Юбилейная программа торжеств в данный момент формируется: запланирован большой гала концерт звезд оперной сцены, образовательная лаборатория «Академия барокко имени Валентины Левко», открытие мемориальной доски на доме, где жила выдающаяся певица, выставки в крупных российских музеях, премьера документального фильма на телеканале «Культура», специальные выпуски передач на федеральных каналах и радиостанциях, а также еще несколько громких событий, которые пока держатся в секрете.

К реализации мероприятий привлечены Большой театр, МАМТ имени Станиславского и Немировича-Данченко, Российский национальный Музей Музыки, Государственный театральный музей имени Бахрушина,«ИТАР-ТАСС», «РОСКОНЦЕРТ», РАМ имени Гнесиных, Комитет по культуре Санкт-Петербурга, Российская академия художеств, «Академия культурных и образовательных инноваций», «Центр вокального искусства Валентины Левко» и другие ведущие творческие организации страны.

В программе – «Катюша» Блантера, «Темная ночь» Богословского, «Журавли» Френкеля, «Синий платочек» Петерсбурского, «День Победы» Тухманова, «Соловьи», «На солнечной поляночке» и «Вечер на рейде» Соловьёва-Седого, романс «Жди меня» из оперы «Зори здесь тихие» Молчанова, а также «Горячий снег» Пахмутовой, «Смуглянка» Новикова, «Ехал я из Берлина» Дунаевского.

В концерте примут участие Алексей Смирнов (бас), Татьяна Конинская (сопрано), Дмитрий Чернов (баритон), Анна Семенюк (меццо-сопрано), Ольга Дейнека-Бостон (меццо-сопрано), Ирина Хрулёва (сопрано), Захар Ковалёв (тенор), Азамат Цалити (баритон), Александр Полковников (баритон), Татьяна Федотова (сопрано).

Дирижеры – Алексей Верещагин (12 мая) и Айрат Кашаев (13 мая).

Фото: Дамир Юсупов

Фестиваль «Гений места» проходит в третий раз. Следующими точками станут Смоленск, где будет исполнена опера Глинки «Жизнь за царя», и Ораниенбаум с гала-концертом оперы и балета на музыку Стравинского. Фестиваль завершится празднованием 120-летия со дня рождения Шостаковича на сцене Мариинского театра.

Мероприятия организованы при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, Минкультуры России и ФГБУК РОСКОНЦЕРТ.

Напомним, в мае музыка Чайковского прозвучит на сценах Большого театра. В афише – пять показов балета «Лебединое озеро» (с 14 по 17 мая, Историческая сцена) и опера «Иоланта» (23 и 24 мая, Новая сцена).

Фото: Наташа Разина (2015) © Мариинский театр

Премьера постановки Андрея Кончаловского в Мариинском театре состоялась 11 марта 2000 года. Это третье обращение театра к опере «Война и мир». В 1977 году она стала одной из первых работ нового главного дирижера Юрия Темирканова. Режиссерскую концепцию разработал тогда Борис Покровский. Дирижером-ассистентом спектакля был 24-летний стажер Валерий Гергиев. Следующая постановка состоялась в год столетия со дня рождения Прокофьева. В 1991 году Гергиев и английский режиссер Грэм Вик впервые представили оперу без купюр в один вечер.

Редакция 2000 года стала одним из самых экспортируемых мариинских спектаклей. Задуманный как копродукция, он шел в Метрополитен-опере и имел счастливую гастрольную судьбу. «Войну и мир» Кончаловского называют одной из самых сложных в художественном и техническом отношении постановок Мариинского театра. Спектакль предполагает участие двух сотен артистов, в его обеспечении задействованы тысяча костюмов и шестьдесят тонн декораций.

В постановочную команду вошли музыкальный руководитель и дирижер Валерий Гергиев, режиссер-постановщик Андрей Кончаловский, режиссер Иркин Габитов, художник-постановщик Георгий Цыпин, художник по костюмам Татьяна Ногинова, художник по свету Джеймс Инглс, главный хормейстер Константин Рылов, балетмейстер Сергей Грицай.

Фото: Наташа Разина / Мариинский театр

В постановочную группу вошли дирижер Алексей Верещагин, режиссер Эдем Ибраимов, художник по костюмам Ольга Ошкало, художник по свету Семен Соловей, художник по видеоконтенту Владимир Пивовар, хормейстер Александр Критский, хореограф Екатерина Миронова. В спектакле примет участие детская группа Камерной сцены имени Б.А. Покровского.

Опера «Великан» появится в афише театра впервые. «Несмотря на детский возраст автора, в этой опере уже отчетливо видны серьезные композиторские амбиции. Тут вам и интродукция, и лейтмотивы, структурная стройность, арии, ансамбли, психологически разнообразные вокальные партии. Можно сказать, что это сочинение стало первым и очень важным опытом создания музыкально-драматического произведения, в котором уже проявились гений композитора, его интерес к гротеску, образным контрастам, а также безудержная тяга к театральности», – рассказал Эдем Ибраимов.

Фото: Дамир Юсупов

«Лебедь» рассказывает историю формирования жанра «балета на плечах» и рождения первой в мире акробатической драмы на сюжет «Лебединого озера» через призму творческого пути артистки Юй Мэн. В спектакле соединяются драматический театр, акробатика, танец и китайский балет на плечах.

