок. Открыто производство в Новосибирске и носит название «Фирма Мелодия», благодаря которой чудо возрождения и состоялось. Полтора года назад гендиректор «Мелодии» Андрей Кричевский дал нашему журналу исчерпывающие комментарии, зачем нам свой завод грампластинок, – ужесточение санкций ЕС, удлинение и удорожание производства (ждать выпуска тиража приходилось по полгода). Ситуация в мире пока только усложнилась, а вот решение нашлось, и по словам первого заместителя гендиректора Карины Абрамян, уже вышло четыре записи из архива «Мелодии», а в 2026 году намечено еще как минимум двадцать названий. Так что российские артисты могут обратить внимание на отечественного производителя.

Несмотря на сложную международную обстановку российские академические музыканты продолжают находить возможность для выхода на мировой рынок. Это происходит двумя основными путями. Во-первых, сохраняется контакт с западными компаниями, как в случае «Брамс-трио», которое записывает масштабную серию альбомов для британского лейбла Linn Records. Во-вторых, многие коллективы развивают самостоятельные проекты: например, Госоркестр Республики Татарстан, продвигая собственный бренд, выпустил полный цикл симфоний Бетховена и все концерты Прокофьева с пианистом Сергеем Давыдченко.

Статус флагмана сохраняет за собой уже упомянутая «Мелодия», которая в уходящем году загрузила в мировые стриминговые сервисы 170 альбомов. Важно, что двадцать из них – совершенно новые записи отечественных артистов. Так, через цифру слушателям стали доступны: целостный цикл из пяти сонат петербургского композитора Геннадия Банщикова в исполнении пианиста Юрия Фаворина, масштабная ретроспектива сочинений Бориса Чайковского (к столетию автора) от МГАСО под управлением Ивана Никифорчина и смелый моцартовский эксперимент оркестра «Дивертисмент» («Только Моцарт!»). «Мелодия» целенаправленно курирует и продвигает на глобальный рынок (это не только Россия, но также Беларусь, Казахстан, США, Германия) сложные неангажированные программы, укрепляя позиции российского академического звука в мировом культурном диалоге.

Памятные даты

Профиль многих культурных событий определило восьмидесятилетие Великой Победы. XIII Международный фестиваль искусств «Дню Победы посвящается…», проводимый Московской консерваторией с 2013 года (по словам профессора Александра Соловьёва, его худрука, «без привязки к сиюминутной повестке, а по велению сердца»), естественным образом вписался в этот ландшафт программами наших главных военных коллективов – Симфонического оркестра Министерства обороны Российской Федерации и Академического ансамбля песни и пляски Российской Армии имени А. В. Александрова, постановкой Оперной студией МГК нетленного военного блокбастера «Зори здесь тихие» композитора Молчанова, песнями военных лет в исполнении детских и молодежных хоров и Реквиемом (2021) Кузьмы Бодрова, мелодиями и джазовыми обработками саундтреков к кинофильмам времен ВОВ.

На оперной сцене стоит выделить безусловные удачи: мировую премьеру оперы Александра Чайковского «Любить на войне», состоявшуюся в Красноярском театре оперы и балета (режиссер – Ирина Лычагина); спектакль «Семен Котко» Прокофьева в Большом театре, сделанный тандемом режиссера Сергея Новикова и дирижера Валерия Гергиева; «Повесть о настоящем человеке» Прокофьева, поставленная в Саратовском театре оперы и балета Георгием Исаакяном в музыкальной версии Юрия Кочнева. Все три работы – не конъюнктура к дате, а волнующие размышления о преданности и любви к Родине, о силе человеческого духа и необходимости оставаться человеком при любых испытаниях.

В жанре балета назовем премьеру программы «Пламя Победы», в которую вошли два одноактных балета: «Ленинградская симфония» на музыку Дмитрия Шостаковича (постановка 2020 года, балетмейстер – Вячеслав Хомяков) и премьера балета «Дом у дороги» на музыку Валерия Гаврилина и либретто хореографа-постановщика Дмитрия Антипова, основанное на одноименной поэме Александра Твардовского. Дирижером спектакля выступил Евгений Хохлов. Безусловно, многократно и на разных филармонических сценах звучала Седьмая «Ленинградская» симфония Шостаковича, но, скажем, Юрий Башмет с камерным ансамблем «Солисты Москвы» провел тур по городам-героям и показал там свой актуальный проект – спектакль «Живые и мертвые», актрисы и режиссера Полины Агуреевой.

А «Новая Опера» и Пермский театр оперы и балета сделали параллельную акцию: в один день, 10 мая, исполнили на своих сценах «Военный реквием» Бриттена – в Москве дирижировал Клеман Нонсьё, в Перми – Владимир Ткаченко.

В год восьмидесятилетия Великой Победы выставочные проекты ведущих музеев страны стали важнейшим инструментом осмысления прошлого, уделив особое внимание роли музыки в этом контексте. Выставка «Без права на забвение» в филиале Исторического музея блестяще продемонстрировала, как музыкальная тема может быть интегрирована в определенный нарратив в качестве выразительных акцентов. Она не преобладала в экспозиции, но без нее общая картина выглядела бы неполной. Рассказ о фронтовых бригадах оживал благодаря впечатляющему элементу декорации – вмонтированному в стену кузову грузовика, той самой импровизированной сцены, на которой на передовой и в тылу выступали артисты. В витринах экспонировались личные вещи Клавдии Шульженко, а также документы, касающиеся деятельности театрально-музыкальных трупп. Открывающий раздел выставки – о первых днях вторжения немецкой армии на российскую территорию и контрнаступлении под Москвой – сопровождался поставленной на повтор «Священной войной» Александрова, в качестве звукового оформления раздела о блокадном Ленинграде использовалась первая часть Седьмой симфонии Шостаковича. Все эти вкрапления – как синий платочек Шульженко или инструменты с Парада Победы 24 июня 1945 года – служили дополнительными смысловыми опорами выставки.

В обновленной экспозиции в Музее Победы на Поклонной горе музыкальные артефакты оказались представлены рядом с военной формой, оружием, техникой и предметами быта: труба Василия Агапкина или ноты арии Мельника из «Русалки» Даргомыжского – собственность летчика Николая Анцырева – уже не просто детали, а реликвии, отмеченные историей. В интерьерах воссозданной библиотеки (или архива), во встроенном мультимедийном плеере посетитель мог выбирать на свой вкус песни военных лет, пьесы для брасс-ансамблей и симфонические произведения.

Профильная выставка «Этот день мы приближали…» в Российском национальном музее музыки, в свою очередь, явилась целостным кураторским исследованием. В этом проекте тема музыки 1941–1945 годов предстала не связующим элементом, а главным объектом, раскрытым через две сотни уникальных экспонатов, от личных вещей до рукописи гимна Александрова.

Столичные выставочные институции в юбилейный год Победы показали широкий спектр методов работы с единой темой: от интеграции музыки в исторический контекст в качестве ключевых «скреп» до ее презентации как самостоятельного феномена, требующего цифрового взаимодействия.

Юбилеи

Самый солидный юбилей – полтысячелетия – отметил Джованни Пьерлуиджи да Палестрина; один из самых «молодых» юбиляров – оркестр musicAeterna, дебют которого состоялся в Новосибирске два десятилетия назад. Самой популярной круглой датой стало 185-летие со дня рождения Петра Чайковского, широко отмечавшееся по всей стране, от сел до столицы.

Красивая дата – сто лет – объединила таких разных композиторов, как Пьер Булез, Андрей Эшпай, Борис Чайковский, Лучано Берио и Владимир Шаинский. Не все они удостоились одинакового внимания концертных организаций. Музыка лидера авангарда Булеза сопоставлялась с произведениями подчас неожиданных авторов, среди которых – другой юбиляр Иоганн Себастьян Бах; Борис Чайковский и в памятный год остался композитором редко играемым, но оттого не менее значимым.

В год 110-летия Георгия Свиридова мы услышали много новинок из его архива: ораторию «Семь песен о России», реконструированную Алексеем Сюмаком, восстановленный по аудиозаписи хор «Благослови, душе моя, Господа» из цикла «Песнопения и молитвы», вторую редакцию Симфонии для струнных 1940 года.

Серию из семи симфоний Густава Малера к его 165-летию представил в Мариинском театре и «Зарядье» Валерий Гергиев. Еще чаще, чем обычно, звучала Carmina Burana в связи со 130-летием Карла Орфа.

Восемьдесят лет отпраздновали композиторы Максим Дунаевский и Алексей Рыбников, семьдесят лет – ровесники Александр Радвилович, Юрий Каспаров, Леонид Десятников, шестьдесят пять – Иван Соколов.

Александр Сладковский и Денис Мацуев встретили юбилей прямо на сцене, предпочтя музыкальные приветствия многоречивым тостам.

Конец года запомнился столетием со дня рождения Майи Плисецкой. Помимо многочисленных балетных постановок, концертов и выставок выделяются новые книги, познакомившие читателя с редкими материалами и фактами биографии артистки: это публикации ее брата Азария Плисецкого, двоюродного брата Бориса Мессерера и исследовательницы Марии Залесской.

Утраты

Тяжелыми потерями в сердцах меломанов по всему миру отозвался 2025-й. Ушли те, чьи имена навсегда вписаны в историю культуры, каждый из них олицетворял собой целую эпоху, направление или бездну творческой смелости. В середине марта скончалась София Губайдулина. Ее музыка, пронизанная духовными поисками и метафизикой, была своего рода мостом между Востоком и Западом, между авангардом и вековой традицией. Она говорила на универсальном языке трепета и тишины, а ее «Страсти по Иоанну» или Offertorium остаются монументами современного академического репертуара.

В конце лета не стало народного артиста СССР, блестящего наследника русской классической школы Родиона Щедрина. Его «Кармен-сюита», «Не только любовь», «Озорные частушки» – неиссякаемый источник энергии, интеллекта и жизнелюбия в музыке. Щедрин принадлежал к «золотому веку» отечественной композиции, и с его уходом завершилась целая эпоха.

Мировая режиссура потеряла одного из мэтров авангардного театра – в конце июля после длительной болезни скончался Роберт Уилсон. Для России была особо ценна его «Травиата», поставленная в Пермской опере вместе с Теодором Курентзисом. Через несколько дней пришло трагическое сообщение из «Электротеатра Станиславский» – в 67 лет ушел из жизни радикальный экспериментатор Борис Юхананов. Его проекты, такие как эпический оперный сериал «Сверлийцы» или «Галилео» для скрипки и ученого, ломали привычные шаблоны. О Юхананове говорили не просто как о режиссере, но как о создателе художественных вселенных.

В 2025 году музыкальный мир оплакивал и других ярких артистов. «Принц Тьмы», чей голос определил звучание целого поколения, «великий и ужасный» Оззи Осборн постепенно угасал, но держался до конца. Сценические безумства лидера Black Sabbath, неподражаемая харизма и удивительно лиричные для «тяжелого» жанра баллады оставили заметный отпечаток в массовой культуре.

В нашем собственном цеху мы с горечью простились с музыкальным журналистом и автором Дмитрием Сараевым. Его проницательные тексты, владение материалом, честный взгляд на вещи – все это отразилось в многочисленных публикациях на страницах журнала.

Книги

В 2025‑м мы читали издания на стыке музыкознания, искусствоведения, культурологии, звуковых исследований. Музыковед Сергей Уваров обратился к наследию художника-музыканта Михаила Матюшина («Михаил Матюшин. Баяч будущего») и феномену звука в выставочном пространстве. Его цикл эссе «Услышать музей», выпущенный издательством «Композитор», получил Премию Анатолия Зверева в номинации «Книга о современном российском искусстве». Привлекает внимание небольшой томик Пьера Булеза, на примере работ Пауля Клее размышляющего о взаимосвязи музыки и живописи: очерк авангардиста для издательства Ad Marginem перевел Всеволод Митителло.

Не каждый год появляются исследования, посвященные творчеству Антона Рубинштейна, Бориса Чайковского, Юрия Буцко, Бориса Тищенко. Редкие документы опубликовал созданный в 2024 году Центр наследия Антона Рубинштейна в сборнике «Антон Рубинштейн. Художник звука», а также издательство «Композитор», напечатавшее последний труд Марины Рахмановой «Юрий Буцко. Свидетельства жизни». Давно нуждались в серьезной монографии композиторы Борис Чайковский и Борис Тищенко, изучением творчества которых занялись Юрий Абдоков и Галина Овсянкина. Свежего взгляда удостоился и классик: составленная Евгенией Кривицкой коллективная монография «Игорь Стравинский: человек и музыка. Взгляд из XXI века» включает публикацию дополненной книги К.Ю. Стравинской «О Стравинском и его близких», историко-теоретические эссе разных авторов и не публиковавшиеся ранее архивные материалы из Фонда семьи Ф.И. Стравинского и его сыновей.

Многие из этих книг – продукция московского издательства «Композитор», как и увидевший под занавес уходящего года альманах «Служитель утопии. Теодор Курентзис». Дизайнерское издание, собравшее под одной обложкой рецензии, интервью, аналитические обзоры о деятельности греческого дирижера и его оркестров, хоров в России и за рубежом. Девяносто пять процентов представленных текстов были опубликованы в «Музыкальной жизни» и представили впечатляющий срез критической мысли 2010-х – начала 2020-х годов.

Ожидания

Наступающий 2026 год в сфере академического музыкального искусства России обещает стать этапом осмысленной консолидации и стратегического развития. Ключевые процессы затронут несколько взаимосвязанных плоскостей.

Основным вектором развития видится глубокая трансформация отечественной оперной и балетной режиссуры. Ожидается, что российские постановщики окончательно перейдут от этапа реакционного осмысления опыта западных мастеров к формулированию собственной, независимой эстетической концепции. Речь идет не об изоляции, а об усвоении наиболее эффективных западных моделей и их последующей фильтрации через систему национальных культурных кодов и традиционных ценностей. Цель – создание «здорового продукта», где формальный эксперимент не противоречит духовно-смысловому наполнению, а отечественная режиссерская школа обретает свой уникальный путь – путь к утверждению подлинного культурного суверенитета на музыкальной сцене.

В концертной деятельности продолжится активное смещение фокуса на укрепление связей со странами Глобального Юга и Востока. Если Китай уже стал полноценным и постоянным участником культурного обмена, то в 2026 году стоит ожидать качественного расширения этой географии. На российские площадки будут активнее приглашаться представители джаза, этнической музыки, contemporary dance и других перформативных практик из Индии, Ирана, стран АСЕАН, Латинской Америки и Арабского мира. Это создаст среду для новых культурных альянсов, минуя западные центры влияния.

2026 год может стать определяющим в работе новых площадок – таких как открывшийся этой осенью концертный зал на федеральной территории «Сириус». Пока его афиша выглядит вполне традиционно и предсказуемо. Однако подлинный успех и культурное влияние «Сириуса» будут зависеть в том числе и от способности руководства формировать собственную кураторскую политику. Появится ли у зала индивидуальный стиль? Настроена ли творческая команда «Сириуса» на уникальные фестивальные программы и авторские проекты?

