Тема номера
Современная российская академическая музыка переживает период активной внешней проекции: концертно-гастрольная деятельность выступает наиболее наглядным инструментом культурной дипломатии. Ведущие отечественные симфонические оркестры, балетные и оперные труппы активно осваивают новые направления, находя горячий отклик в странах, которые ранее отсутствовали в гастрольных маршрутах.
В 2025 году показательным событием стали гастроли Большого симфонического оркестра имени П. И. Чайковского в Иране, подтвердившие высокий статус российского исполнительского искусства и взаимный интерес к культурному диалогу. Эта поездка – часть общей динамики последних лет, куда также входят успешные выступления россиян в Алжире, Турции, ОАЭ, Таиланде, Катаре, Бразилии, Кувейте и многих других дружественных странах. Приглашения от Белоруссии, традиционного партнера, остаются регулярными и значимыми.
Отдельный феномен – превращение таких городов, как Дубай и Абу-Даби, в международные хаб-площадки для встречи западных музыкантов с русскоязычной аудиторией. Тем самым артисты, утратившие по внешнеполитическим причинам концерты в России, отмечают значимость этого особого сегмента. А поездка солистов Большого театра в Киргизию подчеркивает непреходящее значение культурного обмена на пространстве СНГ.
Интерес стран Азии, Ближнего Востока, Африки и Латинской Америки к отечественным коллективам свидетельствует не только о высоком исполнительском уровне россиян, их мастерстве, но и о глобальном запросе на искусство, способное стать мостом между цивилизациями, минуя различного рода барьеры.
В Европе, напротив, все еще налицо враждебные проявления политической конъюнктуры. Однако авторитетные западные музыканты и институции, для которых русская классика неотделима от мировой, все чаще занимают индивидуальную позицию. Свежий пример – заявление Риккардо Шайи, уходящего в отставку художественного директора Ла Скала. Итальянский маэстро публично осудил вмешательство представителей политических кругов в репертуар оперных домов. Для открытия сезона в Милане им была выбрана «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича. Этот шаг можно трактовать как мощный символический жест, утверждающий автономию высокого искусства.
Не менее показателен и другой случай: Баварская государственная опера в Мюнхене впервые в своей истории поставила оперу Римского-Корсакова «Ночь перед Рождеством». На спектакль пригласили команду русских певцов, а трактовку сознательно очистили от каких‑либо аллюзий на актуальные военные конфликты, сосредоточившись исключительно на музыке и сказочном сюжете, придуманном Гоголем. Эти два прецедента – в Милане и Мюнхене – образуют тренд: сопротивление навязанной маргинализации русской культуры. Для серьезных музыкантов, к счастью, первостепенны художественная ценность и творческая свобода.
Отдельным заметным трендом‐2025 стало усиление присутствия русской музыкальной культуры в международном медиапространстве. Ключевую роль в этом процессе играют профильные радиостанции и прежде всего «Орфей», который демонстрирует активность на двух фронтах – внутри страны и за ее пределами. В уходящем году произошло значительное расширение географии вещания «Орфея»: к его эфиру подключились слушатели в тринадцати новых городах России, в скором времени ожидается старт вещания в Крыму (Севастополе, Ялте). Параллельно станция провела и содержательное обновление эфира. Осенью фонд «Орфея» дополнился классическими произведениями в исполнении современных музыкантов, записанными по новым технологиям. Руководитель Российского государственного музыкального телерадиоцентра Ирина Герасимова пояснила: «Техника звукозаписи шагнула далеко вперед, выросло абсолютно другое поколение звукорежиссеров, поменялась эстетика… Но хочу сразу успокоить постоянных слушателей “Орфея” – наряду с новым звучанием мы сохранили в эфире и уникальные записи 1950–1970‑х годов, разместив их в специальную рубрику “Платиновая коллекция”».
Однако главным драйвером тренда стало активное освоение международного эфира. «Орфей» – один из лидеров по продвижению русской музыки и обмену контентом с радиостанциями по всему миру, особенно в странах, не входящих в традиционный европейский культурный контекст (исключение – Греция). В фокусе сотрудничества – Латинская Америка (Венесуэла), Юго-Восточная Азия (Вьетнам, Индонезия, Малайзия), Африка (Зимбабве, ЦАР, Замбия, Тунис). Подписание соглашения с венесуэльской радиостанцией в ноябре и ведущиеся переговоры с рядом других стран указывают на то, что в следующем году география этого культурного проекта продолжит расширяться. Стратегия «Орфея» и подобных ему организаций создает многомерную картину: она обеспечивает доступ к высококачественному музыкальному контенту для россиян в новых регионах и, что не менее важно, открывает богатство русской классики для многомиллионной аудитории за рубежом.