Постановка отмечена Национальным фондом искусств Китая, удостоена множества престижных наград, включая премии за исполнение, постановку и сценическое оформление. На российских гастролях в 2024 году «Лебедь» был высоко оценен руководством посольства Китая в России как «исключительный пример инновационного объединения китайского и западного искусства».

Гуанчжоуская акробатическая труппа основана в 1959 году. Коллектив объединяет в своих проектах современный танец, художественную гимнастику, драматический театр и другие виды искусства. За последние несколько лет труппа побывала с выступлениями во многих странах Азии, Африки, Европы, Северной Америки, Латинской Америки и Океании.

Фото: предоставлено пресс-службой Большого театра России

«Мы гордимся тем, что находимся в Москве, в одном из самых динамичных городов мира. Я давно и, как мне кажется, успешно сотрудничаю и с Сергеем Семеновичем, и с его заместителями. И это сотрудничество приносит результаты. Сегодня мы вместе запускаем поезд, посвященный Большому театру, и надеемся, что он станет неожиданным подарком пассажирам московского метро. Мы надеемся ощутимо обогатить культурную жизнь Москвы. Мы наращиваем темпы, наша афиша становится богаче, интереснее. Кульминация празднования 250-летия Большого театра планируется на декабрь. Отметим этот славный юбилей с размахом!» – отметил генеральный директор Большого театра России Валерий Гергиев.

«Поздравляю коллектив Большого театра с 250-летием – значимой датой не только для столицы, но и для всей страны. Наряду с Московским метрополитеном, который уже более девяноста лет служит москвичам и гостям столицы, Большой театр остается одним из главных символов нашего города. К юбилею запустили тематический поезд, который в течение шести месяцев будет курсировать по Кольцевой линии. Уверен, он станет настоящим послом Большого театра в метро и позволит миллионам пассажиров по-новому открыть для себя его богатую историю. Мы реализуем культурные и просветительские проекты в соответствии с задачей Мэра Москвы Сергея Собянина. Приглашаю всех в поездки по столице и в наш новый поезд, посвященный великому театру!» – рассказал заместитель Мэра Москвы по вопросам транспорта и промышленности Максим Ликсутов.

Фото: пресс-служба Департамента транспорта и развития дорожно-транспортной инфраструктуры города Москвы

Фото: Наташа Разина / Мариинский театр

В постановочную группу вошли музыкальный руководитель и дирижер Валерий Гергиев, сценограф Евгений Лысык, художник адаптации Андрей Войтенко, художник по костюмам Надежда Павлова, художник по свету Владимир Лукасевич. Режиссер возобновления спектакля – Марина Мишук (2003).

Фото: Наташа Разина / Мариинский театр

«Мы же не можем без Шекспира, вот “Отелло”. Я ж не могу сказать: “Не-не-не, не будем ‘Отелло’ ставить, потому что происхождение одного из авторов, Шекспира, нас не очень сегодня радует”. Это глупейший путь в никуда», – заявил Валерий Гергиев на встрече с президентом России Владимиром Путиным в Кремле 25 февраля.

Зрители Большого театра впервые увидели «Отелло» в 1891 году. Там же в 1932 году оперу представили дирижер Александр Мелик-Пашаев, режиссер Николай Смолич и художник Петр Соколов, в 1978-м – дирижер Евгений Светланов, режиссер Борис Покровский и художник Валерий Левенталь; последнее представление этой постановки прошло в 1985 году.

После сорокалетнего перерыва «Отелло» возвращают в репертуар театра Валерий Гергиев и Джанкарло Дель Монако. Это их третья совместная работа за последние годы: в 2024-м они готовили «Риголетто» в Большом, в 2025-м – «Аиду» в Мариинском театре. Однако сотрудничество дирижера и режиссера началось три десятилетия назад, причем с постановки «Отелло».

«Когда Валерий Гергиев стал генеральным директором Мариинского театра, я был одним из первых режиссеров, к которым он обратился. Я до сих пор помню тот спектакль и всех артистов, хотя прошло уже почти тридцать лет. Мы вместе работали, много общались и говорили о театре. Мне кажется, не всегда важна пресловутая “совместная работа” как процесс. Главное – верить: то, что вы делаете, исходит из общей идеи. А мы сходимся в принципиальных моментах – в том, как мы видим театр», – рассказал Джанкарло Дель Монако.

Фото: предоставлено пресс-службой Большого театра России

ЕК Алексей, я помню, что вы изначально предлагали для постановки «Мадам Баттерфляй», но Валерий Гергиев сказал: «Пусть будет “Турандот”». Так все и завертелось. Как вы трактуете сюжет о китайской принцессе, отправляющей женихов на смерть?

АФ Для меня эта история – максимально драматичная, кровавая. Я отталкиваюсь в большей степени даже от Шиллера, нежели от Гоцци, по сказке которого делалось либретто. И мне кажется, что Пуччини тоже ориентировался на Шиллера. Что касается постановочной интерпретации, то первая же ремарка в клавире, что это придуманный, несуществующий фантастический город, развязывает мне как режиссеру руки. И на самом деле это здорово, потому что в «Баттерфляй» невозможно ничего, на мой взгляд, надстроить. Там можно играть только с эстетикой спектакля, так как слишком документальны и конкретны указания на место действия, ситуации и так далее. А в «Турандот» можно придумывать все что угодно – да, в определенных рамках, не забывая, что это Историческая сцена главного театра. Но все же я получил определенный простор для фантазий.

ЕК Увидим ли мы Китай на сцене?