Ожидания в 2026 году связаны и с другим трендом: активной интеграцией китайской музыкальной сферы в европейское институциональное пространство. Этот процесс отличается ярко выраженной двусторонней динамикой. С одной стороны, ведущие европейские звукозаписывающие компании, такие как Deutsche Grammophon, демонстрируют растущий стратегический интерес к китайскому рынку и артистам. Заключение эксклюзивного контракта с молодым, но уже чрезвычайно популярным благодаря саундтрекам к компьютерным играм композитором Юй-Пэн Чэнем – яркое тому подтверждение. Для лейблов это возможность не только представить западной аудитории новые имена, но и усилить собственное присутствие для многомиллионной аудитории в Китае, используя локальных «звезд» как культурных амбассадоров. Финансовый интерес и расширение рынка сбыта являются здесь ключевыми, но не единственными двигателями.

С другой стороны, сами китайские музыканты нового поколения целенаправленно стремятся к работе с авторитетными лейблами, и для них это не только вопрос престижа, но и важный шаг к глобальному признанию, выход на международную арену за пределы национального контекста. Они прокладывают дорогу к западным институциям, предлагая синтез академических традиций, современных технологий и уникального культурного кода. Формируется устойчивая взаимосвязь: европейские организации осваивают перспективный рынок через локализацию контента и сотрудничество с местными знаменитостями, а китайские артисты, в свою очередь, используют ресурс и репутацию звукозаписывающих компаний для карьерного роста.

Итоги года: все включены

Быть спутником женщины с ее вселенной бурлящих страстей могла лишь личность сопоставимого масштаба. Творческим союзником и преданным почитателем Майи стал композитор Родион Щедрин. Им не нужно было состязаться или делить славу – они были самодостаточны и цельны каждый в своем искусстве. Но в одном они были неразделимы – в самой жизни. Друг для друга они были неиссякаемым источником вдохновения: он ей – для танца, она ему – в композиции. Вместе они творили не балет и не музыку, а само пространство любви, в котором и существовали.

Лучшим подарком для Майи Михайловны в такой юбилей, бесспорно, могла стать музыка ее мужа. Муза и главная поклонница его таланта, она всегда будет жить в произведениях Родиона Константиновича – ведь большинство шедевров Щедрина посвящены ей. Художественный руководитель Камерного хора Московской консерватории Александр Соловьёв примерил новую роль – выступил режиссером праздничного вечера в честь балерины. Вместо формального концерта памяти публике показали трехчастное действо: символическим «вторым актом» стал антракт, в котором представили новую биографию Майи Плисецкой авторства Николая Ефимовича, где вселенная Плисецкой получила столь разнообразное сценическое и музыкальное прочтение.

Проводником в этот праздничный вечер выступил импозантный Петр Татарицкий: он сыпал цитатами то из «Анны Карениной» Толстого, то из эпистолярия Плисецкой, щедро сдабривая их личными воспоминаниями о встречах с великой четой.

Александр Соловьёв выстроил программу вечера по творческим заветам самого Родиона Константиновича, с которым его связывали высокие дружеские и творческие отношения. Принцип композитора «музыка – это контрасты» был воплощен с блеском: каждое сочинение рельефно выделялось на фоне предыдущих, и всех их объединял дух Майи.

В первом отделении звучали опусы Щедрина. Под пальцами пианиста Энджела Вонга легко и изящно промелькнула «Юмореска» – улыбка озорницы-именинницы. Балерина обладала прекрасным чувством юмора: она могла непринужденно танцевать под песни Татьяны Булановой и, вероятно, от души посмеялась бы, узнав, что вечер в ее честь открывался поэтическими строками из «хита» Ирины Аллегровой «Балерина».

Наследие Щедрина притягивает все больше молодых исполнителей: пианист Энджел Вонг, не раз выходивший на сцену в этот вечер, признался, что основательно готовился к концерту, погрузившись в музыку Родиона Щедрина. В одном из номеров к нему присоединился виолончелист Василий Степанов, и вместе они исполнили яркую «Кадриль» с подкупающей широтой и душевностью. А в руках потомственного скрипача Даниила Когана пьеса «В подражание Альбенису» прозвучала стильно, с изысканным вкусом. Выступление Когана стало особенно символичным, связав эпохи творческой дружбой: его дед, Леонид Коган, приятельствовал с семьей Щедриных – Плисецких, и теперь эта связь продолжается в творчестве музыкантов нового поколения. А весь драйв и всю драму «Частушек Варвары» из оперы «Не только любовь» передали солистка Музыкального театра имени Станиславского Наталья Зимина и пианист Георгий Мигунов.

Великие возлюбленные вновь встретились на сцене в пьесе Щедрина Echos на cantus firmus Орландо Лассо. У органа – Евгения Кривицкая, она тоже была близко знакома со звездной четой. Мощная, брутальная органная партия в ее исполнении (словно голос самого композитора) вступила в диалог со звенящей, почти невесомой блокфлейтой-сопранино Ирины Стачинской. Казалось бы, что может быть общего у монументального органа и миниатюрной дудочки? Но в финальном аккорде их голоса слились в нерасторжимом созвучии, где уже не отличить одно от другого – точь-в-точь как в судьбе двух гениев, чьи жизни сплелись воедино.

Было бы немыслимо в этот вечер обойти уникальный танцевальный дар Майи. Фортепианный дуэт ALMA в составе Александры Акишиной и Марии Зелениной исполнил «Болеро Равеля». На его музыку когда-то поставил балет Морис Бежар, а царила в нем Майя. Сквозь звуки двух роялей, где вариации сменялись плавно, одна за другой, казалось, проступал ее огненный, гипнотический образ.

Плисецкая любила кино и сама снялась в нескольких драматических ролях (по Толстому и Тургеневу). И эту ее ипостась отметили в концерте: пронзительные финальные строки из монолога «Анны Карениной» в драматической интерпретации студентки ГИТИСа Майи Соловьёвой стали удачным эпиграфом к хоровой «Мессе поминовения».

Под занавес вечера – апофеоз хрупкой грации и вечной печали – «Лебедь» Сен-Санса, да еще и в особой аранжировке Нодара Чанба для органа, виолончели и хора. На сцену выплыла народная артистка РФ прима-балерина МАМТ имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко Наталья Сомова. Звуковая картина в этом номере была трехмерной. Таинственную атмосферу рождало магическое звучание органа (Евгения Кривицкая) вместе с поющей виолончелью (Василий Степанов), но особый стереоэффект создавал Камерный хор Московской консерватории. Рассеявшись по проходам Малого зала, он буквально обволакивал пространство своим пением. Балерина будто выступала в каком-то потустороннем сне: не перед нами ли сама великая Майя? Ее танец – словно мост, перекинутый от легенды к современности, – сорвал самые бурные овации этого вечера.

«Гений, мужество и авангард», – так определил танцевальный стиль Плисецкой известный французский критик Андре Филипп Эрсен. Ее искусство дышало ветром перемен, оно было авангардом в самой своей сути – неудержимым, всегда устремленным вперед. Поэтому в программу концерта так естественно вошли не только инструментальные и хоровые сочинения Щедрина («Месса поминовения», Серенада, пословица «Без ума человеку сума» исполненные с ожидаемым от Камерного хора МГК мастерством), но и композиции Кузьмы Бодрова. Его Ave Musica – сплетение важных образов из «Боярыни Морозовой», вступающих в диалог с божественной цитатой из Ave Maria Баха – Гуно – Щедрина, – поручена гобою (Федор Освер): ее чистое звучание, приправленное нежными аккордами органа и выстроенным хоровым вокализом, буквально достигало небес. А своего рода послесловием стал Вокализ, посвященный Бодровым памяти Щедрина, – тонкая, пронизанная светом миниатюра.

Особенно отрадно, что инициаторами и главными действующими лицами концерта стали молодые исполнители, включая весь состав Камерного оркестра МГК под управлением народного артиста России Феликса Коробова и Камерного хора МГК. Музыканты подтвердили неизменно высокий уровень своих коллективов, а Александр Соловьёв вновь стал творцом яркого события, которое войдет в историю нашей музыкальной жизни.

В заключительном гала-концерте приняли участие шестнадцать конкурсантов, допущенных на третий тур дирижировать на концерте Тульским государственным хором и претендующих на звание абсолютного победителя конкурса – лауреата Гран-При. По традиции на гала-концерте представлена вся хоровая палитра отечественной хоровой музыки, сгруппированная по тематическим направлениям: произведения русской классики Чайковского и Шебалина, блок духовной музыки, сочинения композиторов, посвященные теме войны (юбиляры этого года Андрей Эшпай и Ян Френкель, а также один из бессмертных фрагментов цикла Родиона Щедрина на стихи Александра Твардовского), обработки народных песен. Как подчеркнул Александр Соловьёв, музыка композиторов постсоветского пространства была представлена помимо опусов Берекешева замечательным переложением песни белорусского композитора Елены Атрашкевич (в аранжировке Сергея Екимова). А завершила гала-концерт легендарная песня Туликова «Родина», подчеркнувшая патриотический настрой и сплотив всех участников состязания.

Обладателем звания лауреата Гран-При конкурса стал учащийся четвертого курса РАМ имени Гнесиных Владимир Румянцев (Южно-Сахалинск). Специальным призом «За лучшее исполнение партитуры на фортепиано в I туре» отмечена Карина Джамалова (Московская консерватория). Специальный приз «Профессиональное признание артистов Тульского госхора» завоевала студентка Санкт-Петербургской консерватории Дарья Фещенко (Санкт-Петербург), а студентка Белорусской государственной академии музыки Яна Андреюк получила приглашение к участию в работе Департамента хорового дирижирования Зимнего фестиваля искусств Юрия Башмета в Сочи в 2026 году.

Конкурс хоровых дирижеров имени И.А. Михайловского вот уже в восьмой раз становится кульминацией хоровых событий в регионе. «В последние выходные ноября Тула оказывается столицей современного хорового исполнительского искусства, поскольку в этот город приезжают молодые хормейстеры из разных уголков нашей страны и демонстрируют свое искусство перед авторитетным международным жюри», – считает директор Тульской филармонии Елена Руднева, активно поддерживающая этот проект.

Актуальность включения в конкурс Shabyt номинаций «Дирижер хора» и «Камерный хор», по мнению Куттыбадамовой, продиктована тем, что в Казахстане редко проводятся конкурсы для действующих профессиональных хормейстеров. Поэтому организаторами Shabyt – Министерством культуры и информации Республики Казахстан, Акиматом города Астаны, ГККП «Дирекция по проведению культурных мероприятий» и Казахским национальным университетом искусств имени Күләш Байсейітовой – была безоговорочно принята эта инициатива.

Номинация «Дирижер хора» привлекла интерес не только молодых казахских хормейстеров, но также из музыкантов из России, Китайской Народной Республики, Таджикистана.

К состязанию после отборочного тура были допущены 23 участника в номинации «Дирижер хора» и восемь хоровых коллективов из регионов Казахстана и Татарстана. Творческой лабораторией для конкурсантов стали два коллектива столицы: Камерный хор Государственной академической филармонии имени Еркегали Рахмадиева и хор театра «Астана Опера». Абсолютное отличие и уникальность конкурса еще и в том, что в третьем туре конкурсанты работали в оперном жанре. «Несомненно такой формат, инициированный мною и поддержанный Ержаном Даутовым, главным хормейстером театра Астана опера, стал подарком и новым опытом для многих конкурсантов», – подчеркнула председатель жюри Гульмира Куттыбадамова.

Отличительным моментом конкурса Шабыт является и тот факт, что все премии являются неделимыми, так что на членах жюри лежала особая ответственность за беспристрастность в оценках. Также в рамках конкурса прошли мастер-классы членов жюри – мэтров хорового искусства: Александра Соловьёва (Россия), Ван Чао (Китай) и Масиса Гозбека (Турция), оставив яркие впечатления и дав пищу для размышления преподавателям и учащимся Казахского национального университета.

Среди победителей отметим успех российских артистов. В категории «Камерные хоры» завоевал Гран-при Государственный Камерный хор Республики Татарстан под управлением Народной артистки Республики Татарстан, члена Ассоциации народных и хоровых коллективов Российского музыкального союза Миляуши Таминдаровой.

В номинации «хоровой дирижер» дипломантом и обладателем специальной премии имени Народного артиста СССР, профессора Анатолия Молодова от Объединения юридических лиц казахской международной ассоциации «Мир через культуру» стал Хайдар Валиев (Уфа, Башкортостан). Выпускник, а ныне ассистент-стажер Московской консерватории Алмаз Раисов (Казахстан) получил звание дипломанта и специальную премию имени профессора Игоря Лебедева от Объединения юридических лиц казахской международной ассоциации «Мир через культуру», а Анне Кулешовой (Таджикистан), выпускнице Академии хорового искусства имени В.С. Попова была присуждена специальная премия за художественную интерпретацию сочинения Бахтыжана Байкадамова «Ақбай».

В 2026 году планируется новый проект Shabyt After Party, для участия в котором будут приглашены самые яркие молодые хормейстеры для репетиций и концерта с Камерный хор Государственной академической филармонии имени Еркегали  Рахмадиева.

Конечно, профессионального приза у критиков и музыковедов в такой форме не было (премия «Резонанс», которую доводилось получать и мне, была создана для молодых авторов до 35 лет, хотя отдельно чествовала мэтров). Тем более Ассоциация музыкальных журналистов, критиков и музыковедов России (генеральный директор – Евгения Кривицкая), решаясь на замысел, требовавший серьезных организационных хлопот и материальных вложений – которые помогли решить Российский музыкальный союз и Союз композиторов России, – должна была располагать вескими аргументами. Их в целом раскрыла церемония награждения.

Начнем хотя бы с того, что драматургию вечера оформила музыкальная программа: за каждым объявлением номинации, ее финалистов и победителя следовал концертный номер. Думаю, что никто из коллег не изменил профессиональным привычкам и даже в такой обстановке внутренне отрецензировал концерт. Я тоже отмечу его высокий художественный уровень. А в остальном – чудесное «безобразие»!

Едва мы вместе с Рахманиновым и Камерным хором Московской консерватории под управлением Александра Соловьёва убедились в том, что всем нам «Здесь хорошо», зазубоскалили «Прибаутки» Стравинского (играл камерный оркестр im Spiegel, пел Илья Татаков, дирижировал Федор Безносиков). Но мало того, Даниил Коган и Энджел Вонг подарили нам «Танго в сумасшедшем доме» Шнитке, а затем Артем Ванян и Вера Галактионова сыграли хулиганскую пьеску-перформанс Шрайнера «Всё меньше и меньше». Ну чем не тест на самоиронию у критиков? Напоминание, что нет ничего губительней для нас, чем вящая серьезность и чванливый снобизм.