Еще одна важная тенденция, определяющая ландшафт 2025 года, – это фундаментальный сдвиг в алгоритмах создания и потребления цифрового контента. Как отмечалось в рамках прошедших в последние месяцы отраслевых дискуссий, битва за внимание аудитории сегодня ведется на поле гиперперсонализации, где этика и прозрачность становятся конкурентными преимуществами. Анна Иванова, директор департамента контента и технологий Rambler&Co, указывает на главный парадокс современного медиапространства: персонализация перестала быть опцией и превратилась в ожидаемый стандарт качества, однако пользователи зачастую не готовы предоставлять данные (например, регистрироваться) для ее обеспечения. Это создает «порочный круг», закрепляющий отрасль в «холодной зоне». Выход видится в переходе на новый уровень с помощью ИИ. Подобная трансформация напрямую касается музыкальной сферы. Принцип «индивидуальной вселенной» может базироваться на осмысленном и вовлекающем онлайн-опыте и применяться к музыкальным рекомендациям, сообщениям о премьерах, концертах, фестивалях. Таким образом, тренд на гиперперсонализацию, движимый нейросетью, становится не только технологическим вызовом, но и этическим императивом для тех, кто занимается созданием и распространением культурного контента в цифровой среде.
Опера по закону жанра всегда должна быть событием, не правда ли? Однако за прошедший год по-настоящему широко и долго обсуждался, пожалуй, только один спектакль – «Норма» Беллини с Альбиной Шагимуратовой в титульной партии. Визуал спектакля и режиссерское решение Сергея Новикова отлично вписываются в «Традицию 2.0» – новый гранд-стиль сегодняшней Мариинки, часто заранее понятный. Главное, публика осталась в восторге от мастерства исполнителей – и не только от примадонны, лучшей сегодня в репертуаре бельканто, но и от того, каким интересным получился ансамбль у них с Екатериной Лукаш, исполнившей труднейшую партию Адальджизы. «Этот дуэт вошел в новейшую музыкальную историю», – писали критики.
«Режиссерская концепция, или где ее искать» – таким мог быть подзаголовок раздела большой итоговой статьи о сегодняшней ситуации в опере. Однако мы подведем черту, ответив кратко: в Нижнем Новгороде. Еще недавно на эту лидерскую строку явно претендовал Пермский театр, но некоторые изменения в оперном ландшафте все же происходят, несмотря на то, что далеко не все театры стремятся выходить за рамки привычной для себя жизни и делать что‑то неординарное. Теперь Нижегородский театр стал удачной площадкой для экспериментов. Например, режиссер Ангелина Никонова поставила там оперу Римского-Корсакова «Золотой петушок», серьезно пошатнув наши предсказуемые ожидания и вызвав споры о трактовке комических и политических подтекстов, а Елизавета Мороз представила интерпретацию «Сказок Гофмана» Оффенбаха, радикально переосмыслив и перенасытив либретто. Так или иначе, эти «диалоги с материалом» ценны и интересны, благодаря им мы не перестаем любить театр.
Неожиданный «штрих» к итогам года – «Мертвые души» Щедрина в Большом театре, восстановление исторического премьерного спектакля режиссера Бориса Покровского (1977). Сам Борис Александрович говорил: «Я не люблю спектакли, которые долго живут, они устаревают. Эта же опера через 5–10 лет имеет право на иную концепцию». Безусловно, «модная» в последнее время череда чудесных воскрешений старых спектаклей в Большом и Мариинке заставляет волноваться, но вот что удивительно: постановщики смогли собрать два приличных состава, с учетом того, что в опере 32 персонажа! В спектакле заняты и ведущие солисты, а также артисты Камерной сцены и Молодежной оперной программы. Снова уровень исполнения оказался первичен и определил общий успех. Получается, в оперное будущее смотреть не так страшно, как иногда может казаться.
Это был балетный год: сложно припомнить такое количество удачных премьер, причем по большей части мировых, созданных отечественными хореографами – мэтрами и молодыми. Интересно, что почти все постановки родились в региональных, а не столичных театрах. Среди триумфаторов‐2025 – маститый Вячеслав Самодуров, создатель одноактных «Танцсцен» на музыку Симфонии in C Стравинского, и это, как ни странно, его первая авторская работа на родной Мариинской сцене, где в 1992–2001 годах он танцевал. Как и в случае с его же «Танцеманией» в Большом театре (2022), мы имеем дело с виртуозной, темповой, захватывающей хореографией, созданной для большого коллектива исполнителей – корифеев и кордебалета. Оба спектакля бессюжетны, но, если можно так сказать, своеобразным сюжетом является само развитие танцевальных событий. Здесь узнаваем стиль Самодурова высшей пробы, с невероятной «концентрацией танца» на единицу времени, фантазийностью и мощной энергетикой.