АФ Китай будет, но разный. Как подарок зрителю – будет что, наверное, сфотографировать на поклонах: золотой дракон и прочая атрибутика.

ЕК Кстати, накануне премьеры наступит китайский Новый год…

АФ Действительно, любопытное совпадение. Может быть, китайский дракон нам как-то улыбнется.

ЕК Известно, что композитор оперу не дописал – ушел из жизни в момент сочинения третьего акта. Какая будет редакция – авторская, дописанная Франко Альфано или Лучано Берио?

АФ Мы завершим оперу по версии Альфано, и, более того, откроем все купюры, которые обычно делаются: в начале второго акта в сцене с министрами Пингом, Пангом и Понгом и в последнем дуэте Калафа и Турандот.

ЕК Сколько готовится составов?

АФ Примерно шесть. Со мной репетируют такие прекрасные певцы, как Сергей Скороходов, Иван Гынгазов, Динара Алиева, Елена Зеленская и многие другие.

ЕК В недавней постановке Сергея Новикова в Красноярске Турандот занималась провокацией, прикидывалась инвалидом в коляске. А у вас как объяснены действия Турандот?

АФ Она очень хочет власти и делает все, чтобы добиться ее. Турандот выстраивает вокруг себя такую женскую экосистему. Это мир, где женщина гораздо сильнее мужчины, где она выходит победителем и совершает серьезные поступки – в отличие от мужчин. Это касается не только Турандот, но и Лиу.

ЕК А в чем для вас причина ее кровожадности?

АФ Это из-за какой-то травмы, из-за того, что недолюбленная, что в детстве очень испугалась рассказов про страшную судьбу прабабушки. Этот детский кошмар и привел к деформации личности. Так я это вижу.

ЕК Вы же не первый раз ставите на Исторической сцене?

АФ Впервые я был приглашен сюда в 2017 году и делал концертную версию «Путешествия в Реймс» Россини. Я с теплотой вспоминаю эту работу, которая подружила нас с Василисой Бержанской. Потом был «Кандид» Бернстайна: он также значился на афише как концертная версия, но по большому счету у нас получился полноценный спектакль. Тогда пошили огромное количество костюмов, было эффектное световое оформление. Сейчас я с удовольствием готовлю «Турандот» – стараюсь сделать так, чтобы певцам было комфортно существовать в предложенных мизансценах.

Соловей, пташечка

По словам организаторов, постановка Темура Чхеидзе представляет прокофьевскую трагедию-сатиру в пространстве условного лабиринта: каждый персонаж вовлечен в свою форму игры, будь то рулетка, игра эмоций или имитация безукоризненности нравов. Искаженные пропорции декораций подчеркивают деформированные чувства героев, а ювелирная световая партитура (художник по свету – Глеб Фильштинский) делает акцент на выразительных мизансценах.

У зрителей появится возможность оплачивать покупки в Сплит и получать кешбэк баллами мультимедийной подписки Яндекс Плюс. С помощью услуги страхования билетов пользователи смогут возвращать деньги даже в день события. Кроме того, каждый покупатель вместе с заказом получит комплимент в виде промокода для поездки в классах Premier и Elite от Ultima.

«Мы рады сотрудничать с таким знаковым для многих местом как Новая сцена Большого театра России. Уверены, что это позволит сделать постановки еще более доступными для широкой аудитории и поддержать культурный досуг россиян», – рассказал руководитель Яндекс Афиши Данил Гребенев.

В Большом выразили уверенность, что сотрудничество с Яндекс Афишей поможет привлечь в театр новую аудиторию, особенно молодежь.

Реализация билетов будет осуществляться в рамках специальной программы. В электронном билете указываются имя, отчество, фамилия и номер документа, удостоверяющего личность посетителя. Этот документ при проходе на спектакль зритель обязан предъявить контролеру вместе с билетом. Посетитель, приобретающий билет для себя, вправе одновременно приобрести билеты еще для трех человек.

Ввиду колоссальной популярности балета часть билетов на декабрьские спектакли будет доступна к приобретению на аукционе электронной торговой площадки «Сбербанк-АСТ». Для того, чтобы принять участие в аукционе, необходимо заранее подать заявку согласно графику аукционов. Участие смогут принять как физические, так и юридические лица. Часть собранных средств будет направлена на поддержку артистов Большого театра.

Щедрин первым из русских композиторов обратился к незавершенной поэме Николая Гоголя, называя ее своей любимой книгой. «“Мертвые души” – поэма о русском народе, признание в любви к нему, вера в его мудрость и добросердечие. Мне хотелось средствами музыки прочитать поющую прозу Гоголя, музыкой очертить национальный характер, музыкой же подчеркнуть бесконечную выразительность, живость и гибкость родного нашего языка», – отмечал композитор.

Как отмечает Ксения Шостакович, возобновление спектакля происходило буквально «по крупицам»:

«От “Мертвых душ” Покровского сохранилось пятьдесят минут видеозаписи – это всего четыре сцены из девятнадцати. Поэтому пришлось восстанавливать спектакль по крупицам… Собрать образ спектакля помогли и сохранившиеся фотографии. Практически к каждой сцене мы имеем документальное свидетельство, а дальше включается фантазия – моя, художников, хореографов… Так, в финале третьего акта – сложной массовой сцене “Толки в городе” – можно буквально по двум фотографиям угадать мизансцены, и базируясь на них, словно на центре паутины, мы начинаем плести кружево и его обрамлять. Получается фотоцентрическая композиция, вдохновленная Покровским».