Folk songs Лучано Берио в исполнении Варвары Гансгорье и музыкантов im Spiegel с Федором Безносиковым, действительно, как «в зеркале» показали нам лучшие минуты, когда можно быть просто слушателями и забыть о ремесле. Появление в программе дуэта для скрипки и фортепиано «В подражание Альбенису» Щедрина – дань памяти Родиону Константиновичу. Ее почтили Даниил Коган и Энджел Вонг. Они же и творческое объединение «Притяжение» возвратили празднично-волнующие чувства и участили пульс с помощью «Фейерверка» Дебюсси и «180 ударов в минуту» Видмана.

Весь этот стильный звуковой дизайн не отвлекал от содержания церемонии. А смысл ее был в том, что, как и сами критические тексты могут быть продуктивными или бесплодными, так и премия могла примкнуть к одной из этих категорий. Но пошла по счастливому пути, потому что взялась за решение важных задач.

Прежде всего, она помогла увидеть лица нашего профессионального цеха и осознать, что мы – свои люди. Но не в том смысле, какой можно придать слову «свои», чтобы раскритиковать критиков. Свои потому, что делаем общее дело. Сформулировать его – цель Ассоциации и премии. Мы совершенно разные, иногда принципиально не схожи в эстетических позициях. Кто-то слушает время и даже готов опережать его, и работает так же быстро. Другой чувствует себя полномочным представителем традиции, старой школы и пишет обстоятельно (вот если бы премию вручали за нарушения дедлайна, у автора этой статьи не было бы конкурентов).

Необходимо было заявить о содружестве СМИ. С одной стороны, они становятся центром притяжения (еще одна символическая параллель с концертом и командой Даниила Когана), направляют усилия авторов, а с другой – выражают идею принципиальной сочетаемости форматов. Все тревоги относительно вымирания профессиональной критики под напором интернета и новых технологий, к счастью, опровергаются законами культуры, где новый слой не может уничтожить уже сложившихся. Поэтому и важно поддерживать всех: печатные издания, их интернет-версии, классические тексты массовой коммуникации (радио и телевидение) и современные формы высказывания (блоги, влоги, подкасты).

Этот широкий диапазон подсказал жюри поистине соломоново решение. Были отмечены две монографии. Их авторы – уважаемые исследователи из Государственного института искусствознания Левон Акопян и Александр Наумов. Телевидение представила Ирина Никитина и блестящая программа «Энигма» (по большому счету – маленькие документальные фильмы со своим стилем бесед и решений видеоряда). От радио – сериал Ольги Сироты к 340-летию со дня рождения И.С. Баха на «Орфее». Работа Елизаветы Згирской из Томска – цикл видео о коллекции пластинок композитора Эдисона Денисова – вызывает интерес хотя бы самой встречей виниловой и цифровой эпох, не говоря о том, что это талантливо. Королева критических жанров – рецензия принесла успех Анне Коломоец, Татьяне Ефимовой и Глебу Чучалину, тексты которых любопытны поиском стилистических средств современного языка, уже знакомого с общением в соцсетях, но бегущего от их банальности. Автор лучшего интервью – мой коллега в номинации «Интересно о премьере» Сергей Буланов, умеющий ориентироваться в актуальных событиях так же, как сохранять наследие вокального исполнительства. Называю не всех лауреатов и призеров. Новая премия очень представительна, как ей и положено быть.

То, что благодаря Ассоциации мы узнаем друг друга, важно еще по одной причине. Задача любого критического текста (по Аристотелю – эпидейктической речи) состоит не только в том, чтобы похвалить или поругать. Главное – раскрыть предмет в его сути. Премия, как хороший текст, помогла обнаружить неповторимость финалистов. Одним необходимо признание их достижений на определенном этапе. Другим – новое сотрудничество, издание книги (как для Юлии Чечиковой), самым молодым – профессиональные стажировки. Что касается специального приза «Музыковед-резидент» от Союза композиторов России, который представила его генеральный директор Карина Абрамян, то это и вовсе одна из самых замечательных идей.

«Резидент» означает «житель», и новая «прописка» в Тульской областной филармонии мне весьма по душе. Там понимают важность оркестровой и дирижерской культуры, ценят преемственность поколений. И потому наше сотрудничество может оказаться полезным, что учтены обе предпосылки: заниматься своим делом и находиться на своем месте. То же у Глеба Чучалина, нового резидента Челябинской филармонии с ее прогрессивной «Курчатов Лаб», и Александра Лаврухина, который из родного Петербурга поедет в Нижегородский театр оперы и балета имени А.С. Пушкина. Творческое содружество музыковедов с организациями по принципу комфортной среды – прекрасная мысль.

В ходе церемонии прозвучал тезис: музыкальная критика – это дело молодых. Могу поспорить. Критика как призвание требует таких знаний, эрудиции и опыта, наконец, литературного мастерства, что неизбежно превращается в профессию второй половины жизни. Правда, тут же вспоминаю слова Пришвина: «Ведь каждый раз, когда мне удается хорошо написать, читатели говорят: “Молодец!” И я молодею». В таком смысле все мы – лауреаты, призеры и номинанты из шорт-листа, в котором немало достойных работ, – молоды. Всего-то и требуется от нас – хорошо писать.

Алексей Парин: В Перми есть установка на уникальное, радикальное, альтернативное, из ряда вон выходящее

С момента рождения коллектив, основанный по инициативе профессора, ректора МГК А.С. Соколова выдающимся музыкантом, профессором Б.Г. Тевлиным, совершил крутое восхождение. Теперь Камерный хор – не только признанный бренд Московской консерватории, но коллектив, которому доверяют представлять статусные государственные события, исполнять мировые премьеры на престижных сценах. Камерный хор принимал участие в проектах Большого театра, Новой оперы, выступал в программах таких выдающихся дирижеров и музыкантов прошлого и современности как Геннадий Рождественский, Валерий Гергиев, Теодор Курентзис, Михаил Плетнев, Владимир Юровский, Александр Сладковский и многие другие, удивлял своим искусством слушателей знаковых фестивалей не только в России, но и во многих уголках мира: в Китае, США, Японии и странах Европы.

С 2012 года коллективом руководит заслуженный деятель искусств России, профессор Александр Соловьёв. С его приходом еще четче был прочерчен курс на универсализм и мобильность молодых певцов. Камерный хор Московской консерватории можно назвать «хором быстрого реагирования» – он способен подготовить музыку любой сложности качественно и стилистически убедительно в самые невероятные сроки, если таковы задачи концертных будней. Деятельность коллектива поражает масштабом – количество концертов в год достигает полусотни и более, что сопоставимо с госзаданием любого профессионального хора. В дискографии Камерного хора отражены главные творческие устремления: шедевры классики, современная музыка, патриотическая и духовная тематика, кроссовер. Такие записи, выпущенные на лейблах «Мелодия» и Moscow Conservatory Records, как «Антология современной хоровой музыки композиторов России», «Лики Щедрина», «Дорогами Высоцкого», «Антология сочинений Альфреда Шнитке для хора или с его участием», стали раритетами.

«Артистический состав хора в связи с его студенческой спецификой постоянно меняется, но перфектная “гладиаторская хватка” и нацеленность на взаимодействие с современными авторами, близкими по духу и ощущающими нерв времени, всегда неизменны»», – подчеркивает маэстро Александр Соловьёв. За эти годы сложился круг постоянных авторов, но важно, что дирижер и коллектив открыты к сотрудничеству с молодыми авторами, с представителями регионов России, хор внедряет новинки зарубежного репертуара, осуществляя просветительскую миссию. Неудивительно, что композиторы специально создают партитуры и посвящают их коллективу и его руководителю.

15 сентября поздравить хор и его руководителя выйдут на сцену Е. Мечетина и С. Жилин (фортепиано), А. Бутурлина (джазовый вокал), Е. Кривицкая (орган), Е. Мочалова (домра), В. Степанов (виолончель), М. Челмакина (сопрано), А. Попов (тенор), композитор С. Екимов и другие.
Во второй части гала Александр Соловьёв объединит за дирижерским пультом Симфонический оркестр Министерства обороны РФ, Камерный хор МГК и Тульский государственный хор, который маэстро Соловьёв возглавляет уже десять лет. Музыканты исполнят впечатляющее по эмоциональному накалу сочинение Гии Канчели «Dixi». Выбор продуман и символичен: в российской премьере созвучного легендарного опуса «Styx» Канчели на рубеже веков Камерный хор принял участие по приглашению Юрия Башмета.

Александр Соловьёв – хоровой и симфонический дирижер, музыкально-общественный деятель, педагог, лауреат Премий Министерства обороны РФ и Правительства Москвы. Ранее ему было присвоено звание «Заслуженный артист Абхазии».

C 2012 года по настоящее время – художественный руководитель и главный дирижер Камерного хора Московской консерватории.

С 2013 года дирижирует специальными проектами на сценах Государственного академического Большого театра России.

С 2016 года – художественный руководитель Тульского государственного хора. За успешную работу удостоен Благодарности и Почетной грамоты Губернатора Тульской области А.Г. Дюмина.

С ноября 2020 года – исполняющий обязанности ректора, председатель Ученого совета Академии хорового искусства имени В.С. Попова; член совета по развитию художественного образования Минкультуры РФ.

Ведет активную просветительскую и общественную деятельность, возглавляя Ассоциацию народных и хоровых коллективов Гильдии академического исполнительства Российского музыкального союза и Фонд развития творческих инициатив; является членом президиума Международного союза музыкальных деятелей, Московского музыкального общества, членом Совета Союза композиторов России, Союза журналистов Москвы, Союза театральных деятелей РФ.

Александр Соловьёв: Певцы Камерного хора – это гладиаторы хорового искусства

«Присвоить почетное звание „Заслуженный деятель искусства Российской Федерации“ Богомолову Константину Юрьевичу – художественному руководителю государственного бюджетного учреждения культуры города Москвы „Московский драматический театр на Малой Бронной“», – говорится в документе. В тексте указа сказано, что этой чести режиссер удостоен «за вклад в развитие отечественной культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность».

«Я очень рад, для меня это большая честь и большая ответственность, что под этим решением стоит подпись президента. И я очень надеюсь, что не подведу и в дальнейшем буду прикладывать все силы, для того чтобы дело, которым я занимаюсь, процветало», – прокомментировал Богомолов ТАСС.

С этой же формулировкой орденом «За заслуги в культуре и искусстве» награжден Вячеслав Манучаров – артист театра «Русская песня», телеведущий, известный по интернет-шоу «Эмпатия Манучи».

Константин Богомолов – российский театральный режиссер, сценарист. В 2018 году он дебютировал в музыкальном театре с постановкой «Триумф Времени и Бесчувствия» на музыку Генделя и либретто Владимира Сорокина. Спектакль был показан на сцене Музыкального театра имени К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко в Москве. В 2021 году в Пермском оперном театре Богомолов выпустил спектакль «Кармен» – с каноническими оперными фрагментами, но перенеся действие в Одессу. Еще одна работа режиссера – «Летучий голландец» Вагнера, вновь в смелой трактовке. Это совместная постановка московской «Новой Оперы» и Пермской оперы. Вместо проклятого Голландца, обреченного на странствия и поиск верной возлюбленной, предстал сбежавший маньяк, который убивает неверных ему женщин.

Константин Богомолов: люблю приходить на тупиковую территорию

ЕК Алексей Александрович, когда вы получили назначение в Петрозаводск, вам было только 35 лет. Вы один из самых молодых среди ректоров музыкальных вузов. Не страшно было брать на себя ответственность?

АК Мое назначение было для меня неожиданным. Сейчас, оглядываясь назад, я бы, наверное, не согласился, потому что опыта и знаний для руководства вузом было не то чтобы мало – их практически не было. Тогда меня окрылила поддержка старших коллег, которые уверили, что помогут справиться с вызовами и проблемами на посту руководителя. Было непросто, потому что в консерватории у меня не было ни одного знакомого человека, пришлось по крупицам создавать команду единомышленников, которая была бы готова решать со мной вопросы руководства и развития Петрозаводской консерватории.

Сделать за эти годы удалось, как мне кажется, немало: Петрозаводская консерватория стала звучать на многих концертных сценах и площадках научного направления.

У нас проводится большое количество статусных конкурсов. Но главное – мы возродили Международный конкурс имени Глазунова. Это масштабное состязание, проходящее раз в два года. В 2024 году конкурс собрал более полутора тысяч участников.

ЕК Он идет по всем специальностям – и инструментальным, и вокальным, и дирижерским?

АК Да, и в состязании принимают участие хоровые коллективы и оркестры, причем всех возрастов. В итоге консерватория в 2024 году не просто попала в орбиту внимания, а вышла на первые позиции рейтингов среди музыкальных вузов.

Мы прекрасно понимаем, что являемся самым северным вузом, и в первую очередь наши абитуриенты к нам поступают из ближайших регионов. Но я стремился расширить географию, и на данный момент у нас учатся студенты, приехавшие со всех уголков России – от Сахалина до Калининграда.

В России всего десять консерваторий. Это колоссальная победа и радость, что одна из них открыта в Республике Карелия.

ЕК А есть ли китайские студенты?

АК Конечно, у нас сейчас обучается порядка 200 китайцев, и их количество за последние годы тоже выросло. Когда я пришел в консерваторию в 2018 году, иностранные абитуриенты поступали исключительно из двух провинций Китая. Это в первую очередь наши главные партнеры – Шанхайский педагогический университет, где они заканчивают бакалавриат и к нам поступают в магистратуру, и Даляньский государственный университет. А сегодня к нам едут студенты из всех провинций Китая. В этом я вижу большую заслугу наших педагогов. Работает так называемая челночная дипломатия – выпускники возвращаются обратно в Китай и рассказывают, что в Петрозаводске есть замечательная консерватория, есть прекрасные преподаватели. И вот уже студенты из новых городов приезжают к нам учиться.

ЕК С первых дней руководства вы стали активно утверждать бренд консерватории, делая акцент на имени Александра Глазунова.

АК Когда я приехал в Петрозаводск, был удивлен тем, что творчество этого замечательного русского композитора никак не пропагандируется. В 2020 году, когда праздновалось 155-летие со дня его рождения, я предложил ежегодно отмечать День Глазунова. Учитывая, что 10 августа, когда он родился, все находятся в отпусках и на каникулах, мы выбрали другую дату. 22 октября 2003 года консерватории было присвоено имя Александра Глазунова. И вот на протяжении уже пяти лет мы чествуем нашего классика в этот день: симфонический оркестр, другие коллективы, солисты играют музыку Глазунова. Четыре года подряд мы проводим конкурс «Глазуновский диктант», который охватывает практически всю Россию.

ЕК В этом году Глазунову исполняется 160 лет. Как вы отметите этот юбилей?

АК В октябре консерваторский оркестр выступит на Симфоническом форуме в Свердловской филармонии. Это знаковое событие, куда съезжаются не только коллективы, но и руководители концертных организаций всей страны.