Его более молодой коллега, еще один премьер Мариинского театра – Александр Сергеев, все более громко заявляющий о себе как хореограф, – выпустил в этом году два знаковых спектакля, но не дома, а в оперных домах Казани и Нижнего Новгорода. В столице Татарстана, в рамках Фестиваля современного балета StagePlatforma он представил мировую премьеру одноактного балета «Пуаро» по мотивам романа Агаты Кристи «Пять поросят». Спектакль на специально написанную музыку Эльмира Низамова получился атмосферным, в духе 1920‑х годов. Композитор сам сидел за фортепиано в оркестровой яме в составе джазового трио, играя в ритмах регтайма и чарльстона. Под стать музыке – и изобретательная хореография Сергеева, особенно интересным получился образ Эркюля Пуаро (Олег Ивенко), который лихо управляется со своей тростью, «пронзая» ею, будто рентгеновским лучом, всех насквозь и выводя на чистую воду преступников. Еще одна замечательная работа Александра – «Лебединое озеро» в Нижегородском оперном театре. Центральной фигурой здесь становится Зигфрид, а главной изюминкой – оригинальная партитура Чайковского 1877 года.
Ну и две ярчайшие мировые премьеры осенью представили в Оперном театре Саранска. Это одноактный балет «Дары волхвов» по одноименному рассказу О’Генри на музыку Кузьмы Бодрова в хореографии Олега Габышева (в рамках нового проекта «Дягилев. Новое») и полнометражный двухактный «Федор Ушаков» о том самом легендарном адмирале, который является главным гением места для Мордовии (именно здесь он провел последние годы, здесь и похоронен). Ради «Ушакова», по инициативе главного дирижера театра Максима Акулова, даже провели специальный конкурс. Победили молодые, но уже достаточно опытные: московский композитор Ерджаник Оганесян и петербургский хореограф Антон Дорофеев. На наш взгляд, премьеры в Казани и Саранске продемонстрировали, насколько публике интересны свежие идеи, новые названия, яркие литературные и исторические персонажи, нетривиальные истории.
Елизавета Леонская продолжает постулировать современный взгляд на музыку прошлого, оставаясь вместе с тем идеальным воплощением той великой пианистической эпохи, что не поддается имитации. Весомая часть российской публики Елизаветы Ильиничны, полагаем, приходит на ее регулярные, но далекие от рутинности концерты в Москве и Петербурге из жгучих ностальгических чувств. Однако, думается, немало и тех, кто ценит Леонскую за поисковую неуспокоенность, готовность и способность пересматривать собственные воззрения на музыку, казалось бы, прожитую и пережитую во всех тонкостях. Никогда не знаешь наверняка, каким будет ее очередной Шуберт, Шуман или Бетховен, если не иметь в виду техническое совершенство интерпретатора. И в эту сущностную «рулетку» играть чрезвычайно интересно как минимум дважды в год.
Надо сказать, большая роскошь – жить в уже привычном предощущении концертов Елизаветы Леонской, охотно приезжающей в Россию даже в нынешнем контексте. Планировать свое слушательское будущее, отчасти исходя из этих выступлений. И не задумываться при этом о бегущей секундной стрелке часов и твоей собственной жизни, и жизни музыканта, победившего в себе биологическое время. Убедившего если не всех, то многих в его несущественности по сравнению с музыкальной вечностью.
Феномен Олега Худякова, победившего в дирижерской номинации Второго международного конкурса имени С.В. Рахманинова, еще предстоит осмыслить. Пианист с международной карьерой решил получить вторую профессию и снова поступил в Московскую консерваторию, где набирался опыта, управляя концертмейстерами-пианистами, либо камерными оркестрами. И тут – серьезнейшая конкурсная программа с симфониями и концертами Рахманинова, венских классиков. По признанию жюри, Олег всех покорил, убедил в серьезных перспективах и, судя по всему, поймал свой шанс. Во втором полугодии он уже выступал в фестивалях Дениса Мацуева в Суздале, Иркутске, с оркестром «Северная Cимфония» сделал программу в джазовых тонах (Гершвин, Бернстайн, Цфасман) в концертном зале «Мариинский»: везде были и серьезные аккомпанементы, и оркестровые номера. А под занавес года Олег Худяков с Федором Безносиковым решили сыграть дуэтный вечер из музыки для скрипки и фортепиано: показать, что дирижеры – это «играющие тренеры».