Между паузой и звуком

«“Шехеразада” – это практически самый настоящий драмбалет. В каком-то первозданном понимании. Как до известной степени провозвестником модерна является ряд сцен в “Жар-птице”. Для “Шехеразады” мы восстановили занавес Валентина Серова. Папа [Народный артист СССР, премьер балета Большого театра Марис Эдуардович Лиепа] привозил интересные буклеты, купленные на аукционах. И в одном из них я нашел эскиз и показал его нашему художнику, Анатолию Нежному. На основе этого эскиза мы сделали супер-занавес», – рассказал Андрис Лиепа.

В премьерных показах выступят Алена Ковалёва, Мария Кошкарёва, Екатерина Крысанова, Элеонора Севенард, Юлия Степанова (Зобеида); Артемий Беляков, Дмитрий Выскубенко, Владислав Лантратов, Денис Родькин, Игорь Цвирко (Золотой раб); Никита Еликаров, Юрий Островский, Андрей Ситников, Егор Хромушин (Шахрияр); Иван Алексеев, Юрий Островский, Камиль Янгуразов (Шахзейман); Андрей Кошкин, Сергей Кузьмин, Александр Смольянинов, Григорий Чапаев, Егор Шарков (Главный евнух).

За дирижерским пультом – Валерий Гергиев (15 и 16 ноября) и Алексей Богорад (14 и 16 ноября).

Фото: Валентин Серов. Эскиз занавеса к балету «Шехеразада». 1910-1911. Государственная Третьяковская галерея

С 26 по 30 сентября на сцене Культурного центра имени Ататюрка дважды пройдут балеты «Ромео и Джульетта» и «Лебединое озеро». Спектакли станут частью фестиваля искусств «Турецкий культурный маршрут». В постановках примут участие Светлана Захарова, Елизавета Кокорева, Артемий Беляков, Даниил Потапцев, Алена Ковалёва, Юлия Степанова, Дмитрий Выскубенко, Егор Геращенко, Марк Чино. Оркестром продирижирует Антон Гришанин.

20 и 21 сентября на Исторической сцене состоятся показы балета «Конек-горбунок». Его премьера состоялась в Большом в 1960 году в постановке Александра Радунского. Последнее представление этой сценической версии прошло в мае 1976 года, затем балет более чем на два десятилетия исчез из репертуара. В 1999-м хореограф Николай Андросов вернул произведение на сцену ГАБТа. В XXI веке «Конек-горбунок» ставится в Большом в хореографии Максима Петрова. Музыкальный руководитель постановки – Валерий Гергиев, дирижер-постановщик – Павел Клиничев.

25 сентября на Новой сцене зрители увидят «Кармен-сюиту» Альберто Алонсо с декорациями Бориса Мессерера. Спектакль пройдет в один вечер с одноактными балетами «Всего лишь (Just)», «Угасание (Fading)» и «Дивертисментом», состоящим из отдельных танцевальных номеров.

Игра в лошадки

4 сентября на Исторической сцене состоится «Чайковский-гала», который объединит оперную и балетную труппы театра, хор и симфонический оркестр под управлением Валерия Гергиева. Прозвучат увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», сцены из опер «Евгений Онегин», «Пиковая дама», «Чародейка», «Мазепа», «Иоланта», фрагменты балетов «Лебединое озеро», «Щелкунчик» и «Спящая красавица».

На сцене Большого театра были поставлены все оперы и балеты Чайковского. Здесь были впервые исполнены оперы «Воевода» (30 января 1869 года), «Мазепа» (3 февраля 1884 года), «Черевички» (19 января 1887 года) и балет «Лебединое озеро», написанный специально для Большого (премьера – 20 февраля 1877 года). Сочинения Чайковского составляли основу репертуара театра и никогда надолго из него не выпадали.

В текущем сезоне ряд оперных премьер откроет «Иоланта» в режиссерской версии ведущего солиста оперной труппы Эльчина Азизова. Первые показы новой постановки состоятся 11–14 сентября на Новой сцене.

Первой премьерой нового сезона Большого театра станет «Иоланта»

Для Эльчина Азизова, ведущего солиста ГАБТ, «Иоланта» станет дебютом в качестве оперного режиссера-постановщика. Именно в этой опере в партии мавританского врача Эбн-Хакиа он дебютировал на сцене Большого, а затем в Метрополитен-опере (под руководством Валерия Гергиева) и других ведущих оперных театрах мира. В 1997 году певец окончил Азербайджанский государственный университет культуры и искусства по специальности «режиссер кино», впоследствии снял несколько фильмов и поставил ряд театральных спектаклей.

«Я безмерно счастлив, что именно в родном театре имею возможность объединить две свои страсти: режиссуру и оперу. Очень помогает мне то, что я прекрасно знаю каждого артиста, с кем работаю в этой постановке, знаю, на что они способны. Над премьерой трудится потрясающая постановочная команда, которая с большой любовью, вдохновением и креативом реализовала мои идеи. Моя “Иоланта” – это мое ощущение композиторской воли: вся драматургия, все психологические нюансы уже с математической и эмоциональной точностью выписаны в нотах. Как режиссер я постарался сделать ее зримой, не искажая сути, перенеся богатство симфонических красок и вокальных интонаций на язык сценический – честный и понятный. Зритель увидит настоящий замок короля Рене, рыцарей с мечами и принцессу, окруженную верными подругами и пышными цветами», – рассказал Эльчин Азизов.