ЕК Я помню прошлый фестиваль в Екатеринбурге, когда обсуждалась тема включения студенческих оркестров наравне с профессиональными. Почетно, что именно ваш оркестр первый получил приглашение.

АК Для нас это большая честь, и мы говорили с организаторами о желании привезти программу «Глазунов и его время» в год юбилея композитора. В нее войдут Четвертая симфония Глазунова и сочинения его старших современников – Анатолия Лядова и Александра Бородина.

ЕК В сфере ваших дирижерских интересов всегда было хоровое искусство. В Карелии есть профессиональные хоровые коллективы? Удалось ли сделать что-то в этом направлении?

АК В 2020 году, в период пандемии, был образован первый профессиональный хоровой коллектив в Карелии. Это мужской хор, им руководит энтузиаст своего дела, доцент нашей консерватории Алексей Умнов. Буквально с первых дней существования этот хор принимает активное участие в жизни консерватории.

ЕК В регионах довольно часто творческие институции живут своей обособленной жизнью. Была ли задача подружиться с карельскими коллегами в музыкальном театре, филармонии?

АК Вы правы, консерватория, как мне представлялось, находилась немного в стороне от культурной жизни Карелии. Может быть, это связано с юридическим моментом: наш вуз является федеральным учреждением и подчиняется Министерству культуры Российской Федерации, а все концертно-театральные организации Петрозаводска и Карелии находятся в ведомстве Министерства культуры Республики Карелия. Буквально через неделю после приезда в Петрозаводск у меня состоялось знакомство с директорами Карельской филармонии, Музыкального театра и музея-заповедника «Кижи», с руководителями музыкальных школ, Петрозаводского музыкального колледжа имени К.Э. Раутио и Карельского колледжа искусств.

И за эти годы сделано очень много для того, чтобы мы вместе занимались развитием музыкальной жизни и в целом культуры республики. Безусловно, консерватория – ключевой элемент, мы поставляем кадры в оркестр, театры, учебные заведения. Я часто повторяю, что в России всего десять консерваторий. Это колоссальная победа и радость, что одна из них открыта в Республике Карелия.

ЕК Расскажите о совместных акциях.

АК Если говорить о первой ступени образования – музыкальных школах, то это фестиваль «Together – Вместе», который с 2020 года объединяет вокруг консерватории музыкальные школы. Важно, чтобы юные музыканты не просто имели представление о существовании консерватории, а знали, где она находится, выступали в ее залах. Мы каждый год совершенно бесплатно предоставляем наш Большой концертный зал для отчетных концертов музыкальных школ, тем самым поддерживая начальное профессиональное музыкальное образование.

С нашей замечательной филармонией мы проводим совместные фестивали. Два года назад отмечали юбилей Рахманинова. Это был недельный марафон музыки композитора на концертных площадках филармонии и консерватории, где звучали все его фортепианные концерты и симфонии.

Наши студенты участвуют в так называемых вокальных мастерских – их ежегодно проводит Музыкальный театр Республики Карелия. В декабре прошедшего года в Петрозаводск приезжал знаменитый баритон Сергей Лейферкус, и в консерватории состоялась творческая встреча с ним и мастер-классы. Что касается музея-заповедника «Кижи», то мы очень плотно сотрудничаем в организации выставок музея и взаимодействуем в процессе подготовки кадров – этномузыкологов. А в Музее изобразительных искусств есть своя концертная площадка, где каждую неделю выступают наши студенты.

ЕК Студенческий оркестр с вами выступает не только в Петрозаводске, но вы, кажется, выезжали в Москву и в Петербург.

АК Наши первые гастроли состоялись по приглашению моего коллеги и друга – ректора Санкт-Петербургской консерватории Алексея Николаевича Васильева. В 2022 году он пригласил наш коллектив на фестиваль «Международная неделя консерваторий», посвященный юбилею Санкт-Петербургской консерватории. И оркестр Петрозаводской консерватории дал концерт в Капелле Санкт-Петербурга. Опять же звучала музыка Александра Глазунова, и совместно с Камерным хором Московской консерватории под управлением Александра Соловьева и хором Санкт-Петербургской консерватории под управлением Сергея Екимова были исполнены «Половецкие пляски» Бородина. Через год, в мае 2023 года, по приглашению ректора Московской консерватории Александра Сергеевича Соколова наш оркестр приехал на Декаду выпускников творческих вузов. Это стало историческим событием – впервые наши ребята вышли на легендарную сцену Большого зала Московской консерватории. Мы исполняли огромную программу в двух отделениях, имели честь аккомпанировать лучшим выпускникам российских консерваторий – из Донецка, Саратова, Владивостока, фактически всех крупных городов России. Затем по приглашению Псковской филармонии наш оркестр принял участие в юбилейном Фестивале русской музыки, посвященном юбилеям Римского-Корсакова и Мусорского.

Алексей Васильев: Необходимо движение вперед

Будущий октябрь у нас будет насыщенным: помимо поездки в Свердловскую филармонию, 20 октября мы снова выступим в Большом зале Московской консерватории. По приглашению ректора РАМ имени Гнесиных Александра Рыжинского примем участие в интересном проекте, посвященном музыке Танеева и презентации новой редакции его кантаты «Иоанн Дамаскин», где кроме хора и оркестра звучит орган.

ЕК Многие из перечисленных вами событий организованы по инициативе ректоров разных вузов. И мне кажется, что в последние десять лет сложилось такое уникальное ректорское сообщество, когда вузы себя не противопоставляют и не пытаются доказать первенство. А общаются на правах творческой дружбы.

АК На следующий год после моего прихода в Петрозаводскую консерваторию должность ректора РАМ имени Гнесиных получил Александр Сергеевич Рыжинский. В своей деятельности он стал объединять вокруг себя руководителей музыкальных вузов нашей страны. И то, что сейчас между многими ректорами существует не только деловое или творческое общение, но и большая настоящая человеческая дружба, во многом его заслуга.

Александр Рыжинский: Елена Фабиановна Гнесина – титаническая личность

Также я не могу не отметить уникального человека, о котором уже говорил, – Алексея Николаевича Васильева, виолончелиста, дирижера, руководителя нашей старейшей консерватории. Он всегда тепло принимает нас в Санкт-Петербурге, находит время, чтобы приехать и выступить с нашим оркестром. Благодаря теплому общению с ректором Нижегородской консерватории Юрием Ефимовичем Гуревичем воплощаются в жизнь многие творческие и научные проекты. Я мог бы перечислять и дальше, но это заняло бы много времени и места. Возможно, общность наших интересов связана с тем, что почти все ректоры – действующие дирижеры, среди которых я назову еще Александра Занорина, ректора Саратовской консерватории, и Александра Соловьева, ректора Академии хорового искусства. Мы стараемся друг друга поддерживать и помогать, если это необходимо.

ЕК Петрозаводская консерватория всегда славилась своими контактами со скандинавскими странами. Какова ситуация сейчас?

АК До границы с Финляндией буквально 300 километров, и поэтому с музыкальными вузами Финляндии, Норвегии, Швеции было реализовано много совместных проектов. Через Скандинавию мы выезжали и в другие страны Европы, в том числе в Испанию и Италию. В настоящее время эти проекты заморожены, и консерватория сейчас развернулась в сторону музыкальных вузов СНГ. Мы – первый вуз, который в прошлом году организовал обмен студентами с Казахской национальной консерваторией имени Курмангазы. Вначале к нам приезжали студенты из Казахстана, а зимой наши обучающиеся уехали на полгода в Алматы. В прошлом году мы подписали меморандум о сотрудничестве с Национальной консерваторией Узбекистана. Сейчас намечен обмен студентами между Петрозаводском и Ташкентом, и в перспективе хотелось бы развивать международное сотрудничество и с другими консерваториями, которые находятся на территории бывшего Советского Союза.

Безусловно, мы не стоим на месте, активно развивая и концертную деятельность: сотрудничаем с выдающимися музыкантами, которые сейчас представляют цвет исполнительской школы нашей страны. Но в прошлом году мы запустили необычный абонемент «НеСовсемКонцерты для юношества» – они проходят для студентов СПО немузыкальных профилей и школьников старших классов, которые никогда не были в консерватории и не имеют представления о музыкальных инструментах. Идея оказалась успешной: на эти мероприятия собирается полный зал.

ЕК А находится ли время для современной музыки?

АК В декабре мы подготовили премьеру Виолончельного концерта Кузьмы Бодрова, где солировал Василий Степанов. Играем музыку карельских авторов, причем не только современных, но и ушедших, поддерживая память о них.

ЕК Консерватория – это не только образовательное учреждение, но и научное.

АК Скажу, что научные школы Петрозаводской консерватории известны не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами. Безусловно, одним из столпов является выдающийся ученый XX века Юзеф Гейманович Кон. Традиции, которые он когда-то заложил в нашей консерватории, продолжают развивать следующие поколения музыковедов.

В настоящий момент среди ярких ученых и педагогов хочется назвать доктора искусствоведения Екатерину Окуневу, заведующего кафедрой теории музыки и композиции доцента, кандидата искусствоведения Ирину Копосову, заведующего кафедрой истории музыки доктора искусствоведения, профессора Веру Нилову. Профессор, кандидат искусствоведения Любовь Купец активно взаимодействует с новым направлением, условно назову его популярным музыковедением, находящимся на стыке с музыкальной журналистикой.

Под руководством проректора по научной и творческой работе Татьяны Красковской в консерватории регулярно проводятся научные конференции, наши педагоги и студенты участвуют в проектах РАМ имени Гнесиных и других вузов, в международных симпозиумах иных организаций. Здесь мы тоже не стоим на месте. А если говорить о долгосрочных целях в научном направлении, то нам нужен свой диссертационный совет – это моя мечта.

ЕК Наша беседа выйдет, когда в День республики Карелия глава Артур Парфенчиков вручит вам почетное звание «Заслуженный деятель искусств Республики Карелия».

АК Я воспринимаю эту награду как признание того, что Петрозаводская консерватория движется в правильном направлении.

ЕК Вы родились и начали свою деятельность как музыкант в Омске, потом учились в Москве, теперь живете в Петрозаводске. Как вы себя ощущаете в этом регионе?

АК Мне нравится Карелия. У нас уникальная природа. Когда я уехал в Петрозаводск, моему старшему сыну было два года, а младшему – полгода. Можно сказать, что свою сознательную жизнь они проводят в Карелии. Два года назад у меня в Петрозаводске родились дочки-двойняшки. Я иногда шучу, что мотивирую своих коллег исполнять указ президента об исправлении демографической ситуации. Но если серьезно, то вся моя семья воспринимает Карелию и Петрозаводск как свою малую родину.

Открывали концерт Четыре хора на стихи Александра Твардовского Родиона Щедрина – сочинение, в котором военная тема подается без чрезмерного пафоса, сдержанно, с благородной суровостью. Интерпретация Камерного хора удивляла богатством и тонкостью нюансов, не вносившей, однако, в музыку ненужной пестроты. Схожая детализация тембровых красок отличала и импрессионистские «Три хора на стихи Артюра Рембо» композитора-фронтовика Андрея Эшпая: здесь героическая тема преломлялась через цепочку образов-символов поэтического и музыкального текста; «Воспоминания» на стихи самого композитора продолжили эту линию.

Главным событием концерта в БЗК стала премьера масштабного хорового полотна Артема Ананьева «Путь к Победе», посвященного Камерному хору МГК и лично маэстро Александру Соловьёву. Сам композитор определил жанр своей работы как «хоровой спектакль», литературную основу которого составляют стихи Александра Твардовского. Пять частей сочинения – это пять военных лет, наполненных калейдоскопом образов: и отдых красноармейцев на привале, и гибель командира-героя, и тревога ночного наступления на гениальные строки «Переправы» из «Василия Теркина». Именно последний номер прозвучал особенно впечатляюще – Артему Ананьеву удалось эффектно воплотить тревожную ритмику этого знаменитого стихотворения. Помимо превосходной работы хора, особо следует отметить и выступление в качестве чтеца актера кино Александра Дуденкова, который смог найти для поэзии Твардовского убедительную интонацию – искреннюю, теплую, но при этом очень мужественную и возвышенную без надрыва. В целом грандиозная работа композитора обнаруживает в себе скрытые параллели с циклами церковных пассионов – «Путь к победе» пролегает через страдание и смерть, но в конце – торжество жизни и вечности, апофеоз абсолютного света.

По контрасту с дневным концертом в Большом зале, состоявшиеся в Малом вечерние «Два часа перед салютом» были посвящены песенному жанру, без которого немыслимы любые музыкальные воспоминания о Великой Отечественной. Программа включала в себя любимые поколениями песни Тухманова, Богословского, Соловьева-Седого и многих других советских композиторов. Сюрпризом здесь стала оригинальная подача известных хитов. К примеру, песни Дунаевского и Хренникова, посвященные столице, были исполнены звучным баритоном Максимом Шабановым под органный аккомпанемент Евгении Кривицкой, и строгий, величественный тембр инструмента раскрыл знакомые мелодии в неожиданном ракурсе.

Другим полюсом стало выступление джазовой «концертной бригады»: Дмитрий Власенко (ударные), Григорий Зайцев (контрабас), Олег Стариков (фортепиано) и обаятельная Анна Бутурлина (сопрано) заставили вспомнить о джаз-оркестре Утесова, который с первых же дней войны поднимал боевой дух и в окопах, и в тылу. Такие шлягеры, как, например, «Темная ночь» Богословского, прозвучали в непривычной блюзовой обработке как напоминание о мирном времени, тех самых длинных летних днях перед катастрофой…

Особый ракурс вечеру придало участие в нем тенора Франсуа Модеме – француза по рождению, выбравшего Россию и сражавшегося за нее не только на музыкальном, но и на военном (в самом прямом смысле) фронте. Ведущий концерта Петр Татарицкий особо подчеркнул, что медали на груди певца – подлинные (заслуженные им в боях на Донбассе), как и у солдат Великой Отечественной: еще одно удивительное сближение двух эпох. Особенно тонко исполнил русский француз в дуэте со своей супругой, звонкой сопрано Марией Модеме трогательных «Соловьев» Соловьева-Седого.

В завершение вечера на сцене появился Камерный хор Московской консерватории под управлением Александра Соловьёва, и вновь (как и в Большом зале днем) зазвучала музыка Андрея Эшпая – сюита его песен в обработке Юрия Потеенко, которую лихо саккомпанировала на рояле Ксения Башмет. Состоялась и другая премьера сочинения Артема Ананьева, но теперь уже не масштабного хорового спектакля, а камерного и тонкого «Вальса Победы» на слова Твардовского для хора и органа. Завершались оба концерта, впрочем, именно так, как и должны были, – легендарным «Днем Победы». Зал, не сговариваясь, встал с первыми аккордами песни и с энтузиазмом участвовал в исполнении вместе с хором и всеми солистами – прославленное сочинение Давида Тухманова звучало как неформальный гимн нашей страны.