Уже второй год одним из ключевых событий творческой жизни Нижнего Новгорода становится фестиваль «Современная музыка», воссозданный по инициативе художественного руководителя Нижегородского театра оперы и балета Алексея Трифонова. Заметный для страны и мира, сущностно убедительный и музыкантски значимый горьковский форум успешно существовал с 1962 по 1989 год, после чего был закрыт руководством местной филармонии. Возрождение «Современной музыки» вызвано не только признательностью главным фигурам фестиваля – Мстиславу Ростроповичу, Израилю Гусману, Дмитрию Шостаковичу, – но и безусловной необходимостью: в России – нехватка больших фестивалей музыки XX века, при обилии возможностей для публичного представления новейшей академической музыки.
Фестиваль этого года был посвящен восьмидесятилетию Победы в Великой Отечественной войне, однако на уровне концертных программ очевидно длил память о трагедии всей Второй мировой войны – настолько широко была представлена музыкальная география, значительно превосходившая по охвату отечественное искусство советского и постсоветского периодов. Параллельно музыкальным открытиям ищущая и восприимчивая фестивальная публика могла наблюдать за масштабным фотопроектом к девяностолетию Нижегородской оперы: первая выставка работ Алика Якубовича, фиксирующая закулисье театра, обосновалась в фойе Концертного пакгауза, вторая – в театральном пространстве. Автором идеи выступил Алексей Трифонов, кураторскую роль в проекте «Город оперы и балета» взяла на себя Олеся Дедова.
Событием в Нижнем Новгороде стал и Всероссийский хоровой фестиваль «Приношение Мастеру» к 90‑летию Льва Сивухина – легендарного руководителя Капеллы мальчиков. Несмотря на массовость жанра, хоровое искусство по-прежнему остается в своей нише. Но все, кто побывал на концертах фестиваля в Нижегородской консерватории (также была и трансляция отдельных концертов), не могли не почувствовать, что хоровая музыка сейчас также аккумулирует в себе все основные стилистические течения и может быть воспринята как любителями элитарного искусства, так и демократическими массами. Форум собрал двадцать пять коллективов из Москвы, Саратова, Казани, Тольятти, Перми, Иваново, Новосибирска, Минска. Среди них были флагманы – Altro Coro и его руководитель, ректор РАМ имени Гнесиных Александр Рыжинский, консерваторские хоры из Саратова и Минска. Плюс постоянно действующие профессиональные коллективы – Госкамерный хор Республики Татарстан и его лидер Миляуша Таминдарова, Муниципальный хор «Нижний Новгород» под управлением Ивана Стольникова, который в этом году стал соорганизатором фестиваля вместе с президентом Нижегородской консерватории Эдуардом Фельтермейстером. На одном полюсе программы был «Плач Адама» и Salve Regina Пярта, на другом – «Отчалившая Русь» Свиридова. А также мировая премьера опуса «Былина» Юрия Потеенко, специально заказанная фестивалем.
Среди экспериментов – проекты с новой музыкой, инициированные Союзом композиторов России. «Броненосец “Потёмкин”: новый курс» стал одним из самых смелых музыкальных высказываний года. Поставленная задача – создать оригинальный саундтрек к легендарному немому фильму Сергея Эйзенштейна сквозь призму актуального музыкального языка. Кураторами проекта выступили киновед и глава Эйзенштейн-центра Наум Клейман и руководитель Центра киномузыки Московской консерватории Сергей Уваров. Отобранные благодаря опен-коллу композиторы – Роман Цыпышев, Алексей Сысоев и Екатерина Хмелевская – работали с «архитектурой» фильма: ритмом монтажных склеек, геометрией кадра, эмоциональной динамикой сцен. Их музыка не иллюстрирует изображение, а вступает с ним в диалог, порой резко обнажая скрытые смыслы. Показы стали возможны благодаря поддержке Госфильмофонда и прошли на трех площадках с живым исполнением: квартет солистов OpensoundOrchestra – в «Иллюзионе», пианист Юрий Фаворин и квартет солистов OpensoundOrchestra – в «ГЭС‑2», OpensoundOrchestra под управлением Станислава Малышева – в «Зарядье».
Еще один экспериментальный проект – лаборатория «пиши балет». Задуманная как опыт создания новой музыки, коллаборация Союза композиторов и «Урал Оперы» превратилась в реальный инструмент заказа: появился одноактный балет «Быстрые свидания» с музыкой шести авторов. Из почти 150 заявок были отобраны москвичи Александр Белоусов и Лидия-Мария Кошевая, петербуржцы Глеб Лукомец и Андрей Чернышёв, а также Ригель Винская из Пятигорска. Большинство композиторов впервые работали с балетом или музыкальным театром! Каждый создал музыку в связке с хореографом, а куратор – помощник худрука «Урал Балета» Антон Пимонов – собрал все в единую пластичную форму. Костюмы созданы в сотрудничестве с брендом MARÉM. Художник по свету москвич Дмитрий Викулов, также выбранный по конкурсу, придумал подвижную световую конструкцию, ставшую двигателем всего сценического действия.