6 сентября на концерте «Михаил Глинка. Модест Мусоргский. Николай Римский-Корсаков» Гергиев продирижирует фрагментами произведений русских композиторов.

8 сентября тот же коллектив под руководством Гергиева представит Восьмую симфонию Малера – самое монументальное из произведений композитора.

25 сентября пройдет концерт, посвященный творчеству Стравинского. В программе – фрагменты балетов «Свадебка» и «Жар-птица», оперы-оратории «Царь Эдип». Дирижер – Валерий Гергиев.

В постановке Сергея Новикова опера смотрится, как говорится, на одном дыхании, так что задаешься вопросом, в чем же причина ее полузабвения и редкого возвращения на театральные подмостки? После премьеры в МАМТ имени Станиславского и Немировича-Данченко в 1940 году в Москве ее ставили единожды – в Большом (1970). Сейчас речевой стиль прокофьевской мелодики воспринимается совершенно естественно, тем более что оркестр красочно иллюстрирует все детали и психологическую подоплеку поведения героев. Режиссеру нужно было лишь внимательно вслушаться в музыкальную ткань, вчитаться в постановочные ремарки, щедро разбросанные композитором. Новиков, всегда тщательно погружающийся в партитуру, вытянул максимум из этого материала. Удачно придуманная конструкция с поворотным кругом (художник-постановщик –  Мария Высотская) позволила приблизиться почти к кинематографической мгновенности в смене планов: вот хата Семена, где он в скромной горнице ужинает с матерью, а рядом на завалинке бабы и мужики всласть судачат, как Котко сапоги натягивает да усы бреет. Пол-оборота круга – и вот перед зрителем интерьер зажиточного дома кулака Ткаченко, главного мерзавца и перебежчика, тайно поддерживающего связь с немцами. Посередине – церковка, где будет венчание Клембовского и Софьи Ткаченко: туда Котко кинет гранату, чтобы помешать этому и вызволить невесту, которая ждала его все четыре года Первой мировой войны.

Опера начинается с ряда колоритных эпизодов, где мы знакомимся со всеми главными лицами, показанными немножко комично (не в последнюю очередь из-за смачных украинских словечек, которые мы привыкли использовать в других смыслах и контекстах). Добавляют реализма и живые лошади – в сцене бегства Семена из села и в партизанском отряде.

На самом деле Прокофьев вовсе не собирался сочинять бытовую комедию, и действие быстро модулирует в драму, а затем и в трагедию. Опера идет с двумя антрактами, и перед вторым разворачивается главная кульминация оперы – сцена пожара, на фоне которой бьется в помешательстве девушка Любка, чей суженый, матрос Царев, был на ее глазах повешен. Сложная полифония пластов соединяет в единую вертикаль выкрики баб, пытающихся залить водой горящие хаты, реплики гайдамаков, безумные стенания Любки («Нет, то не Василек»), женский хор, причитающий: «Налетели, наскочили злые вороны… Пропала наша Украина…» Световые и видеоэффекты (за них отвечал прекрасный тандем художников Руслана Майорова и Дмитрия Иванченко) усиливают апокалипсический смысл происходящего. И неслучайно зал взрывается рукоплесканиями, чтобы сбросить ужас и переживания, которые реально объединяют зал и артистов.

Режиссерский подход не ограничивается иносказаниями. В ключевом хоровом номере, где бойцы партизанского отряда отпевают казненных матроса Царева (Андрей Потатурин) и старика Ивасенко (Владимир Комович), возникают титры. На фоне звучащей погребальной молитвы на пронзительное «Завещание» Тараса Шевченко зрители читают лаконичные реляции о военных действиях на Украине в 1919, 1943, 2014 и 2022 годах. И каждый волен здесь сделать свой вывод и выбор. Несмотря на достаточно оптимистичный финал (Семен остался жив, невесту отбил, а немцы сами ретировались), во время хорового эпилога («По свободной Украине конница летит») на занавесе вновь появляется изображение мемориала «Острая могила» в Луганске с фигурами четырех героев-защитников разных лет как символа преемственности поколений и возможного пророчества.

Единомышленниками режиссера выступили все артисты и прежде всего музыкальный руководитель постановки и дирижер Валерий Гергиев. Кстати, его заслуга в том, что был выбран именно «Семен Котко», а не «Повесть о настоящем человеке» Прокофьева, о которой первоначально думал режиссер. Великолепный интерпретатор, горячо пропагандирующий музыку этого композитора, Гергиев создал настоящий шедевр: отточенная артикуляция фраз, четкие, удобные темпы, прочерченные линии в сложных двуплановых ансамблях, подчеркнутые контрасты между юмором, сарказмом, лирикой и драмой позволили оценить глубину и красоту прокофьевской партитуры.

В последний день премьерной серии спектакль показали в прямой трансляции, и этот каст солистов, очевидно, можно считать наиболее оптимальным с точки зрения вокала и типажности. Игорь Морозов показал многомерность характера Семена Котко – простого солдата, способного на высокие чувства, готового за любимых отдать жизнь. С вокальной точки зрения Морозов в последнем спектакле подошел к пику формы и был абсолютно убедителен. Гораздо больше вопросов вызвала трактовка Ткаченко у Михаила Казакова. Выставив своего героя эдаким упырем-мерзавцем, он временами «переигрывал» и терял контроль над голосом (как это случилось в его последнем диалоге с Котко).