День Победы – праздник, объединяющий в себе контрастные нарративы: счастье преодоления зла соседствует со скорбью о погибших, радость от встречи с вернувшимися с войны живет в нас вместе с воспоминаниями о тех, кто не дожил. Самое главное, однако, что эта дата объединяет всех нас, столь разных в свои вкусах, убеждениях, привычках. Столь же великой силой соединения душ и сердец обладает и музыка. Именно поэтому два концерта стали в День Победы для гостей консерватории особым опытом – и очень личным, и одновременно всеобщим ощущением принадлежности к нации победителей, чей подвиг, «смертию смерть поправ», останется в веках вместе с великой музыкой, этим подвигом порожденной.

Фестиваль «Дню Победы посвящается…» был инициирован в Московской консерватории дирижером, профессором Александром Соловьёвым совместно с Фондом развития творческих инициатив именно с такой целью: через искусство вести разговор с теми, кто знает о Великой Отечественной войне только по рассказам.

Программа фестиваля – калейдоскоп музыкальных и театральных событий: постановка оперы Кирилла Молчанова «Зори здесь тихие», концерты-спектакли «Месса мира», «Письма маршалов Победы» и «Родина слышит», мировая премьера хорового спектакля Артёма Ананьева «Путь к Победе». И не только жанры искусства объединились на фестивале, но и разные поколения их создателей: на концертах звучали произведения тех, кто творил во время войны, тех, кто помнит это время с детства, тех, кто сегодня пытается осмыслить доставшееся наследие.

Замысел преемственности был отражен в вечере-открытии в Большом зале Московской консерватории: его столпами стали произведения Кузьмы Бодрова и Андрея Эшпая. В качестве эпиграфа к концерту прозвучало хоровое произведение Родиона Щедрина «К вам, павшие» на стихи Александра Твардовского. Под управлением Александра Соловьёва его исполнил сводный фестивальный хор, объединивший Камерный хор Московской консерватории, хоры студентов АХИ имени В.С.Попова, ГМПИ имени М.М.Ипполитова-Иванова, Академического музыкального училища при Московской консерватории, Государственную капеллу Москвы имени В.Судакова и гостей из Петербурга – Камерный женский хор «Римский-Корсаков». Около двухсот голосов, достигая исключительной точности и слаженности, создавали музыкальное обращение к тем героям, чьими руками была добыта победа, и приглашение разделить, пусть мысленно, этот праздник со всеми присутствующими. Послушав исполнение в трансляции Телевидения Московской консерватории, Щедрин поставил ему высший балл: «Хор звучал безумно красиво, просто пробирало до нутра. Исполнение блестящее».

Последний аккорд хора был передан дирижером оркестру – так символично связались два композиторских поколения.

«Реквием» Кузьмы Бодрова – монументальное сочинение, созданное в 2021 году, в год 80-летия начала Великой Отечественной войны. 22 июня, в День памяти и скорби, ровно в 4 часа оно было исполнено на парящем мосту парка «Зарядье», с того момента став одним из самых пронзительных произведений о войне, созданных современным композитором.

Широта замысла реализовалась масштабными творческими силами: к сводному фестивальному хору присоединился Симфонический оркестр Министерства обороны. Эти музыкальные батальоны возглавил Александр Соловьёв, добившись впечатляющей трактовки партитуры Бодрова.

В основе «Реквиема» – грандиозные поэтические строки Роберта Рождественского. Десять стихотворений поэта-шестидесятника, который видел войну ребенком, стали очень точным выражением разных чувств и настроений, которые сопровождают людей в преддверии Дня Победы. Художественное слово было предоставлено актеру Николаю Чиндяйкину, который произнес его спокойно, но вместе с тем пронзительно, переключаясь между проникновенностью, героикой, радостью и скорбью.

Композитор трепетно относится к авторскому тексту: он не перекладывает его на музыку, а дает возможность звучать самостоятельно. Многие строки Рождественского произносятся без оркестрового сопровождения – такие моменты особенно сильно пронзают слушателей.

Музыка органично дополняет и поддерживает поэтический текст. Есть в «Реквиеме» самостоятельные симфонические разделы – например, вступление, звучащее очень монументально и образно. С самого начала оно предвещает беду, которую хочется отсрочить, отодвинуть, однако очевидно, что избежать столкновения не получится.

Композитор показывает время, которому посвящено произведение, как время контрастов: добро и зло, война и мир, жизнь и смерть. В части «Именем солнца» – обращении к победителям, которое может зачитать каждый из ныне живущих, – звучит панихида с колоколами. Ее подхватывают самые пронзительные строки: «Слушайте! Это мы говорим. Мертвые». И становится понятно: День Победы – это не праздник радости, а момент острой боли, скорби и желания «чтобы такого больше не повторилось никогда».

Схожую мысль транслировал в течение своей жизни и композитор Андрей Эшпай. Когда началась война, юноше было шестнадцать, но он четко поставил для себя цель попасть на фронт: три года он учился в Оренбургском пулеметном училище и проходил школу военных переводчиков, а в 1944-м попал в действующую армию. Во время службы Эшпай стал свидетелем ожесточенных боев за Берлин, на Висле и в Померании, унесших жизнь многих его сослуживцев. Выполнив долг перед Родиной, Эшпай вернулся в мирную жизнь и продолжил учиться музыке, но до конца жизни оставался верен фронтовой дружбе. Чем больше лет проходило с Дня Победы, тем ярче осознавалось пережитое. В 1987 году композитор написал Пятую Симфонию, назвав ее «Военная».

Музыка симфонии – документальная панорама военного времени, созданная участником событий. Мирный образ, изображенный в музыке с помощью интонаций народной песенности, оказывается в тисках зла: скрежете машин, звуках выстрелов, лязга орудий.

За дирижерский пульт встал начальник Симфонического оркестра Министерства обороны полковник Сергей Дурыгин. Точными, собранными движениями он, словно отдавая приказы, руководил движением музыки. И симфония получилась действительно военной.

Воспоминания об участии в походе на Берлин Эшпай вложил и в сочинения других жанров. Он автор одной из самых известных песен о времени войны – про Сережку с Малой Бронной и Витьку с Моховой. Лежат они «в полях за Вислой сонной» – тех самых, которые прошел сам Андрей Эшпай. Уже в амплуа певца ее исполнил Николай Чиндяйкин в сопровождении оркестра.

Для композиторов День Победы – праздник торжества жизни, величия подвига и жертвенности, «праздник со слезами на глазах». И символично, что открытие фестиваля завершилось знаменитой песней Давида Тухманова на слова Владимира Харитонова: солист на сцене, сводный хор по всему периметру зала «сломали» барьер и объединили музыкантов и публику в едином порыве.

«Мы давно дружим с Фондом памяти полководцев Победы, и эта программа родилась из личных свидетельств детей легендарных военачальников – какие песни поддерживали их родителей в годы Великой Отечественной войны», – рассказал Александр Соловьёв, ректор Академии хорового искусства имени В.С. Попова, художественный руководитель фестиваля «Дню Победы посвящается…», в афишу которого вошла эта программа.

Редкие сведения предоставила давний друг фестиваля Наталья Малиновская, дочь маршала Родиона Малиновского. Ее образ на сцене зрители увидели в воплощении актрисы Татьяны Солнцевой, которая вместе с Петром Татарицким прочла строки писем и воспоминаний маршалов и их близких. Пронзительный рассказ о великих битвах дополнил видеоряд, созданный Максимом Мальковым по архивным документам и фотографиям.

На сцену Башмет-центра вышли учащиеся Хорового училища имени А. Свешникова Дарий Гусейнов, Савелий Родин, Радмир Басыров, студенты Академии хорового искусства Эльнара Караханова, Илья Смелков, а также студенты Московской консерватории Мария Модеме и Франсуа Модеме – французский офицер, выбравший своей новой родиной Россию и сделавший сейчас своим оружием искусство. Каждый из них исполнял номер в своем образе, актерски выразительно проживая судьбу героев песен: юных героев партизанского движения, матери, ждущей возвращения сына, бравого комдива, вспоминающего «смуглянку-молдаванку» или солдата, грудью вставшего на защиту Отчизны. Специальным гостем программы стал обладатель Гран-при конкурса «Камер-Тон» 10-летний Габриэль Винер. Аккомпанировали солистам Тамара Еприкян, Ирина Филиппова, Мамед Гусейнов,

Драматургически сильный сценарий, яркий репертуар, точный режиссерский выбор амплуа для каждого артиста предопределили сильнейшее эмоциональное переживание и зрительский успех. «Сейчас проходит множество концертов, посвященных Дню Победы. Однако многие из них похожи друг на друга и кажутся формальными, как будто их проводят только для галочки, – поделился впечатлением один из слушателей. – “Письма маршалов Победы” стал исключением. Он был проведен с изысканным вкусом и на высоком уровне. Некоторые зрители не могли сдержать слёз во время концерта и выходили из зала, чтобы успокоиться».

Среди публики присутствовал дочь маршала Василия Козакова, Тамара  Козакова, заместитель директора Академического музыкального училища при Московской консерватории, которая отметила талантливость постановки и важность вовлечения молодых музыкантов в патриотические проекты.

По словам ректора консерватории Гаухар Тасберегеновой, «это грандиозное событие не только в жизни нашего ВУЗа, но и во всех сферах музыкальной культуры современного Казахстана. Мы впервые на столь высоком уровне объединяем представителей разных регионов и стран в пространстве хорового искусства. Фестиваль стал результатом кропотливой работы и горячего стремления сохранить и развить национальные традиции в тесном диалоге с мировым музыкальным наследием».

В течение трех дней проходили прослушивания хоров и вокальных ансамблей (каждый из которых представил программу из трех произведений на казахском, русском и английском языке), мастер-классы, круглый стол с руководителями, флешмоб всех участников, концерты известных творческих коллективов. «Миссия форума – сохранять и развивать национальные традиции в тесном диалоге с мировым музыкальным наследием. Фестиваль ставит перед собой задачу стать новой платформой международного культурного обмена, вместе с тем отражая дух Великой степи – открытый, щедрый, наполненный уважением к искусству и человеку, – подчеркнул почетный гость фестиваля, ректор Академии хорового искусства имени В.С. Попова, руководитель Тульского Госхора и Камерного хора Московской консерватории, профессор Александр Соловьёв. – Отдельно отметил бы высокопрофессиональные и яркие выступления Молодежного хора “Алатау” Алматинского музыкального училища имени Чайковского (руководитель – Зиада Накибаева), Камерного хора филармонии Актобе (руководитель Мербол Куспанов) и Камерного хора Alakoz под управлением Турума Алагузова».

Александр Соловьёв презентовал на круглом столе сборники «Репертуар хормейстера XXI века», «Поет Камерный хор Московской консерватории», «Родион Щедрин. Век двадцать первый», провел мастер-класс, репетицию и выступил с концертной программой с Хором студентов Казахской консерватории (руководитель – Ян Рудковский) на заключительном Гала-концерте. А сам фестиваль стал важным шагом к созданию новой платформы для международного культурного обмена.

В хоровом классе Бориса Тевлина, а теперь и у его преемника, Александра Соловьёва всегда учились дирижеры из Китая. Получив фундаментальное образование, они возвращались на родину и там развивали традиции русского хорового дела. Так что сейчас, в русле активизации сотрудничества двух стран, под эгидой Года культуры России и Китая, этот концерт привлек особое внимание. Концерт посетили сотрудники посольства КНР в Москве, представители СМИ, в том числе журналисты Китайского информационного агентства Синьхуа.

Концерт был организован Центром исполнительских искусств и современной музыки «Тон», а его руководитель, актер, режиссер Петр Татарицкий выступил ведущим программы, став еще одним проводником в мир песен и культурных обычаев России и Китая.

Пожалуй, прояснили концепцию лишь слова Владимира Мединского, зачитавшего приветствие президента, и от себя заметившего: «Восемнадцать лет – пик молодости, когда играет кровь, когда возможности безграничны». Наверное, именно бездонную широту репертуара и разные краски стилевой палитры утверждала эта программа. «Фестиваль окреп, он не стареет, потому что молодые оркестры, солисты», – считает Юрий Башмет.

Большим событием стал приезд Симфонического оркестра Мариинского театра с Валерием Гергиевым – билеты на этот концерт было не достать. Худрук двух главных оперных домов страны не разменивался на мелочи: заявил две романтические симфонии – Вторую Брамса и Пятую Чайковского, которую дирижировал наизусть и задел все чувства и душевные струны – это стало большим высказыванием мастера, знающего все о Чайковском.

Активная жизнь шла на параллельных площадках – в Органном зале и в зале «Чайка» на Морвокзале, в том самом месте, где герои «Бриллиантовой руки» садились на теплоход «Михаил Светлов». Теперь же Камерный хор Московской консерватории спел большую программу из сочинений современных композиторов. Концерт стал итогом четырехдневной работы Департамента хорового дирижирования, которым руководил ректор Академии хорового искусства, худрук Камерного хора МГК Александр Соловьёв.

И здесь приведем цифры: шестнадцать участников из двенадцати российских городов и двух казахских, пять профессоров, 29 произведений отечественных авторов XX–XXI веков. От классиков – Родиона Щедрина, Георгия Свиридова, Александра Чайковского до востребованных авторов наших дней – Ефрема Подгайца, Кузьмы Бодрова, Вячеслава Зуева, Сергея Екимова (он сам дирижировал свои сочинения, будучи одним из кураторов Департамента).

«Соединение высокого профессионализма и невероятной человечности, – так сформулировал свои впечатления от работы с хором ректор РАМ имени Гнесиных Александр Рыжинский. – Ребята три часа репетировали, затем спели почти такой же длительности концерт, но никакой усталости, равнодушия – глаза их горели, они увлекались сами, и это передавалось нам, дирижерам, и публике». Также в концерте приняли участие профессор Нижегородской консерватории Иван Стольников, руководитель Государственной филармонии и Камерного хора в Астане Гульмира Куттыбадамова, руководитель Капеллы Абхазии Нодар Чанба.

Резюме вывел композитор Александр Чайковский, внимательно прослушавший весь концерт: «Зашел на начало, послушать свои сочинения, и не смог уйти – так здорово это было. Я вижу, что выросла новая плеяда талантливых молодых дирижеров, что у нас хоровое дело – на подъеме. Это меня очень радует».

«Первые два раза конференция проходила в Туле, теперь мы встречаемся в Москве, на современной площадке в обновленном офлайн-онлайн формате, с ведением прямой трансляции и включением концертной части», – подчеркнул в своем вступительном слове Александр Соловьёв, руководитель Ассоциации, ректор Академии хорового искусства имени В.С. Попова и худрук Камерного хора Московской консерватории. Он же поблагодарил Российский музыкальный союз за неизменную поддержку этой важной акции.

Прозвучала и премьера сочинения «Радуйся, преподобне Леонтие» Петра Корягина, инициатора конкурса молодых композиторов «Партитура», где есть и хоровая номинация. В своем выступлении Петр Корягин выдвинул актуальное предложение – активнее использовать инструмент «резидентства» композиторов в хоровых коллективах. Напомним, что проект «Композиторские резиденции» Союза композиторов России стартовал в 2024 году при поддержке Минкультуры России. Он был создан для развития и популяризации творчества современных российских композиторов и расширения репертуара оркестров. Теперь Ассоциация планирует обратиться с запросом масштабировать резиденции и на хоровые коллективы.

В работе конференции приняли участие дирижеры-руководители хоров, представители различных учебных заведений (от школ до вузов) из Балашихи, Белгорода, Казани, Калининграда, Калуги, Магнитогорска, Москвы, Нижнего Новгорода, Новосибирска, Петрозаводска, Рязани, Санкт-Петербурга, Саратова, Тулы. Дистанционно смотрели заседание участники из Владивостока, Екатеринбурга, Кемерово, Красноярска, Ростова-на-Дону, Таганрога, Улан-Удэ, Хабаровска, Южно-Сахалинска.

В выступлениях были представлены разнообразные проекты – конкурсы, фестивали, знаковые концертные события. Тему инклюзии затронул ректор Петрозаводской консерватории Алексей Кубышкин, рассказав и показав во время онлайн-включения фрагменты проекта хорового пения на жестовом языке для глухонемых.

Профессора Новосибирской консерватории, завкафедрой Александр Париман и руководитель хора консерватории Елена Рудзей обрисовали ситуацию в Сибирском регионе, рассказали об эффективности абонементной системы, о развитии движения любительских и детских хоров. В то же время было высказано беспокойство о недостаточном количестве училищ для мальчиков-певцов, о необходимости увеличивать число профессиональных коллективов – в Сибири их всего восемь. Проректор по концертной работе Саратовской консерватории Алексей Кошелев рассказал о праздновании 90-летия Альфреда Шнитке на его малой родине, а хормейстер Муниципального камерного хора «Нижний Новгород» Анна Тинибекова поделилась новостями с Волги – о хоровых соборах и расширении международных контактов, чему способствовал только что завершившийся II Международный конкурс молодых хоровых дирижеров.

Как всегда, весомо и концептуально выступил ректор РАМ имени Гнесиных Александр Рыжинский, предложив создать перспективный календарь событий, чтобы члены Ассоциации могли бы заранее планировать участие – как свое, так и всех потенциально заинтересованных лиц. Также он внес предложение систематизировать вышедшие за последние пять лет нотные сборники, книги и исследования в области хорового искусства – составить рекомендованные списки, чтобы внедрять в учебную практику новую литературу и современные опусы. Продолжая эту мысль, декан Санкт-Петербургской консерватории Сергей Екимов представил новые нотные выпуски петербургского издательства «Композитор».

Евгения Кривицкая, руководитель Ассоциации музыкальных журналистов, критиков и музыковедов, как модератор конференции предложила подумать о более систематическом пиаре и освещении деятельности хоровых коллективов: «Создание персонального сайта и ведение страниц в социальных сетях позволило бы усилить влияние Ассоциации народных и хоровых коллективов на федеральном и даже мировом пространстве». О том, как важно постоянно доказывать свою жизнеспособность, свою миссию, сказал в своей реплике Сергей Бондаренко, начальник Управления по сопровождению международных проектов Департамента внешнеэкономических и международных связей города Москвы.

Руководитель Госхора Республики Татарстан Миляуша Таминдарова посвятила свой доклад вопросам привлечения публики на хоровые концерты: по ее мнению, сейчас слушатель ищет интерактива, избегает назидательности и прямолинейности. «Артисты должны дарить радость и позитивные эмоции», – подчеркнула Таминдарова. И также посоветовала молодежным коллективам: «Составляйте себе финансовое задание, чтобы иметь мотивацию для формирования вокруг хора своей аудитории». Об утрате популярности у широкой публики хорового искусства и о способах привлечения новой аудитории рассуждала сотрудница «Росконцерта» Дарья Еремина. А продюсер Ирина Брыкова акцентировала внимание на необходимости продвижения коллективов в социальных сетях, о построении персонального бренда и создании успешного онлайн-портфолио.

Евгения Синиченкова, руководитель Детского хора «Радость», представила Калининград. Этот регион впервые делегировал своего представителя, которая обозначила триггерные точки: отсутствие в Калининграде профессионального хорового коллектива, потребность в вузе, где могли бы формироваться артистические и педагогические кадры. В свете этого Евгения Синиченкова публично обратилась к представителям российских вузов с предложением рассмотреть возможность размещения на территории Калининградской области филиала хоровой кафедры, «так как заново открывать крайне непросто, практически невозможно, или поддержать инициативу создания хоровой школы, и создания на ее базе образовательного учреждения с полным циклом».

«Конференция Ассоциации РМС прошла очень плодотворно, – подвел итог Александр Соловьёв. – Многие идеи попробуем воплотить в жизнь. Я также считаю, что мы должны чаще участвовать в грантовых проектах ПФКИ, “Росмолодежи”, должны громче заявлять о себе в медиапространстве и выдвигать представителей хорового цеха на почетные звания и государственные премии».

В концертной части конференции приняли участие группа хора «Юность» Ансамбля песни и пляски имени В.С. Локтева под управлением Анны Аверьяненко, Народный хор кафедры хорового и сольного народного пения РАМ имени Гнесиных, представивший сюиту красочных песенно-танцевальных номеров. О важности коллаборации академических музыкантов и народников сказала Марина Медведева, заведующая кафедрой хорового и сольного народного пения РАМ имени Гнесиных.

Подвел черту и поставил яркий восклицательный знак Хор Академического музыкального училища при Московской консерватории. Это известное учебное заведение отмечает 90-летие отдела хорового дирижирования, чьими воспитанниками и педагогами были многие известные деятели в этой сфере. Молодой дирижер Тарас Ясенков взялся оживить, поставить на современные рельсы творческую часть работы студенческого хора, что и было с блеском продемонстрировано в финале конференции.

«Ассоциация народных и хоровых коллективов, ведомая профессором Александром Соловьёвым, существует шесть лет, – подчеркнул генеральный директор Российского музыкального союза Александр Клевицкий, – и очевидно, что организация стала реальной созидательной и практической платформой по взаимодействию хормейстерского сообщества, обмену опытом и налаживанию горизонтальных связей, в итоге приводящих к синергетически результативному эффекту».

Также в этот вечер на сцену Большого зала Московской консерватории, alma mater Виктора Попова, выйдут воспитанники Хорового училища имени Свешникова и Академии хорового искусства имени В. Попова, а также хоровые коллективы Академии со своими руководителями – Алексеем Петровым, Денисом Храмовым, Александром Цимбаловым, Кириллом Кадыковым. В программе принимают участие Симфонический оркестр Госкапеллы России, за пульт которого в этот вечер встанет главный дирижер Ростовского музыкального театра Михаил Грановский, оперные солисты Полина Шамаева и Николай Диденко, органистка Евгения Кривицкая. Ведущий концерт – Петр Татарицкий.

В программе – музыка, которую часто исполнял сам Виктор Попов: в первом отделении духовные сочинения Бортнянского, Кастальского, Рахманинова, Никольского, во втором – грандиозная «Патетическая оратория» Свиридова. Слова Маяковского, использованные в этой партитуре – «светить всегда, светить везде», – можно с полным правом отнести к творчеству Виктора Попова, внесшего неоценимый вклад в  развитие певческой культуры России.

Для награждения лауреатов Малый зал Московской консерватории преобразился: привычно зеленые стены теперь светятся фиолетовым и лишь портал сцены мерцает красными полосами. Зрелище как завораживающее, так и ужасающее. Даже кто-то из зрителей торопливо обронил своей соседке: «Ничего еще не началось, а я уже боюсь». Не стоит, беспокойный слушатель, ведь сегодня будут лучшие из лучших во всех трех номинациях конкурса.

И первая из них – сочинения для одного или двух инструментов. Лучшей иллюстрацией характера произведений этой категории будет, пожалуй, пьеса лауреата первой степени композитора Александра Перова Copper bell. Эдгар Алан По в своей поэме «Колокола» описывал самые различные из них, но закономерно, в ней не было ни слова о перезвонах родных русских медных. Гитарист Алексей Чичилин и пианистка Кристина Янова исступленно дергали струны своих инструментов – сначала по одной, потом по несколько, –чтобы в средней части залиться праздничным перезвоном. Все еще хаотичные, но уже разудалые звуки «колоколов» раздавались своим малотерцовым эхом по всему залу.

Противоположностью стала композиция «7» Тимура Исмагилова. Гномы? Радуга? Что описывает это число? Гармония, словно списанная с произведений Дебюсси, переливающаяся фортепианная фактура рисуют чуть ли не маринистский пейзаж. Подобно рахманиновскому «Морю и чайкам», лодка композитора мерно и неторопливо плывет по волнам. Может, к Александрийскому маяку, а может, к Колоссу Родосскому, но заканчивает свое плавание в свете большого мажорного септаккорда. И может, это и не было всеми чудесами света, но точно одним из семи.

Последним произведением номинации было «К» Анны Поспеловой – взбалмошный и даже забавный диалог басовой флейты Марии Корякиной и скрипки Глеба Хохлова. Куски фраз крошились камнями и кубарем катились по подмосткам. Казалось, исполнителям катастрофически не хватало коммуникации. Но все не так, просто им достаточно лишь крикнуть друг другу «К» – и композиция продолжит крутиться и кувыркаться как прежде, яркими мазками раскрашивая эту картину.

Но не инструментами едиными. Олег Гудачёв и его сочинение «Сегодня мы были так прекрасны» открыло номинацию для голоса или хора. Можно было бы сравнить эту пьесу с треком Try This лейбла Monstercat или саундтреком к фильму «Джокер» авторства Хильдур Гуднадоуттир. Произведение за счет электроники создает ощущение полицейской погони, и трио голосов только добавляет саспенса и напряжения, перекликаясь между собой и оставляя за собой след звоном в ушах.

Но от преследования реального мы перемещаемся к обычным догонялкам. «Считалочки» Петра Иванова в исполнении Камерного хора Московской консерватории получились буквально театральным представлением: солисты хора выходили на авансцену отыгрывая персонажей детских прибауток, остальные певцы и кричали, и гнусавили, а дирижер Тарас Ясенков давал указания буквально на пальцах. И даже после окончания задорной игры на сцене она продолжилась в зале: взрослые на счет «три» кричали «браво», а дети продолжали перебирать считалочки.

Пройдя через опасность и игру, мы внезапно оказываемся в зоне святости. Победитель номинации Артем Ананьев в его «Интермедии и вокализе» создал буквально хорал. А сочетание спокойного пения хора под управлением худрука Александра Соловьёва и виртуозной игры домры Екатерины Мочаловой добавляло звучанию фактуры и глубины, оттеняя тембры и гармонии витражным светом. И чем выше становилась тесситура, тем больше телефонов в зале взмывало вверх, стараясь запечатлеть эту искру божественности на видео.

Последняя номинация Avanti – сочинение для камерного ансамбля – это про изобретательность и эксперименты. Пожалуй, именно в этом жанре оказались самые удивившие и необычные по концепции и звучанию произведения. Взять, например «Серость. Магнетизм. Цветение» Анны Ромашковой, забравшей первое место в этой категории. Название словно намекает на программность, но это уловка. Это не синопсис скрытого сюжета, а лишь перечисление методов, список инструментов в дирижерской партитуре. За серость отвечал рояль. Ульяна Ловчикова обрушивалась на клавиатуру то пустыми созвучиями, то грузными кластерами. Безжизненными. Мрачными. Монотонными. К этому однородному металлическому звуку магнитилась скрипка. Поскольку притягиваются противоположности, Алиса Гражевская звучала в контрфазу, иногда разряжаясь наэлектризованным пассажем. И лишь флейта добавляла жизни этим созвучиям. Алена Таран то «додувала» легким звуком ноты коллег по сцене, то независимо расцветала своей элегантной мелодией.

Но что если не ориентироваться на тембры инструментов, а принудить их вывернуть себя наизнанку, как это сделала Лилия Исхакова? «Отражение» сознательно переворачивает техники игры: зачем нажимать на клапаны бас-флейты, если можно в нее просто дуть; зачем играть на гитаре где-то, кроме как за верхним порожком; зачем водить смычком по виолончели поперек струн, если можно вдоль (а что зазвучит – приглушить бумажкой)? А рамку этому зеркалу сделали легкие ударные и MIDI-клавиатура. Да и произведение отражает само себя, сначала равномерно развиваясь в звуке, но после половины постепенно сворачиваясь обратно в ничто.

Но нельзя вечно смотреть на себя в бликах воды – на улице дождь, простудиться можно! A short love text message read in the rain Ольги Раевой уже звучало в этом месяце на четвертом концерте фестиваля «Пять вечеров». Однако есть между этими двумя сообщениями колоссальная разница в характере. Если «Вечерняя» версия пьесы была более резкой и страстной, то в этот вечер любовное письмо вышло робко и трепетно, завершая концерт очень нежной нотой.

Нужно немало решимости, чтобы поучаствовать в подобном конкурсе, чтобы воспользоваться этим лифтом. Но, как показывает Avanti, авантюристов среди композиторов становится больше, да и, как поделился один из членов жюри Юрий Каспаров, качество работ тоже возросло: «Приятно видеть, что все направления современной академической музыки представлены в России, и представлены они на очень высоком уровне!»

Идея создания просветительского проекта «Возрождение русской оперной классики», поддержанная ректором Александром Соколовым, родилась в период подготовки к празднованию 150-летия Московской консерватории. С того времени в залах консерватории обретают новую сценическую жизнь уникальные образцы русского оперного искусства XVIII–XX веков.

Автором идеи и художественным руководителем проекта является заведующая кафедрой истории русской музыки, декан Научно-композиторского факультета МГК имени П.И. Чайковского Ирина Скворцова. Начиная с 2016 года слушателям были представлены шесть оперных шедевров. Седьмой постановкой проекта стали опусы Глинки «Князь Холмский» и «Прощание с Петербургом». В своем вступительном слове Скворцова, в частности, отметила, что музыку Глинки к трагедии Кукольника «Князь Холмский» Чайковский назвал «симфоническим чудом».

В своих «Записках» главными впечатлениями детства Глинка называет русские песни и крепостной оркестр дяди, который он «любил более всего». В детские годы Глинка играл в этом оркестре на флейте и скрипке, а став старше – дирижировал. Таким образом, Глинка рано познал оркестр изнутри, великолепно знал выразительные и технические возможности инструментов оркестра. Известно, что он активно изучал принципы оркестровки итальянских, французских, немецких композиторов. Вместе с тем его всегда увлекало фольклорное наследие (причем не только русский фольклор), и стремление передать колорит народной музыки через звучание симфонического оркестра стало одним из главных принципов создания композитором симфонических партитур. Музыка Глинки к трагедии «Князь Холмский» Кукольника воспринимается как предвосхищение будущих завоеваний русской симфонической школы.