Удачно подобрались все три молодые героини: куражистая Фрося – Алина Черташ, отважная, подкупающая искренностью Софья у Полины Шабуниной и Любка – Екатерина Морозова, чье ощущение безоблачного счастья сменяется умопомешательством. Свежее звонкое звучание, понимание стиля и естественное существование в предлагаемых обстоятельствах этих певиц стали залогом успеха. В принципе, можно было бы о каждом исполнителе даже самых маленьких ролей написать добрые слова – как эффектно басили мужики в первой сцене (Даниил Акимов и Александр Бородин), а их подначивало трио кумушек (народные артистки РФ Мария Гаврилова, Ирина Долженко и солистка оперы Екатерина Семенова), как аутентичен был Николай Казанский в образе немца фон Вирхова…

«Шел солдат с фронта, тай пришел обратно на фронт». Возвращение «Семена Котко» состоялось в нужное время, когда общество чувствует те же вибрации, что и герои оперы, ищет ответы в посланиях гениев прошлого, к которым, безусловно, относится Сергей Прокофьев.

5 сентября пройдет гала-концерт Аиды Гарифуллиной, а 7 сентября Детский хор Большого театра представит программу «История одного поколения».

8 сентября на Исторической сцене прозвучит Восьмая симфония Малера. Концерт 25 сентября посвятят Игорю Стравинскому, в программе – «Свадебка», «Жар-птица», «Царь Эдип». За дирижерским пультом – Валерий Гергиев.

11-14 сентября пройдут показы оперы Глинки «Руслан и Людмила» в постановке Лотфи Мансури (сценография Тьерри Боске). 13 и 14 сентября спектакль пройдет в сокращенной версии для семейного просмотра.

Сентябрьский репертуар Исторической сцены дополнят балеты «Лебединое озеро» Чайковского, «Конек-горбунок» Щедрина в хореографии Максима Петрова, оперы «Кармен» Бизе, «Царская невеста» Римского-Корсакова, «Борис Годунов» Мусоргского.

Новая сцена откроет сезон премьерой оперы «Иоланта» Чайковского в постановке Эльчина Азизова (11–14 сентября).

15 сентября Государственная академическая симфоническая капелла России исполнит музыку Прокофьева к кинофильму «Иван Грозный».

В сентябрьской афише Новой сцены – оперы «Севильский цирюльник» Россини, «Так поступают все женщины» Моцарта, программа одноактных балетов «Кармен-сюита. Всего лишь. Угасание. Дивертисмент», балет «Сильфида» Левенскольда.

На Камерной сцене имени Б.А. Покровского запланированы показы опер «Дон Жуан» Моцарта, «Нос» Шостаковича (спектакль Бориса Покровского), «Женитьба» Мусоргского, «Игроки» Шостаковича, «Паяцы» Леонкавалло, «Искатели жемчуга» Бизе.

«Я искренне люблю столичную публику и испытываю радость от встреч с ней. Всегда повторяю: в свое время москвичи спасли наш театр. В советскую эпоху мы неоднократно находились на грани уничтожения. Но труппа посещала с гастролями Москву и триумфально представляла здесь программы. В центральной прессе появлялись положительные отзывы. Такое признание становилось для нас гарантией неприкосновенности», – рассказал Эйфман.

«Русский Гамлет» на музыку Бетховена и Малера – связующее звено между Балетом Эйфмана и Большим. Через полгода после петербургской премьеры в 1999 году спектакль был перенесен на сцену Большого театра. Там же в 2017 году была поставлена новая версия балета в рамках гастролей петербургской труппы.

Премьера балета «Преступление и наказание» на музыку Малера и Тищенко состоялась в 2024 году в Санкт-Петербурге. «В нашем спектакле мы не пересказываем сюжет книжного первоисточника, но интерпретируем в танце эмоциональный и идейный мир ключевых персонажей Достоевского. Каждый из них – микрокосм, преисполненный запредельных страстей и сталкивающийся с неразрешимыми метафизическими противоречиями», – отметил Эйфман.

Спектакль пройдет в рамках фестиваля актуальной культуры и перформативных видов искусств «Сезоны». «Чиполлино» объявлен «специальным событием» геленджикских «Сезонов»-2025.

Трансляцию спектакля можно будет увидеть в кинотеатре «Октябрь» в рамках проекта КАРО.Арт и в официальном сообществе Большого театра ВКонтакте. Оперу будут также передавать на большом экране перед историческим зданием театра на Театральной площади. Трансляция проходит при поддержке Минкультуры России, Правительства Москвы, Росконцерта и Первого канала.

Буратино в виртуальной реальности

Художественным руководителем проекта стал премьер Большого Денис Родькин; он же вошел в образ великого импресарио, исполнив заглавную роль. Постановка была создана в рамках фестиваля «Нам нужен Дягилев», организованного Фондом поддержки гуманитарных инициатив «БрукаФестивальФонд» в партнерстве с МГИМО.