Начиная с середины 1830-х годов петербургская квартира братьев Кукольников в Фонарном переулке становится местом многолюдных собраний литераторов, журналистов, художников, музыкантов, композиторов, актеров. Постоянным завсегдатаем этих собраний становится и Глинка. Кукольник не только страстно любил музыку Глинки, но и сам был очень музыкален, хорошо играл на гитаре, импровизировал на фортепиано. Наряду с музыкой к трагедии «Князь Холмский», результатами творческого содружества Глинки и Кукольника стал цикл романсов «Прощание с Петербургом», включивший в себя такие шедевры, как «Жаворонок», «Попутная песня», «Уснули голубые…», «Колыбельная песня». На стихи Кукольника, кроме цикла «Прощание с Петербургом», Глинка сочинил также знаменитый романс «Сомнение» («Уймитесь, волнения страсти!»). Нестор Васильевич стал и одним из соавторов либретто опер «Руслан и Людмила» и «Иван Сусанин», куда добавил знаменитую сцену Вани.

Музыка Глинки к драме Кукольника «Князь Холмский» состоит из восьми номеров: увертюры; антракта ко второму действию, в котором звучат два вокальных номера – «Еврейская песня Рахили» и «Песня Ильиничны» («Ходит ветер у ворот»); антракта к третьему действию и «Сна Рахили»; антрактов к четвертому и пятому действиям.

Исполнение симфонических опусов Глинки предъявляет к оркестру и дирижеру высокие требования, с которыми Камерный оркестр Московской консерватории, руководимый Феликсом Коробовым, справился великолепно. Масштабная симфоническая форма предстала в интерпретации этого дирижера удивительно цельной. Маэстро Коробов наполняет течение музыкальной ткани тонкими метроритмическими и динамическими нюансами во всех оркестровых голосах. Ему в равной степени удались и проникновенная кантилена лирических тем, и эпический размах, и героическая бравурность, позволившие слушателям почувствовать дух исторического времени укрепления Великого княжества Московского. Важно, что Коробов умеет добиваться в звучании оркестра высокой культуры ансамблевой игры в сочетании с яркой эмоциональностью и виртуозной отработкой деталей, а также максимальной пластичности, «певучести» оркестрового саунда.

Во втором действии звучат два вокальных номера – «Еврейская песня Рахили» (солистка – Наталья Петрожицкая) и «Песня Ильиничны» (солистка – Наталья Зимина). Пение Натальи Петрожицкой заворожило слушателей не только красотой тембра и даром перевоплощения, но и «сердцем, способным постигать» (Стендаль). Каждая вокальная фраза, казалось, вырывавшаяся из самого сердца певицы, придала созданному ею сценическому образу особый, глубоко трогающий эмоциональный колорит. В строгости и внутренней сдержанности пения Натальи Зиминой, в ее умении владеть красками голоса с помощью самых лаконичных средств вместе с тем ощущалась абсолютная доверительность «берущей за душу» интонации. Звучание оркестра и солистов дополнили тщательно подобранные мультимедийные иллюстрации – важные элементы сценической постановки, которые помогли погрузиться в атмосферу эпохи княжения Ивана III Великого.

Наряду с музыкой к трагедии Кукольника «Князь Холмский» летом 1840 года Глинка написал на его стихи двенадцать романсов, позднее объединенных в сборник под названием «Прощание с Петербургом». Это единственный вокальный цикл в творчестве Глинки. Название цикла связано с его созданием накануне запланированного отъезда композитора за границу.

Подобно западноевропейским аналогам того времени, вокальным циклам Шуберта и Шумана, в «Прощании с Петербургом» прослеживается лирический сюжет. Цикл включает двенадцать разнохарактерных номеров: «Кто она и где она…», «Еврейская песня», «Болеро» («О, дева чудная моя»), «Каватина» («Давно ли роскошно ты розой цвела»), «Колыбельная» («Спи, мой ангел, почивай»), «Попутная песня», «Фантазия» («Стой, мой верный, бурный конь»), «Баркарола» («Уснули голубые…»), Virtus antiqua («Старинная доблесть»), «Жаворонок», «К Молли», «Прощальная песня».

В цикле «Прощание с Петербургом» звучание Камерного оркестра Московской консерватории под управлением маэстро Феликса Коробова отличали динамизм интерпретации, продуманная фразировка и гармоничное сочетание симфонических и драматических элементов сценического действия, позволившее так же ярко проявить себя солисту – студенту Московской консерватории Давиду Саникидзе, запомнившемуся своим обаянием, великолепным голосом нежного мелодичного тембра и артистизмом.

Украшением концертно-сценической постановки глинкинских шедевров стало участие в них Камерного хора Московской консерватории, руководимого профессором Александром Соловьёвым. Известный во многих странах мира, Камерный хор в полной мере соответствует всем высшим критериям оценки мастерства. Его исполнительский стиль характеризуют особая пластика хорового звуковедения, четкая артикуляция, фонетическая ясность каждого произносимого слова, каждого интонируемого звука и доверительно-искреннее общение со слушателями, проявляющееся в особой «сонастроенности» человеческих сердец, одухотворенной энергией хора как «оркестра человеческих голосов».

Создать оркестровую версию вокального цикла Глинки «Прощание с Петербургом» – очень непростая задача, с которой композитор Кузьма Бодров справился мастерски, развив все заложенные в первоисточнике глубокие смысловые линии через многоголосное звучание инструментов оркестра и хора.

Идея просветительства всегда была и остается одной из ведущих в отечественной музыкальной культуре. Благодаря энтузиастам-просветителям кафедры русской музыки Московской консерватории во главе с профессором Ириной Скворцовой слушатели имеют возможность познакомиться с редко звучащими, а порой и вовсе забытыми музыкальными шедеврами.

О возможных причинах этого и о личном отношении к Альфреду Шнитке мы спросили современных композиторов, исполнителей и педагогов, задав им два вопроса:

1. Как видится ценность идей Шнитке в год его девяностолетия?
2. Почему из каталога его сочинений исполняется только незначительная часть?

Мария Аникеева, композитор

1. И как композитор, и как мыслитель Альфред Шнитке – не просто выдающаяся фигура своего времени, но и один из «фундаментов», на котором «строится» самовоспитание молодого – моего в том числе – поколения академических музыкантов. Все мы, в той или иной степени, вобрали в себя его идеи. Полистилистика, соноризм, глубокое философское мышление, музыковедческие труды Шнитке – все его наследие является тем, без чего невозможно представить себе ландшафт современной академической музыки.

2. Мне кажется, исполнение лишь незначительной части его опусов, повторение их в программах связано с общей композиторской проблемой: несколько сочинений, условно «несложных для восприятия», становятся «мейнстримом» и далее играются «по накатанной». Другие сочинения требуют от слушателя серьезной внутренней работы. Они рассчитаны не только на подготовленную публику, но и на принципиально иной тип музыкантов, готовых предельно включаться в сложный и трудоемкий процесс.

Екатерина Антоненко, художественный руководитель Хора имени Свешникова, худрук и дирижер вокального ансамбля INTRADA

1. Идеи Шнитке вечны. Что касается хоровой музыки, то композитор обращается к этому жанру в конце жизни, и каждое его произведение для хора а капелла – это разговор с Богом на глубине.

2. Если говорить о хоровых сочинениях, то чаще всего звучат Три духовных хора и Концерт для хора на стихи Нарекаци. В нашей стране действительно редко звучат «Стихи покаянные» – последнее сочинение Шнитке для хорового состава. В Европе это сочинение, несмотря на сложность словесного текста (Шнитке обратился к древнерусской поэзии), исполнялось всеми ведущими хоровыми коллективами. Мне посчастливилось дважды ассистировать при исполнении этого сочинения немецкими хорами RIAS-Kammerchor и Dresdner Kammerchor. В сентябре этого года вокальный ансамбль INTRADA исполнил «Стихи покаянные» в Англиканском соборе Святого Андрея по приглашению Союза композиторов России. Соприкосновение с этой музыкой было большим счастьем для нашего коллектива. Причины нечастого звучания этого и других сочинений Шнитке – в их сложности. «Стихи покаянные» – одно из самых сложных сочинений, которые нам доводилось когда-либо исполнять.

Федор Безносиков, скрипач, дирижер Российского национального оркестра и МАМТ имени К.С. Станиславского и Вл.И. Немировича-Данченко

1. Музыка Альфреда Шнитке сопровождает меня с самого детства. Разные периоды моей жизни связаны с разными гранями творчества Альфреда Гарриевича. Вначале я познакомился с его киномузыкой, засматриваясь в детстве фильмом «Сказка странствий», очаровываясь музыкой, которая там звучала. Позже был период знакомства с его хоровой музыкой. Доводилось исполнять как скрипачу и квартеты. Сейчас же мое внимание сфокусировано главным образом на симфониях: мне кажется, что самые важные мысли и чувства композитор всегда высказывает именно в рамках этого жанра. Касательно идей: думаю, что главная идея каждого большого художника – поиск правды, как на земном уровне, так и в вечности. Эта идея не может устареть никогда. Шнитке, безусловно, один из таких больших художников.

2. Насчет сочинений Шнитке в современной концертной практике: думаю, здесь должны сойтись воедино три направления – инициатива исполнителя, предлагающего репертуар, ответное согласие от концертных организаций и, конечно, интерес публики к прослушиванию не самых простых для восприятия сочинений, зачастую очень мрачных. Когда эти три направления сойдутся вместе, тогда все будет возможно.

Лично я уже давно мечтаю исполнить его Восьмую симфонию. Для меня она как встреча с чем-то неизведанным на далекой-далекой планете. Эта музыка невероятно редко исполняется, и это, как мне слышится, подлинный внутренний мир Альфреда Шнитке.

Кузьма Бодров, заведующий кафедрой композиции РАМ имени Гнесиных

1. Для меня Альфред Шнитке – одна из самых ярких фигур в истории советской и российской музыки. В его наследии есть произведения, ставшие знаковыми, открывшими для современников направления, которые на Западе уже существовали. Шнитке стал одним из таких первооткрывателей. На меня он оказал сильнейшее влияние, когда я учился на первых курсах консерватории, вплоть до прямого подражания методу полистилистических столкновений, экзальтации гармоний. Но впоследствии я отошел от этого и сейчас смотрю на музыку Шнитке, перед которой преклонялся, довольно спокойно. Для становления молодого композитора это естественный процесс – в поиске своего языка попадать под влияние таких сильных личностей, как Альфред Шнитке. И подчеркну: без его музыки наш российский ландшафт выглядел бы гораздо беднее. Это выдающийся мастер.

2. С моей точки зрения, его самые репертуарные сочинения как раз те, где есть баланс между экспериментом, смелыми композиторскими приемами и музыкальным содержанием – как правило, у Альфреда Гарриевича речь идет о вечных ценностях, о добре и зле, о жизни и смерти. И там, где эта линия прочерчивается, где сохранен баланс между интеллектуальным и интуитивным, – такие произведения и востребованы артистами и публикой. На мой взгляд, останутся востребованными у исполнителей его Альтовый концерт, Первый и Второй Concerti grossi, Фортепианный квинтет, оба виолончельных концерта…

Ольга Бочихина, композитор

1. Я не возьмусь оценивать идеи Шнитке – ни сейчас, ни впоследствии. Я только позволю себе напомнить одну из его идей, сформулированных в тексте о Четвертой симфонии: «Идея универсальности культуры и ее единства кажется мне очень актуальной именно сейчас, в связи с изменением наших представлений о времени и пространстве». Шнитке и сейчас поражает меня своей особой чуткостью в отношениях с миром – видеть, слышать, писать, думать, переживать одновременно. Не последовательно, не причинно-следственно, не разделенно, а всепроникающе, одновременно. Даже если это выражается последовательно, оно все равно одновременно. Он скажет проще: «Как бы от каждой точки – целый мир». И еще скажет про дерево и про лес, где музыка растет. А теперь и его музыка растет. Сшивать в единство – непростая задачка, породившая известный в музыкальном сообществе мем «с миру по нитке – музыка Шнитке». Сшивать и стягивать там, где все постоянно рвется и бесконечно растягивается, – безумная, непосильная задачка. Непосильная, а потому бесценная.

2. Может быть, исполняются и одни и те же пьесы, но слушать-то можно все! Мне кажется, это важно помнить. Чтобы открыть свой собственный разговор со Шнитке и его музыкой. Исполняются те, что уже открыты; те, что соберут зал; те, которые «вошли» в пальцы и души исполнителей; те, что пробуждают ожидаемое и желаемое – для многолюдного разговора. Но есть и те, что написаны и существуют для очень личного разговора; те, что попадают в десяток «собеседников», а то и в одного. Авторский универсум, если он настоящий, всегда очень сложен и многомерен, он запечатлевает автора и мир в сложных взаимоотношениях: и он не только «для удовольствия» души и ума. Вот это последнее – эффектно и удобоваримо для показа (а может, и назидания), но есть и то, что существует не для показа. Тогда сохраняется шанс встречи наедине.

Равиль Ислямов, скрипач, композитор

1. В современном веке интернета, мгновенного распространения информации, рекламы, новостей кажется, что мир сошел с ума, что мир погрузился в хаос, а человек попал в преломленное пространство. Это как нельзя точнее отражено в музыке Шнитке. Но вместе с тем она призывает не потерять себя в этом компьютеризированном мире, помогает сохранить себя как человека, найти свой путь. В этом я и вижу актуальность музыки этого композитора.

2. Далеко не вся музыка Альфреда Гарриевича одинаково востребована. На мой взгляд, это связано со сложностью ее для исполнителей. Я бы сказал так: чтобы приступить к работе над некоторыми произведениями этого композитора, нужно обладать большой смелостью, не говоря уже об опыте и навыках игры. Я сам взялся за Четвертый скрипичный концерт Шнитке благодаря предложению сыграть на концерте, посвященном его юбилею. Не могу сказать, что в полной мере понимал эту музыку или, по-другому говоря, что эта музыка мне близка. Но как профессионал я должен был углубиться в нее и постараться передать замысел композитора. Очень помогли мои друзья, которые являются фанатами творчества Шнитке. Они предоставили мне огромный материал для подготовки. Естественно, не обошлось и без похода в «Ленинку» – Российскую государственную библиотеку.  Все усугублялось тем, что нельзя было найти ноты в открытом доступе, а отдельных нот партии сольной скрипки вообще не было в природе.

Еще одна причина редкого исполнения ряда сочинений Шнитке в том, что композитор иногда писал музыку для нестандартных оркестровых составов и использовал в своих сочинениях специфичные инструменты, которые есть не у всех музыкальных коллективов. Все эти моменты по-своему влияют на то, что к некоторым произведениям Шнитке исполнители не обращаются.