Можно сказать, что спектакль выглядит более чем современно, причем во всех смыслах. В нем, к великому сожалению, совсем нет роскоши «Русских сезонов», которую логично было бы ожидать. Вместо этого – крайне экономные, скупые декорации Игоря Чапурина, изображающие изнанку театра, его складские помещения. На сцене расположены коробки, внутри которых как бы собраны костюмы, реквизит постановок Сергея Павловича, – зрителю, конечно, это все приходится самостоятельно домысливать. Довольно скромны, без изысков костюмы персонажей, хотя они чуть-чуть апеллируют к дягилевской эпохе: стилизованные наряды Вацлава Нижинского и Тамары Карсавиной, танцующих «Дафниса и Хлою» (это спектакль в спектакле), немного заставляют о ней вспомнить.

Современный язык постановки заключается и в стилистике, выбранной хореографом: Каггеджи сочетает неоклассику с контемпорари. «У нас все довольно современно. Надо помнить, что балеты антрепризы были новаторскими, поэтому для меня тоже было важно создать что-то новое. Делать просто исторический спектакль в данном случае неинтересно», – говорит автор «Дягилева».

Конечно, рождать первое в мире балетное высказывание о фигуре Сергея Павловича – большая смелость. И весь спектр граней его личности тут не охватить. Постановщики и не стремились рассказать его биографию или поведать о жизненном пути великого продюсера: за основу взяли уже упомянутый период создания «Дафниса и Хлои» на музыку Равеля. Но и здесь решили обойтись без «реалистичности» повествования, желания погрузить зрителя в контекст, дух эпохи, что, конечно, жаль. Четкой драматургии, внятности выстроенной истории, захватывающего сюжета, как оказалось, в постановке нет. Хотя специально для этого был приглашен режиссер Сергей Глазков, который по идее и должен был внятно обозначить смысловую линию действия. Демонстрация балета Равеля также никак не обыгрывается: никаких аллюзий на первоначальную постановку Фокина нет, а ведь можно было бы поиграть в старину.

«В спектакле мы показываем эмоциональное состояние Дягилева, его одержимость новаторством, желание собрать команду незаурядных творцов. Публика увидит его с разных ракурсов – глазами зрителей, композиторов, хореографов, артистов», – декларировал Каггеджи накануне премьеры. На деле же все оказалось совсем иначе: той творческой атмосферы, жизни, которая кипела в «Русских сезонах», в постановке совершенно не увидеть. Да и образ Дягилева не до конца раскрыт создателями, вопреки их словам.

Героя здесь преследует символ Судьбы – Цыганка, которая когда-то предсказала ему смерть на воде. Импресарио страдает от своего воображения и болезненной чувствительности, но в нужные моменты умеет собираться, чтобы представать перед всеми эдаким могущественным боссом. Не зря ему в прямом смысле тут, как идолу, поклоняются артисты и соавторы (а это не только Карсавина с Нижинским, но и Фокин, Бакст, Равель).

Общий текст спектакля выглядит довольно неоднородно: немало фрагментов, грешащих монотонностью, однообразием выразительных средств. К ним, например, можно отнести Пролог, когда Цыганка запугивает Дягилева, отравляя его душу страхом. Каггеджи в данном случае мыслит слишком миниатюрно, давая артистам очень скромное пространство для танца и движения маленькой амплитуды, будто не учитывая масштабы пространства Новой сцены Большого театра: весь эффект, предполагаемый хореографом, смазывается и оставляет ощущение недосказанности.

Но к несомненным удачам можно отнести дуэт-признание в любви Фокина к Карсавиной, поставленный с большим чувством и просто очаровывающим эстетизмом. Или, например, развернутый монолог Нижинского, оставшегося наедине с собой после ссоры с Дягилевым. Его одолевают галлюцинации: девушки-видения из созданного им же «Фавна» душат героя, закутывая его, как бабочку, в кокон из белых шарфиков.

В партитуру спектакля вошла музыка Мориса Равеля и Клода Дебюсси – не только симфоническая, но и фортепианная, и даже вокальная. Любопытно, что «Послеполуденный отдых фавна» здесь исполняется именно в версии для рояля. Занимательна идея постановщиков, воплощенная в начале второго акта: артисты готовятся к выходу на сцену, а из оркестровой ямы доносится какофония, производимая разыгрывающимися музыкантами, в которую вплетен барабанный ритм знаменитого «Болеро» Равеля.

Кстати, сам музыкальный коллектив Большого театра, ведомый Павлом Сорокиным, показал высший класс в интерпретации так редко звучащих ныне в его стенах сочинений французских импрессионистов: такой роскошной чувственности и изысканного флера в исполнении произведений Равеля и Дебюсси еще нужно поискать даже у самых именитых оркестров.

В постановке собрали команду из лучших балетных сил труппы: что ни артист, то звезда. Но, как ни странно, именно Дягилев, которого играет Денис Родькин, не получился столь многогранным. Та разноплановость его чувств, эмоций, о которой было столько сказано (см. интервью с танцовщиком в №5/2025 «Музыкальной жизни»), выражалась как-то точечно: не хватало яркой танцевальной лексики, выразительности пантомимных средств, да и просто запоминающихся деталей.

Потому на первый план вышли другие персонажи: романтичный Фокин в филигранном, точнейшем в каждом па исполнении Семена Чудина, Вацлав Нижинский, реинкарнированный Дмитрием Смилевски, в облике которого действительно можно было угадать контуры легендарного танцовщика, как будто ожившего сто с лишним лет спустя.

Обидно, что хореограф не использовал богатейшие возможности выдающихся артистов труппы Дениса Савина и Вячеслава Лопатина: им достались роли Бакста и Равеля, которые оказались второстепенными и неинтересно выстроенными. Зато Савин был безупречно внешне похож на Льва Самойловича: и знаменитые усы на месте, а пятнистый пиджак, в котором художник запечатлен на портрете кисти Модильяни, автор визуальной части спектакля Игорь Чапурин остроумно дофантазировал.