Станислав Малышев, скрипач, основатель и дирижер OpenSoundOrchestra

1. Подхваченная Шнитке и разнообразно применявшаяся им в творчестве идея синтеза стилей, коллажа, на мой взгляд, представляет ключевую ценность. Она вполне прижилась в музыке для театра и кино, а также в хорошей поп-музыке. Современная академическая музыка опирается все-таки в большей степени на классику.

2. У Альфреда Шнитке, как и у всех композиторов, исполняются главным образом «шлягерные» вещи – те, что понятны и на слуху. Наряду с Губайдулиной, Шнитке был символом постсоветской эпохи, и, с моей точки зрения, огромный интерес к его произведениям был связан в первую очередь с этим. Наверное, должно пройти время, чтобы заинтересованные слушатели смогли переосмыслить его многоуровневое и многостилевое композиторское искусство, не увязывая автора с ушедшей эпохой.

Екатерина Мечетина, пианистка, заслуженная артистка России

1. В моем репертуаре Фортепианный концерт Шнитке уже давно, с 2003 года. Тогда мне эта музыка была максимально интересна – и как слушателю, и как исполнителю. Сейчас интереснее с исполнительской стороны, а относительно слушания могу сказать, что уровень интереса к этой музыке и ощущение ее актуальности снизились. На мой взгляд, эта композиторская ветвь – Шнитке, Денисов, их современники и единомышленники – стала в некотором роде музейным экспонатом. Вряд ли они уже когда-либо займут место в афишах, сравнимое с их старшими коллегами Прокофьевым и Шостаковичем.

2. Парадоксально или нет – трудно сказать, но из Шнитке чаще всего исполняется его прикладная музыка, не «филармонические жанры». Возможно, дело в том, что широкому кругу слушателей все же нужны более традиционные слуховые опоры.

Василий Петренко, руководитель Королевского Лондонского филармонического оркестра

1. Ценность идей Шнитке – в синтезе разных направлений музыки. Неоклассика, политональность, инструменты всех эпох, кросс-жанры – и при этом удивительная стройность и логичность его сочинений. Интровертность и в то же время открытость для всех. Возможно, в чем-то он предвосхитил сегодняшнее время, в котором одиночества среди толпы стало намного больше.

2. К сожалению, не так много исполняется в силу сложностей с поиском и инсталляцией целого ряда редких инструментов, необходимых для его сочинений, и, возможно, с отсутствием мощного движения «моды» именно на Альфреда. Надеюсь, в будущем будет ренессанс, как это произошло не так давно, например, с Вайнбергом или Цемлинским.

Алина Подзорова, композитор

1. Для меня Шнитке стал символом полистилистики, которая открыла в русской музыке окно в постмодернизм. Ценность этой идеи мне представляется непреходящей, так как художественная выразительность ее безгранична, как и творческая фантазия композиторов. Она может реализовываться на разных языковых и смысловых уровнях: от обращения к цитатам, аллюзиям, стилизациям, создания монограмм-символов до построения цельной драматургической линии крупной формы. Так, вдохновение полистилистикой Шнитке отразилось на языковом пласте моей оперы-притчи «Периодическая система», написанной на либретто Аси Чащинской по одноименной книге Примо Леви. Там в музыкальной характеристике руководителя химической лаборатории Освенцима Доктора Л. Мюллера явно прослеживаются вагнерианские истоки, которые были созвучны эпохе Рейха. В то же время остальные драматургические линии оперы решены в других стилистиках.
Но самое главное и ценное для меня в идее полистилистики не сама техника и ее возможности, а то, что сам Шнитке в смешении разных стилей стремился к отражению духовной действительности и интуитивно нащупывал все противоречие этого мира. В книге «Беседы с Альфредом Шнитке» (составитель – А.В. Ивашкин) композитор описывает природу этого явления как постепенный процесс взаимодействия своего прикладного творчества и концептуального, так как ощущал, что стилистическая чистота уже не отражает современную ему действительность. В этом я вижу продолжение исконных традиций русского академического искусства (в искусствоведении их принято обозначать понятием «русский реализм»).

2. В упоминаемой выше книге мы можем прочесть, что сам композитор разделял свое творчество на музыку для широкой публики (представленную в основном в кинематографе) и музыку, которую он писал для себя (авангардного склада). Естественно, последнюю исполняют меньше, но интерес к ней все более и более возрастает.

Виталий Полонский, руководитель хора MusicAeterna

С музыкой Альфреда Гарриевича я впервые столкнулся, когда учился в музыкальном училище. Тогда активно интересовался новой музыкой, скупал все, что выпускала фирма «Мелодия». Приобрел и пластинку с Хоровым концертом на стихи Григора Нарекаци. Черно-белая обложка с изображением отшельника напоминала армянскую икону. По звучанию это было что-то грандиозное. Хором управлял Валерий Полянский, и я тогда почувствовал невероятную глубину этой музыки. Нот Концерта еще не было, только аудиовпечатление.

Это шедевр. Выстраданный, он появился в правильное время. Здесь сошлось многое: интеллект Альфреда Гарриевича, вдохновение, которое было ниспослано свыше, армянская поэзия, переведенная Наумом Гребневым на русский язык. В Концерте нет каких-то проходных моментов, ни одной «пустой» гармонии. Он родствен баховскому письму, когда музыкальная риторика подчиняется тексту.

Следующие встречи с музыкой Шнитке были в Новосибирской консерватории – «Три духовных хора», Реквием. Имя композитора все чаще стало появляться в поле моего зрения: спектакль Новосибирской оперы «Жизнь с идиотом», киноленты, к которым создавал музыку Альфред Гарриевич. Несмотря на довольно скудную информацию о композиторе, я старался изучить все, что было написано о нем на тот момент. Сразу были понятны величина и дар Шнитке.

Если говорить о том, как презентовать его хоровую музыку в храме (а мне кажется уместным ее исполнение в храмовой акустике), то один из лучших вариантов – отказаться от ситуации концерта. Пусть слушатели – все, кто будут воспринимать и проживать вместе с певцами смыслы и идеи музыки Альфреда Гарриевича, – стоят как на службе. Так возникнет ощущение сопричастности, мистериальный акт. Храм благоволит к этому, разумеется. Но и при менее благоприятных акустических условиях музыка Шнитке не сильно пострадает. Хоровая фактура сочинений Альфреда Гарриевича устроена так, что сама обладает эффектом реверберации.

Анна Поспелова, композитор, научный сотрудник Центра электроакустической музыки Московской консерватории

1. Шнитке – кумир многих, очень многих. В годы моей учебы в консерватории каждый второй композитор был фанатом музыки Альфреда Гарриевича, подражал ему, заслушивал его симфонии до дыр, а фрагменты из его Concerti grossi слушались/игрались в любом перерыве между лекциями. Это было, правда, почти двадцать лет назад. Сейчас не знаю, популярен ли Шнитке у юных композиторов. Но кто был фанатом, тот знает, что это навсегда – идеи, как и музыка, проникают под кожу. Огромное поколение музыкантов выросло на идеях Шнитке и впитало их – в этом большая безусловная ценность его музыки.

2. Как это ни прискорбно, но Шнитке, мне кажется, до сих пор считается современным авангардным композитором (хотя он давно уже классик XX века). А исполнение современной музыки сейчас только входит в традицию и в концертную практику (тут мы помолимся). Исполняется, увы, то, что проверено временем. Ведь брать малоизвестное и редко исполняемое сочинение – это большая работа, времени на которую хватает не у всех исполнителей и руководителей коллективов. Поэтому скрестим пальцы и подождем немного – надеюсь, скоро будет исполняться больше музыки и Шнитке, и Денисова, и Каретникова, и Корндорфа, и многих других композиторов, вся музыка которых достойна постоянного концертного репертуара и симфонических оркестров, и камерных ансамблей.

Наталья Прокопенко, композитор, педагог

1. ХХ век, ставший революционным с точки зрения появления множества различных звуковых систем, новых расширенных исполнительских техник, авторских композиторских концепций, остро поставил перед композиторами вопрос об использовании собственного и заимствованного материала в сочинениях. В своем творчестве Альфред Шнитке переводит этот вопрос на метауровень, выводя за рамки привычных понятий «своего» и «чужого», стирая иерархию между «высокими» и «низкими» жанрами. Шнитке подчиняет музыкальный материал сочинения общей уникальной концепции. Явление, когда индивидуальность и талант композитора проявляются не столько в сочинении материала, сколько в его драматургическом выстраивании и концептуальном осмыслении, актуально и по сей день. Современные композиторы, обращаясь к различным синтетическим жанрам или мультимедиа, могут нередко выходить за рамки определенной устоявшейся языковой модели, комбинировать различные системы и материал исходя из уникального замысла.

2. Не все достойные произведения многих выдающихся композиторов исполняются столько, сколько они того заслуживают. Иногда это обусловлено текущей филармонической ситуацией, когда публику легче привлечь известным сочинением, а оркестрантам – быстрее повторить уже игравшиеся партии. С другой стороны, сложность партитур, нестандартный состав, масштаб сочинений требуют большого погружения в материал, дополнительного времени репетиций и задействования различных ресурсов. Возможно, некоторые организаторы считают это риском. Но этот риск в случае с музыкой Шнитке абсолютно оправдан.

Алексей Рубин, главный дирижер Государственного симфонического оркестра Челябинской области

1. Шнитке, прежде всего, музыкальный философ. Он стремился объединить то, что в сознании людей не объединяется: массовую и элитарную культуру, серьезную и развлекательную музыку. Его метод полистилистики позволил ему выстроить диалог между музыкальными стилями и временами – от барокко до поп-музыки. Шнитке остро чувствовал катастрофичность современного мира и одновременно проникался верой в человека и его духовность. В его произведениях катастрофа и просветление могут сосуществовать рядом, как в Симфонии № 3, или соседствовать в сочинениях, написанных почти одновременно, как в Альтовом концерте и Концерте для смешанного хора на стихи Григора Нарекаци.

2. Возможно, именно из-за технической сложности, насыщенности апокалиптическими и инфернальными образами, а также из-за многослойности полистилистики на концертных сценах звучит лишь небольшая часть его творчества. Лично я знаком далеко не со всеми его произведениями. И, конечно, хотелось бы чаще видеть, слышать и исполнять самому музыку Шнитке.

Александр Соловьёв, заслуженный артист Абхазии, профессор, художественный руководитель и главный дирижер Камерного хора Московской консерватории

1. Музыка Альфреда Шнитке имеет удивительную энергетику и магнетическое воздействие как на исполнителей, так и на слушательскую аудиторию. Мне неоднократно приходилось быть исполнителем сочинений Альфреда Гарриевича, от хоровых миниатюр до инструментальных концертов и кантатно-ораториальных опусов; изданы диски Камерного хора Московской консерватории с нашей интерпретацией кантат «История доктора Фауста», «Песен войны и мира», ранних хоровых опусов и ставших хрестоматийными трех духовных хоров и, конечно, Концерта для хора на слова Григора Нарекаци. Благодарен основателю Камерного хора Московской консерватории профессору Борису Тевлина за погружение нескольких поколений студентов-хоровиков в мир образов этого уникального мастера звукописи.

2. Считаю, что круг его опусов достаточно широк в исполнительской практике в отличии от множества его современников, чьи сочинения не пережили даже самих авторов.

Александра Филоненко, композитор

1. Музыка Шнитке, его идеи остаются актуальными (в частности, для меня) благодаря его неповторимому синтаксическому языку. Создав свой полистилистический язык, синтез различных музыкальных стилей, он смоделировал почерк, который ни с кем не спутаешь. Причем пьесы, созданные для кино и театра, ничем не уступают по цельности, творческим находкам музыке в концертных жанрах. При всем том, что материал часто похож или узнаваем, тем не менее в смешении жанров и эпох он нашел интересный синтез – лично я вижу в этом находку, а не прикрытие за «вечным и прекрасным» классическим искусством. Так, когда Шнитке соединяет барочные формы с современными инструментами, я вижу свежесть, настоящее в его музыке. Кстати, развив идеи Шостаковича, Шнитке пошел дальше, и не случайно его музыка для кино стала хитовой. Я выросла на его музыке, и чем старше становлюсь, воспринимаю ее по-новому, в особенности его хоровые опусы или камерную музыку. Самое главное, Шнитке был глубоко верующим человеком – верующим как в Бога, так и в Музыку.

2. Что касается репертуара, то наиболее часто исполняемые произведения, такие как Концерт для фортепиано с оркестром, Concerto grosso, Фортепианный квинтет или другая камерная музыка, стали своего рода визитными карточками композитора. Эти сочинения отражают его художественные искания и эмоциональную насыщенность. С другой стороны, такие важные и определяющие сочинения, как Хоровой концерт, «Доктор Фауст», опера «Жизнь с идиотом» или его поздние симфонии, редко исполняются. Мне бы хотелось чаще слышать эти произведения, как это было в 1980-е и 1990-е годы. Раньше его новые пьесы исполнялись с большой поддержкой и популяризацией Геннадием Рождественским, и каждый раз это было событием. Я думаю, правильно было бы вставлять в концерты не только часто исполняемую музыку, но и другие сочинения, хотя все зависит как от исполнителя, так и от контекста программы. В первую очередь исполнитель должен быть соавтором и стопроцентно убедителен в выборе пьесы и своей игре.

Настасья Хрущева, композитор, профессор Санкт-Петербургской консерватории

1. Главным открытием Шнитке мне кажется шестисекундная пауза после соль-минорного аккорда в начале Второй скрипичной сонаты: пауза-бездна, прорыв в запредельное. В эпоху после смерти Бога, в разгар постмодернизма и тотальной материализации мира нам указывают на разрыв в ткани привычного бытия, разрыв, в который врывается метафизический сквозняк. В начале XXI века такой же разрыв мы наблюдаем сразу за другим соль-минорным трезвучием – аккордом, открывающим алхимическую оперу Фаусто Ромителли «Каталог металлов». Как будто есть что-то особое в самом соль миноре: за ним ощущается трепет иного, его беспокойное присутствие.

2. Самое играемое сочинение Шнитке – «Сюита в старинном стиле» – одновременно оказалось наименее принятым им самим: известно, что после исполнений сюиты композитор никогда не выходил на поклон. Словно вытесняя метамодерн из своего подсознания, композитор «выгрузил» его в эту простую/непростую музыку, от которой сам же отрекся, считая ее не более чем собранием стилизаций. Между тем герметичный в своей простоте материал сюиты не требовал ни кластеров, ни микрохроматики, ни полистилистического обрамления для того, чтобы работать в полную силу. Особенно поражают в нем: кошмар, выплывающий из глубин до мажора в «Пантомиме»; открытие бесконечного потенциала диатонической секвенции; школьно-ученическая старательность «Менуэта», словно имитирующая игру «по слогам», – желание проникнуть вглубь проговариваемого слова (услышать детское как страшное).