Денис Родькин: Для меня Дягилев чем-то сродни Воланду

Эдем Ибраимов, режиссер-постановщик обоих спектаклей, соединил две оперы неслучайно: решение стало данью уважения Борису Покровскому, который в свое время тоже поставил их друг за другом, с разницей в один год: «Женитьбу» – в 1989-м, «Игроков» – в 1990-м. «Игроки» Ибраимова – новый проект, созданный в духе постановок Покровского.

В спектакле заняты артисты оперной труппы Большого театра. В партии Петра Петровича Швохнева дебютирует Владимир Байков, в роли Алексея, трактирного слуги, занят артист Молодежной оперной программы Большого Андрей Прысь: ему также предстоит дебют на Камерной сцене. Дирижер – Айрат Кашаев.

Среди талантов Григоровича была способность безошибочно расставлять по местам людей, в том числе и самого себя. Он, без сомнения, входит в ряд исторических фигур, определивших множество человеческих судеб и путей развития искусства. Теперь сама история осмыслит значимость его творчества.

Юрий Николаевич не оставил теоретических трудов, подобных легендарным «Письмам о танце и балетах» его коллеги из XVIII века Жан-Жоржа Новерра. Однако театральная практика и сценическое наследие Григоровича – практическое художественное исследование едва ли не всех фундаментальных вопросов хореографического искусства, волнующих профессионалов и публику во все времена.

В заглавии «Писем…» Новерра показателен союз «и»: между понятиями «танец» и «балет» нет знака равенства; «танец» и «балет» для Новерра не одно и то же. Так это и для Григоровича, всегда энергично выступавшего против «танца ради танца», считавшего хореографию проводником общезначимых идей, а точнее, самого понятия «смысл», без которого танец не имел для него значения.

Григорович мог бы подписаться под словами Новерра: «Театр не терпит ничего лишнего; поэтому необходимо изгонять со сцены решительно все, что может ослабить интерес, и выпускать на нее ровно столько персонажей, сколько требуется для исполнения данной драмы».

Драма – ключевое понятие для Новерра, определившее оптимальный для него пластический язык (Новерр называл его драматической пантомимой) и тип танца: pas d’action (действенный танец).

Драма – жанр Григоровича в балете; суть его спектаклей – danse d’action: танец не декоративный и не иллюстративный, а являющий суть драматической ситуации.

Едва ли не главные для него – вопросы выбора личности в условиях, превосходящих человеческие возможности. Как царице Мехменэ Бану решиться принести в жертву одно из двух: жизнь сестры или собственную красоту и любовь? Как быть князю Курбскому, если твою возлюбленную выбрал в жены сам царь? Что делать, когда тебе предлагают убить любимую, а если откажешься – это сделают другие? Как принцу Зигфриду или принцессе Авроре противостоять силам зла, если они не могут осознать сам факт, что эти силы взялись управлять их судьбами?

Иными словами, Григорович заостряет внимание на коллизиях, где высвечиваются ключевые вопросы бытия, над которыми человечество бьется на протяжении всей своей истории. Тем самым он выводит балетный театр из сугубо цеховой проблематики на уровень общезначимых явлений истории культуры.

Что есть истина? Что способно повернуть ход событий? Например, преодоление себя, своего страха. Жертвенный поступок, свершенный без расчета, но с безусловной верой в его благое предназначение, – так Маша в «Щелкунчике» отчаянно бросает свечу в жуткого Короля мышей и этим не просто решает исход сражения, но преображает весь мир.

Какова ответственность за такие поступки? Кто способен ее на себя взять? По логике Григоровича, это прерогатива личности, проходящей проверку на истинность в подобных испытаниях. Варианты этой темы испытания личности – суть едва ли не всех основных ролей, созданных Григоровичем, в свою очередь востребовавших новый тип исполнителя.

Танцовщик и балерина театра Григоровича – это артисты-личности, не просто выражающие идеи постановщика с яркостью и мастерством, но выступающие его сподвижниками, собеседниками, а то и соавторами. Таковы, при всех различиях масштаба, амплуа и качеств индивидуальности, Борис Акимов, Наталия Бессмертнова, Владимир Васильев, Юрий Владимиров, Александр Годунов, Татьяна Голикова, Вячеслав Гордеев, Ирина Колпакова, Михаил Лавровский, Владимир Левашёв, Марис Лиепа, Екатерина Максимова, Алла Михальченко, Алла Осипенко, Надежда Павлова, Майя Плисецкая, Людмила Семеняка, Нина Семизорова, Нина Сорокина, Нина Тимофеева и многие-многие другие достойнейшие мастера разных поколений, которых в эпоху Григоровича называли не звездами, а художниками сцены.

А вот художник в буквальном смысле слова – легендарный сценограф Симон Багратович Вирсаладзе, которого Григорович называл не иначе как своим учителем и соавтором, – был истинной путеводной звездой хореографа, да и всего театрального мира. Сценография и хореография в спектаклях Григоровича/Вирсаладзе неразделимы, как две стороны одного листа. Вглядываться в их решения – дело увлекательное, плодотворное и бесконечное, потому что содержание их балетов – не только истории персонажей, но движение творческой мысли, открывающей многомерность мироздания.